绪论:写作既是个人情感的抒发,也是对学术真理的探索,欢迎阅读由发表云整理的11篇声乐演唱论文范文,希望它们能为您的写作提供参考和启发。
(一)大嘴手偶教具的运用
1.口咽腔横竖打开的不同
将手偶的嘴以两种方式比较口咽腔的打开,一种是竖开,另一种是横开。手偶能形象地引导学生理解口咽腔的打开。通常美声是用竖开,想着“噢”,软口盖自然提起,口咽腔自然打开而稳定;民族唱法用横开,想着“衣”,软口盖横向打开。对于不同嗓音条件的学生教授不同的唱法,因材施教。
2.韵母位置的对比
在歌唱中文作品的时候因韵母的着力点不同,分成了四呼:开口呼、齐齿呼、撮口呼、合口呼,这里主要介绍前面两种。唱w哇、t他、l拉、m妈,这些母音属于开口呼,着力点在喉咙,将手偶的嘴打开,指着最里面,引导学生唱母音时要着力于喉;而唱ti踢、li里、mi米、ni你、di地,这些i母音属于齐齿呼,着力点在牙齿,指着手偶的牙齿,引导学生唱i母音时的要着力于牙齿。也就是母音在口腔后面发声,i母音在口腔前面发声,这样生动的对比,学生能更准确地理解和掌握。
(二)彩虹弹簧教具的运用
彩虹弹簧在声乐教学中主要用于歌唱位置的上、下、前、后的直观对比。
1.上与下的对“上”即是低音上唱
指的是唱较低音区的时候,仍然要保持发声向上的高位置。教学过程中教师用双手竖拿弹簧,上面单手向上拉起弹簧,引导学生在低音区向上唱。而“下”即是高音下唱,学生通常唱高音的时候容易喉头上提,声带容易发紧,影响发声,因此高音要往下唱,使喉头自然下沉。同样双手竖拿弹簧,下面单手放开弹簧,使其向下松开,这时引导学生在高音区往下唱。还可以让学生拿着弹簧唱,直观理解、掌握低音上唱、高音下唱的技巧,这在实际教学中效果立竿见影。
2.前与后的对比
“前”即是面罩部位,即为鼻咽腔和头腔的共鸣,也是声乐演唱中追求集中、明亮、靠前的共鸣位置。为了让学生理解这抽象的共鸣,教师双手横拿弹簧,单手向前拉弹簧,引导学生歌唱时向前唱。“后”即是喉腔共鸣,也有专家形容为“吸着唱”,特别在演唱意大利文作品时,后者是必要的发声途径。教师双手横拿弹簧,单手向后像射箭姿势拉开弹簧,引导学生歌唱时向后唱,这时的歌唱通道会非常畅通,喉腔共鸣会放大。
二、声乐演唱感觉比较法
(一)腔体控制感觉比较
在声乐教学中培养学生对腔体控制感觉的掌握非常重要,可以通过不同难度、不同强度的发声练习,让学生体会腔体肌肉控制的感觉。比如说“软起声”和“硬起声”的不同。“软起声”往往会让学生走入过度“松弛”的误区,实际上“软起声”时得引导学生使劲用力小声唱,在保持腔体紧张度的打开下,缓吸气发声,让声音缓缓唱出,如同水龙头保持开得比较小的感觉。“硬起”就是引导学生发声前保持不吸不吐一刹那停顿的感觉,起音要积极敏捷,有爆发力但不能太过度。
(二)声音听觉的比较
声乐是一门听觉艺术,训练学生拥有敏锐、聪慧的听觉是相当重要的。
1.在教学过程中将学生演唱的作品录下来
与歌唱家的录音版本进行对比,让学生加深对声乐作品声音的理解,反馈回内心形成听觉需要,从而帮助树立正确的声乐概念。
音乐表演艺术总的分为两大类,一为声乐,一为器乐。其中声乐是用人声唱出的带语言的音乐,是音乐与文学的结合的一种综合性的艺术表演形式,这一表演形式在国外是专指歌唱,在中国则是歌唱、戏曲演唱和曲艺演唱的统称。与同为音乐表演艺术的器乐演奏相比较,有着语意表达直接、感情表达真挚的特点。在声乐演唱过程中,声乐并不能孤立的去看待,好的歌唱并不是单纯的把声音发出来就可以了的,在对于歌曲的思想内容、音乐主体的理解与表现上,在对于语言韵味与演唱风格的把握与表现上,体现出鲜明的艺术性。
声乐艺术最突出的特征是语言与音乐的高度结合,世界上无论哪个国家或任何一个民族都不能例外,声乐语言,从创作到演唱应包含三个层面的内容,第一是词作者根据现实生活中的元素或者已经被创作过的具有典型性的文学语言——歌词。第二是曲作者根据歌词内容所呈现情感画面所创作的既能体现歌词的内容情感又富有音乐性的语言——旋律。最后是声乐演唱者通过对歌词和曲调的独特理解,用歌声把以上两种语言生动的表演出来,世界上无论哪个国家或任何一个民族都不能例外。简单的说为“歌必有词”。当然也有无词的歌,如前苏联作曲家格里埃尔的《声乐协奏曲》,作于1943年,是苏联音乐史上第一首为人声而写的协奏曲,作品虽然没有直接体现战争主题,但它所描述的苏联大自然的美,苏联人民在卫国战争严峻考验的日子里表现出的纯洁自豪,满腔热情和对祖国的热爱,以及对幸福的向往和对胜利的确信,都是紧紧地同当时的现实联系着的,正是因为这样,这首作品虽然没有歌词,但是它的内容却明确易解。还有一些歌曲中用大量的衬词以及歌曲的花腔部分,这些都是整个歌曲中随歌曲内容的情绪产生的一种表现手段,如歌剧《魔笛》中的夜后咏叹调《复仇的火焰在我心中燃烧》,表现了她的复仇心理,正因为声乐艺术的基本特点是语言和音乐的结合,我们在学习声乐和教授声乐的过程中就一定要紧紧围绕着这个基本特点学习和教学。
演奏音乐需要有乐器,人声乐器怎样发出歌唱的声音,在人声这个乐器中,有一种独特的功能是任何乐器都做不到的,就是配合歌声时发出传情达意的诗词歌赋,我们把其称为歌唱的语言。声乐艺术就是音乐与文学的结合形式,语言是声乐的重要组成部分,歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生的,无论歌唱者的技术多么高超,如果离开语言,也是空洞的,没有灵魂的,更构不成歌唱的艺术,通过音乐和语言的结合塑造出各种各样心灵的情感和各式各样的音乐形象,这才是声乐艺术的魅力。“诗言志,歌永言,声依永,律和声”,早在《尚书》中的论述就明确了声乐艺术的性质。
歌唱语言的准确掌握运用,无论在美声唱法还是在我国的民族唱法这都是不可改变的重要原理。歌唱语言的准确掌握运用,是歌唱技术的重要训练课程,尤其是我们运用美声的发声方法,来演唱中国作品的时候,由于中国的语言文字与欧洲语言文字在结构和发音上有较大的差异,导致某些发声技术上的差异,有一些学生在演唱时过分注意发声方法以及声音,而忽视了语言的准确性,导致演唱的时候,听不出其中的歌词也就是语言,更不用说进一步了解所演唱歌曲的内涵,而另外一些人则是过分注意咬字,忽视了字的结构,把语言分解开演唱,使人听起来非常吃力,进而破坏了音乐的连贯性和完整性,破坏了歌唱发声的基本原则,有人说美声唱法只注意声音而不注意语言,这是不正确的,美声唱法之所以在欧洲产生,并不是发源地意大利地区民族天生就是那种声音,美声唱法的形成与意大利的语言特点是分不开得,意大利语的语言的发音特点比如,元音结尾,辅音比较纯,说话习惯的夸张性,以及豪放的热情性格等,这些特点对于美声唱法的发声方法的产生和发展起着决定性的作用。
在我国的民族唱法中和戏曲演唱中,更是对于发声咬字的准确和清晰提出了明确的要求,如沈括在《梦溪笔谈》中写到:
“古之善歌者有语,谓‘当使声中无字、字中有声’。凡曲,只是一声清浊高下如萦缕耳。字则有喉唇齿舌等音不同。当使字字举末皆轻圆,悉融入声中,令转换出无磊块,此谓‘声中无字’,古人谓之‘如贯珠’,今谓之‘善过渡’是也。”在我国古代歌唱艺术中把对语言的训练放在一个相当重要的位置,把每个字的演唱规范的十分详尽。字有声调:阴、阳、上、去;吐字分五音:喉、舌、唇、齿、牙;“四呼:开、齐、撮、合。”每字又细分:字头、字身、字尾。严格规定了如何出字如何收音。这些歌唱训练的原则应用于当时的梨园、教坊以及后来的各地方戏曲的科班。在我国传统的声乐艺术演唱中,十分讲究吐字、行腔。要求“字正腔圆”。
声乐艺术是音乐和文学的结合形式,语言是声乐的重要组成部分,歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生的,语言直接准确地传递着情感和思想感受,声乐确切的文字语言是任何其他的音乐形式所不能与之相比的,因此无论我们训练的声音多么的响亮优美,无论我们的声乐技巧多么的完美,如果离开语言,那是毫无意义的,也就构不成歌唱艺术。语言是声乐的精神部分,声音则是表达语言的手段,而艺术化的美丽的声音本身也包含了很高的文化意识。通过音乐和语言的结合,塑造各种各样鲜明的音乐形象,传达心灵的情感,这就是声乐艺术的魅力。因为有了文学语言,使得声乐艺术成为所有音乐形式中最容易把相对抽象的乐音与比较确切的情感表达结合起来的形式,因此无论是在声乐演唱还是在声乐教学过程中都不应忽视语言的重要性。
文学的中介是语言,对语言的认知、反应、归纳、表述———即驾驭语言的能力如何,直接反映着个人的文学素养。要想使自己的演唱声情并茂,感人至深,首先,必须使演唱符合歌词的内在要求,必须要有着较高的文化修养。好的文化修养都是从一定的文化底蕴中所产生出来的,高尔基说过:“读一本好书,就是与许多高尚的人交谈”。读书是提高个人素质和修养的重要途径。多读书,读好书,在读书的过程中我们通过了解书中的知识,可以对问题进行多方面的认识和思考,在读书中丰富自己的知识层面,在积累的过程中思想才会不断地进步。思想是行动的指南,思想有多远,行动就能走多远。在读书学习的过程中会逐渐完善个人素质修养的,有了正确的思想基础,就会有明确的行动方向。思想既要继承也要发展,要与时俱进,适应时展的要求。
二、多听多唱,提高自身音乐修养
学习声乐的过程中,多听多唱对声乐的学习起着关键的作用,只有多听音乐才能更全面地了解音乐,才能更好地把握音乐,多听多唱不仅对歌唱者的乐感还是音准、节奏等方面都有着很大的影响,而且有助于提高歌唱者对音乐的兴趣爱好。好的音乐具有五大功能:一是声,好的声音传入耳朵被大脑感知作用于人体;二是情,音乐可以直接的表达人的情感,向人类诉说着感情中的喜、怒、哀、乐等,直接作用于思维和人的肌体,产生养生健身效果;三是意,同样的歌词,不同的旋律和节奏,所表达的音乐情感是不相同的,音乐具有着多样性,根据作曲家的经历和个性等因素的不同,对作品的理解也不同,同样的音乐在不同的演奏者或演唱者的二次创作中所表现的音乐意境也是不相同的;四是速,在音乐中节奏的快慢和对音乐情绪的波动控制,对、思维与反应产生有着非常直接影响,快而强的音乐使人听之欲动,感觉有力或振奋,安静又祥和的音乐则使人心非常绪平,雄壮有力之乐使人精神倍加抖擞;五是音波,即音乐所产生的音波,也会对人的生理反应产生不同的影响。所以,多听能体会出乐曲独特的表达方式,多赏析各类音乐作品,对声乐演唱着也是非常有益的,不管是中国作品,还是外国作品,古代的还是现在的,在欣赏不同音乐的过程中,带来的体验是不一样的,但都有着相同的对音乐的共鸣,逐渐达到“未成曲调先有情”的境界。俗话说:“拳不离手,曲不离口”,“冬练三九,夏练三伏”。在学习声乐的过程中,一定要坚持自己的目标,和所规定练习的计划,只有坚持不懈的思考和练习,才能真正的掌握声乐所需要的技巧,在不断的练习和思考的过程中,才能巩固并完善声乐演唱所需要的技巧,在巩固技巧的同时,才能将技巧更好的运用到声乐的作品中,将作品反复的练习,熟能生巧。技术、情感、表演等相结合才能使声乐的演唱更加完整。
三、了解作品的内涵需要文化与艺术修养的配合
把握一首作品的内涵,首先要了解作品的创作背景以及作者所要表达的感情,这就需要具备一定得文化素养。怎样通过演唱来表达出来,就要要求演唱者具备良好的艺术修养,两者结合才能完美的诠释作品。早在春秋时代,孔子就主张礼乐教化人民,追求大同世界。老庄主张回归自然,回归人的本真境界。提高自身素质,树立美好形象,依靠的是人的自觉性和顿悟性。一个人只有在内心深处有追求真、善、美的渴望,有自觉接受教育、改正缺点的愿望,才有可能改变自身形象,提高自身素质。以人为本的自主创新精神,是科学发展观的本质和核心。科学永无止境,探索永无止境,思想解放也永无止境。科学的最基本态度之一就是探索,这对声乐演唱者也是至关重要的。作为一名声乐演唱者,具备一定的文化素养是有益并且必要的。它不仅可以使声乐演员对音乐作品进行细密的赏析、正确的理解和精湛的表演,并且能够更好地理解作品的文化背景和艺术内涵,从而使声乐表演更加传神,生动,产生强大的艺术魅力和情感张力。
大家所熟悉的意大利著名男高音歌唱家帕瓦罗蒂,他在25岁之前,演出屡次失败,他绝望的要告别舞台。于是,他便决定举行一次告别演出,这种绝望的心情使他摆脱了精神负担,那次他唱的很好。他在舞台上找到了自我控制力,成为一名优秀的歌唱家。
以上实例可以说明,“演唱是一项非常高级的生理活动和心理活动。”有了正确的生理状态做前提,成功的关键就是有一个良好的心理状态,二者缺一不可。
歌唱心理活动的是否正确,不仅影响到歌唱的结果,还影响到发声器官的健康。由于长期患病产生了心理上的障碍,有时虽已将病治好,但发声障碍如故。还有的人不知道自己患病时,声音很好,一旦听说有病,声音就立即变坏。其实这都是歌唱心理的巨大作用引起的一些消极作用。所以,我们在学习声乐时,一定要重视歌唱心理活动,注意培养正确的心理活动。
二、歌唱心理调控的方法
当我们了解到心理调控的重要性和影响因素之后,面临的深层的问题就是如何利用科学的心理方法开展声乐训练和演唱。一个训练有素的优秀歌唱演员,具有良好的歌唱心理素质,能够适应不同的观众群体、不同的场景,能给歌唱者带来莫大的喜悦和幸福,反之则给歌唱者带来痛苦和失望。根据前述分析,歌者的心理受各种条件的影响和制约,如何在训练和演唱中积极主动的利用各种条件,避免不利,增强心理素质,提高演唱水平是每个歌者在训练中的重要课题。针对不同的情况,可以通过以下几种调整心理活动的方法,调节演唱者的情感情绪,营造良好的学习氛围,提高效率,克服紧张心理。
(一)演唱前做好充分准备
一个歌唱者对于自己演唱的曲目,如果准备不充分,就会害怕出现问题。或对歌词不够熟练,而害怕忘词;或伴奏没有合好,而担心在台上出丑等。可想而知,当歌手演唱一首非常生疏的歌曲或是超出自己力所能及的作品,肯定会产生一种紧张心理,所以,一定要做好歌唱前的充分准备。第一,对于即将演唱的歌曲,要有足够的视练时间,熟练乐谱,注意音准、节奏、严肃认真、一丝不苟。第二,熟背歌词,歌词要背得纯熟,达到不假思索地脱口而出的程度,这样就不必担心错词、忘词。第三,要多合伴奏。在合伴奏时,就像亲临舞台一样。第四,解决歌曲难点。要找出歌曲中的难点,分别一一解决。如对某一个音,某一个字,某一唱段,某个间奏等都要准确无误。第五,不要演唱超出自己最佳音域的歌曲,如果对于演唱的歌曲音域不合适,可反复试验,定出切合自己最佳音域的调,使之演唱时,无论高音、低音唱起来都得心应手,运用自如。如果更改调后还是力不从心,就应当机立断,改换歌曲。第六,每当上场前,一定要从脑子里静过一遍。无论歌曲的生熟,在上台演唱前,集中精神,像实际演唱一样,小声地静过一遍,这不但熟悉了曲目,也会减少紧张程度。第七,苦练基本功。有些学生平时练习基本功不刻苦,到了考试时,就紧张的不得了,不是怕气息上浮,就是怕声音出不来;不是怕低音下不去,就是怕高音上不去。因此,只有苦练基本功,熟练掌握演唱技巧,才能信心百倍,收到好的效果。
(二)建立必胜的信心
信心是放松的基础。没有信心,或信心不足都会产生紧张的心理,导致演唱失败。因此,建立成功和必胜信心是克服紧张心理的先决条件。
信心和技巧对于演唱同等重要,信心越大,心理就越放松,演唱水平就越高;信心越小,心理就越紧张,演唱水平就越差。因此,信心是克服紧张情绪的重要措施。实践证明,歌手树立“我一定要演唱成功,我一定要获胜”的信心,就会大大削弱紧张情绪,就会沉着冷静地演唱。在演唱前尽量避免会友交谈、兴奋等。
(三)加强舞台实践
首先明白歌唱艺术是必须同听众见面的艺术,培养“调控”心理应多加强舞台的实践活动,要多搞一些小型汇报会或演唱会,体会舞台感和驾驭自己的能力,特别是在一些带有娱乐性的场合进行表演,较为轻松的气氛和快乐松弛的环境会缓解表演者的紧张情绪。一般在上台前,要稳定自己的心情,要体会自己练声、练唱时的感觉,心里默唱一下要演唱的歌曲,这样的松弛不仅有利于表演,更有利于发音器官的生理机能自由活动,而不会因心理紧张造成僵化、呆滞的状态,以至破坏声音自然流畅的表现。
(四)从平时的练习中培养良好的歌唱心理
首先是意志和性格的培养要沉着和自制力,多接触与声乐活动有关的事物,锻炼自己适应环境的能力来克服情绪的干扰,加强艺术修养,培养从事艺术事业的情操,增强声乐学习的动力。因为声乐作品的演唱是既有欣赏因素又有再创造因素,所以每个演唱必须要赋予歌曲的生命。
(五)从目的和美好的声乐艺术激发歌唱情绪
当明确今天的训练是为了明天的事业的时候,这种事业心就会增强他下定决心克服困难的意志。更能调动其学习声乐的积极性,培养学习的兴趣。情绪积极便使心情愉快,有了这样一个良好的学习氛围,就能充满信心地投入到技术训练中去。
另外,还可以采取联想的方法,多联想自己生活中与歌曲内容表达场合的生活场景,尽量让自己有一个生活中的心理状态,其次可以演唱一些简单短小的练声曲或者哼鸣曲,充分放松声带,还可以打打哈欠,将喉头放下,回归到很松弛的状态,同时暗示自己紧张解决不了任何问题,只有放松下来状态才能好。
总之,歌唱心理是来源于客观存在歌者大脑中的反映,但又反作用于演唱者的行为中。在声乐演唱中,心理调控起到很大的作用。因此,作为一名声乐学习者应该认识到心理活动在声乐演唱中的重要性,适时地应用各种调整情绪的手段,激发演唱的激情,能自觉地保持高涨的情绪来训练声音,从而达到理想的演出效果。一个演唱者应该运用科学的方法,正确认识和对待客观事物,不断提高自己的心理素质,并用来正确指导自己的实践行为。此外,声乐演员技巧的训练和心理素质的锻炼两者同等重要。两者的关系是相辅相成的。演唱技巧的日益提高会使人充满自信,精神饱满。反过来,自信和轻松的心理状态又有助于演唱技巧的发挥,使演唱达到完满无缺的境界。
参考文献:
[1]邹长海.声乐艺术心理学[M].人民音乐出版社,2000.
[2]范晓峰.声乐美学导论[M].上海音乐出版社,2000.
[3]徐行效.声乐心理学[M].科学出版社,2003.
二、视唱练耳能力在声乐表演艺术中的运用
作为声乐表演艺术来说,要使声乐具备艺术感染力,达到和谐准确的效果,离不开视唱练耳能力的发挥。视唱练耳与声乐表演艺术是密不可分的关系,一方面视唱练耳教学源于声乐教学实践,另一方面声乐表演又为视唱练耳提供了丰富素材,有助于练耳训练的开展实施。
(一)视唱练耳能够有效增强了声乐表演中的音乐基本能力
声乐表演是对音乐作品加以演绎的过程,其间贯穿了对音乐作品音准、节奏、表情的把控,而这些音乐基本能力都是视唱练耳的重要内容,因此,声乐表演艺术本质上就是将视唱练耳加以综合的一个过程。视唱练耳与声乐表演之间存在着相辅相成的关系,一方面视唱练耳无法脱离声乐表演独立存在,另一方面声乐表演也只有在视唱练耳能力的作用下才能够唱准、唱对。视唱练耳对声乐表演基本能力的促进作用,虽然不仅仅存在于声乐表演这一单一音乐活动中,但毋容置疑的是,声乐表演渗透了视唱练耳的基本内容。
(二)声乐表演中的音感及演唱技巧需要视唱练耳技能的参与
视唱练耳中的视唱环节为声乐表演技巧的提升奠定了基础,声乐演唱要达到旋律的优美和音感的自然流畅,需要有效调动视唱练耳中的基本技能。在开展声乐教学时要沿用视唱练耳的技巧方法,在演唱中要及时调整呼吸,在节奏停顿上要合理有序,从而更好地控制音准及节奏,使声乐演唱达到饱满圆润的艺术效果。此外,在声乐演唱技巧及演唱方法的使用上,讲究乐句之间在换气时要保障演唱旋律的连贯自然,在演唱下行时,声音要保持在高位状态,在演唱上行时,声音则要保持在低位状态,而这些技巧也都是视唱练耳中突出强调的。因此,声乐表演过程中,处处都渗透着视唱练耳技巧的使用,两者是一种水融,互相促进的关系。
一、 声乐教学是美化“嗓音乐器”、“去伪存真”的过程
声乐教学不同于器乐教学,其困难之处在于,声乐学习的过程也是制造嗓音乐器的过程,而每个人的自备“乐器”各有差异。声乐教学是一门特殊的学科,声乐教学不同于在乐器上进行看得见、摸得着的技能教学,声乐教师必须凭自己的听觉对学生施以不同的教学,学生只能凭“感觉”用意识调节来接收教师的教学方法,由此可见其抽象性、困难程度。
一个学生优美的音质绝不是声乐老师给他创造出来的,而是天生的。这就好象是在泥沙中淘金,声乐老师充当的角色就是淘金者,通过一道道工序,把沙和一些杂质去掉,从而得到金光闪闪的金子。即通过种种训练方法,有计划地去除学生身上阻碍了美好声音产生的不该有的杂质或其它因素,把学生优美的音质挖掘出来。每个声乐老师就是制造、美化嗓音乐器的工程师,乐器做坏了可以重做,而人的嗓子一旦唱坏就无法再重新更换。作为一个声乐教师,要爱护学生那两片薄薄的、细嫩的声带,有计划、有目的地对学生这个“毛坯乐器”进行打造、调整、美化,让他能发出辉煌的、响亮的、动听迷人的声音。
二、关于气息问题
气息在歌唱中是相当重要的,在教学中怎样去解决这个问题是很难的,笔者在十几年的学习、演唱、教学的实践中,一直在探索与研究。笔者认为运用腹式吸气法为最好,即把气吸到以肚脐眼为中心的下丹田。以胸腔口为界,以上称为“正点”,以下称为“负点”,吸气要在“负点”以下吸,不能在“正点”以上吸。首先找对叹气的感觉,叹到哪就在哪里吸,吸到哪就从哪唱。把吸进来的气通到横隔膜以下,也就是让气息从胸腔里下到腰的周围,使整个胸腔保持空腔状态,以不至于把气提到胸腔而挤压喉头,影响胸腔的共鸣。把气顺利吸到腰的周围,使腰的周围扩张,并“保持”这种状态,使吸气肌肉群与呼气肌肉群形成一种相互对立的力的“对抗”。也就是要控制住气息,腰周围胀起来,小腹稍有力,两肋扩张,即要用腹肌顶住扩张的横隔膜,形成腹肌与横膈膜的“对抗”。
吸气要吸得快,吸得深。所谓深呼吸与深的气息支持,指气息要吸到肺的底部,沉到腰腹部的感觉到底,在叹的基础上放松,让气息下来。吸气宜少不宜多。把闻花式的呼吸(感觉用鼻子吸气加上嘴张开)、下支点吸气法(在中山装第四个扣子的地方吸)、哭泣式的呼吸以及稍加活动后的呼吸运用到歌唱中。笔者在教学中主张口鼻同时吸气,快、深,这样易打开喉咙,要开着喉咙吸气,不发出吸气声音。歌唱过程中的吸气阶段,笔者认为是绝对不能单从其字面上将之理解为只要很好地把气吸到位就行了,其实,歌唱过程中的吸气除了把气很好地吸到位,同时它还要求在这短短的吸气过程中,必须同时打开腔体,建立好歌唱状态,感情也要到位。总之,要达到“精、气、神、行”刹那间合而为一,达成一个良好的歌唱协调性。很多人喜欢在唱的过程中再不断地去调整,这固然重要,但笔者认为唱前的调整到位更重要,其实到实际歌唱时再去调整,在笔者看来更象是到战场上了再去磨刀。呼气过程就是用刀的过程,如果到用刀时才发现刀还没磨好,很显然很容易让自己处于被动的局面。多动脑子,把很多的声乐要求融合在吸气当中去完成,或许这样做声乐能力会进展得更快些!另外,笔者觉得良好的自然呼吸状态要配合合理的用气方法。其基本感觉是后腰两侧要哼开,具有较强的支持作用。这种哼开保持较明显的特点大约有两种:一是发声过程中伴随着哼和哭的感觉,使后腰有一定的扩开感,紧而不僵;其次是在准备歌唱发声前,就将后腰带处脊椎的两侧轻轻扩开,然后开始发声歌唱。这种呼吸的用气状态使歌唱者能够自由控制声音的强弱。原则上讲多吸气不如少吸气,少吸气不如带感情下的自然吸气。吸气决不能过满,过多,僵硬,紧张等。
笔者在教学中还强调学生注意:(1)唱高音时,小腹应该有力量往里收,后腰用力顶住,这样声音出来很结实。但不要因为收腹,把气推出去,应该把声音坐在气上。(2)收腹和扩张双肋可同时做,气好象在腰里换。(3)不要张嘴,双肋就往内吸,反而感觉向外扩。(4)在发音以前提前吸气,为的是打开喉咙,口鼻吸气,同时作好位置的准备,然后唱,要使声音持久、动听,关键在于你能否掌握好吸气。
三、关于“哈欠”状态的运用问题
“哈欠”也是我们生活常常要做的动作。歌唱中的“哈欠”状态和一个人在疲劳或困倦时打哈欠是一样的。笔者在学习声乐的十几年期间,得益最深提高最快的是跟一位83岁高龄的老太太学习声乐时,她反复并一再强调我做到歌唱时保持、加强保持半打“哈欠”的状态,笔者在歌唱的实践中拼命努力地去做这种“哈欠”的状态。经过一段时间的训练,使笔者解决了多年困扰着我的喉咙紧,歌唱带着“喉音”,声音下不来,上不去的难题。也解决了声音不通,下不来胸腔,上不去头腔,卡在喉咙里所导致的声音挤、压、白,并出现小抖,有似羊叫般的尖、刺耳的难听的声音。并且使声音变得圆润、通畅、动听起来了。所以笔者在教学中也强调学生做到半打“哈欠”的状态,也收到了一些效果。
我们闭口打个“哈欠”,喉咙里面状态是打开的,软颚是抬起来的,这符合科学发声状态的感觉。歌唱是中是要保持喉咙里面有这样状态的。它可以使声音垂直、掩盖、通畅,容易调整好气息和位置的关系,找到合理的共鸣状态。所以教学时要求学生用打“哈欠”来体会喉咙里面的状态,并保持这种状态来歌唱,转换母音时不能改变“哈欠”状态,这样就能获得竖的、上下贯通的、浑厚而圆润的声音。
但是,要注意的是“半”打哈欠,即要求不能把打“哈欠”打过头了,产生了僵硬的声音。打哈欠时加上放松或叹气,练习中把小舌头抬起来歌唱并保证每个字都是这种状态。
笔者在自己演唱实践与教学训练学生中的体会是:(1)打“哈欠”分两个阶段:前阶段是鼻子、嘴巴打开,深吸气。喉结最低的时候,喉头最开。后阶段,往外吐气时,喉结开始上。(2)颌关节打开:上颚往上抬,上下颚要松开,下巴放松,象是挂着,想使劲也使不上。打“哈欠”的目的是为了开喉咙。(A)使声音全面放出来;(B)使喉结保持在下面,声音就稳定,不会出现小抖。体会一下下巴轻轻放在桌子上,打开嘴巴。(注意:唱歌时任何时候都要往上唱,抬上颚,不要往下压下颚。)(3)唇周围的肌肉,唇角等,都该保持放松状态,不紧张,里面打开带动外面,不能外面带动里面,否则就会紧张,位置也不到位。咬字好象在耳朵中间地方出来。(4)唱中声区,与高声区颌关节的张力不同,要根据音高向上调整。
四、关于如何唱高音的问题
笔者在学习声乐的开始四五年里,高音一直只能唱到G2,再往上高半个音只能勉强上去,A2是无法唱上去的。原因有多个方面,我所从师的老师大多都是女的,女的唱高音的感觉与方法同男的不一样,也就是说我还没有真正学到男高音的演唱技巧。
后来,笔者跟一位男高音唱美声的老师学习声乐,笔者的高音的演唱能力才开始突飞猛进,一下子就能够唱到C3至D3。笔者也掌握了一些解决男高音如何唱高音的技巧,即在打好演唱基本技巧的基础上,运用“关闭唱法”与“咽音唱法”。
“关闭唱法”是男声发高音时一种最巧妙的技巧。女声不像男声那样需要。“关闭唱法”就是歌唱时不能在所有的整个音域中,用同样的方法唱,是在气息上升至上颚与头腔共鸣区时,运用腹肌向里收缩,横膈膜向上与胸肌配合来维持强力的气压,软颚与小舌均提上,然后以极缓的速度将气运至头腔区,将音色变暗转向头的中区与后部,再转向前送出,使之发出一种金属质的有力而动人的共鸣。
“关闭唱法”是一种精心的声乐技术,要细心地去体会。笔者记得自己在初学时根本找不到这种感觉,因为以前女老师教我的是用她们女声的真假声结合的混声唱法,而在实际的男声演唱中假声是很难唱出来的,要么太虚要么太真声了,往往真假声脱节而没法混起来,所以笔者认为男声在唱高音时不能借用女声的混声唱法,而应该换种方法。笔者在男老师的反复示范以及他所谈的自己的演唱体会后,经过了很长时间的试验与练习、揣摩,才初步掌握了这种演唱技法。“关闭唱法”说白了就是母音转换,唱到高音区时把母音变窄,如把a变成ao再变成o再到ou再进一步变窄成u 。关闭并非关住,它是在唱高音时把声带靠拢,母音就变窄了。笔者最切身的体会是唱高音时首先要把声音拢住往上挪到头腔,母音从大变小,声音变暗,有如掩盖的感觉,改变音色,使明亮的音色变成晦暗色往前额、头顶送,使声音听起来好像被一层轻纱罩住似的,就好象上面有一只碗,复盖着高音一样。也就是唱高音时,上颚向上提,软口盖升高(打哈欠状),引导气息进入头部的共鸣腔形成一个象教堂那样的圆顶空间,让气体充满这个空间,籍着强力气压的支持而发出一种整体的铿锵有如钟鸣、充满生气的动人的音色。“关闭声”是真声到头声的中间衔接部,主要是头部各腔的掩抑微妙的关系。
其实我们中国民族唱法中的假声就是不自觉的运用了关闭唱法,如京剧唱法,比西洋所谓的这种运用“关闭唱法”所唱的音还要高几度,它在把气息、声音上升至头腔时,还渗进了假声,在很高位置的假声点上把声音放大唱出来,这种京剧的含有“关闭”元素的唱法,我们应该好好去研究并在演唱实际中借鉴、运用,只是这种京剧唱法发出来的声音没有西洋运用“关闭”唱法发出来的声音浑厚、洪亮、动人、持久、铿锵有魄力。
林俊卿博士的《“咽音”练声的八个步骤》一书,也分析了各种唱法的优劣。林俊卿在没有学习”咽音“唱法以前,学了多位老师经过了多年的学习,只能唱到f2到g2,后来向一位男高音歌唱家学到了意大利传统“秘方”——“咽音”发声法,直到现在还可以连续用真声哼响亮到C3到E3的音几百次毫不感到费力,而在低音部,仍可以把lowC的音唱响。对于“咽音唱法”,唱高音时在口腔的后半部恰当地建立和改善一个适宜的歌唱腔体,充分利用口腔的歌唱共鸣,对咽部作特殊姿势的调节所发出的“咽音”,音色带上了金属般的脆亮成分,声音变得比较美妙动听,富有致远的穿透力和表现力。“咽音”也就是发声器上端的会厌周围组织全面收缩形成细小的 “发音管”共鸣室造成的,唱高音时歌声带有铿锵结实音色的声音。我认为平时在练声中只有运用“咽腔哼鸣法”,多用a e母音进行训练,并加强咽腔肌肉群的训练,才能获得动听的“咽音”。
在实践中领悟到无论哪种唱高音的方法都要用腰部的力去唱,即把气吸到腰的四周,感觉到前后腰部膨胀起来,然后把气闭起来,张开口,用力把腰及肋骨向里一收,胸部向上一挺,感觉到压力压住了上颚,运用腹肌的收缩来增加压力(到了a2就要用腰力了),再运用上一些“关闭唱法”和“咽音唱法”,高音就容易唱上去了。
不管运用什么唱法唱高音,还是要每天抽出一点时间练声,加强科学的练习、练习、再练习,反复训练,不断琢磨,不断提高。就象跳高运动员在训练跳高时,教练教你怎样去跳,比如背越式,跨跃式,你在知道了技巧后还是要拼命地去练跳,使你的大小腿肌肉群得到训练具备一定的弹跳能力,才能够越过目标高度。唱歌也一样,你掌握了技法以后,还是要练,使参与歌唱的咽腔、胸腔、头腔、腹肌等肌肉群得到良好的训练,建立起良好的中低声区以及正确的换声区系统,才能够唱出一定的高音。平时要加强身体锻炼,慢长跑等有氧锻炼可以提高肺活量,杠铃、哑铃等无氧运动锻炼全身肌肉群,发达的胸肌与腹肌可以提高唱高音的能力。
五、关于歌唱声音的方向与如何传远问题
我们唱歌的人都希望声音能传远,使很远的听众能够听到,声乐老师要求我们练习时往里吸,往里唱,不要往外唱,同时要求声音不能进进出出,出出进进。声音要先拢住再往头腔上挪,向上前方前额的部位集中,在头顶外部向前方飘荡,这样声音就可以传得很远了。也可以这样去做,声音在硬颚与软颚之间的垂直正上方,即咽音后点,往上方两个方向走。一个是自咽音点象海豚顶球一样往眉心前上方(面罩点)方向从里往前上方成四十五度角穿透斜飞出前额直向上前方运动;另一个方向在咽音点往头顶上方直插云霄。
参考文献:
关键词:想象;演唱;声乐;表演;重要性
声乐艺术指导(Vocal Coach)主要是指为声乐演唱者进行钢琴伴奏并进行音乐指导的表演方式。这种表演方式与所谓的“钢琴伴奏(Piano Accompaniment)”有相似和不同之处。其相似之处表现在,两者的演奏乐器均为钢琴,并且都以和声乐演唱者合奏的形式进行表演。而这种表演艺术则必须建立在钢琴弹奏与声乐演唱互相配合的基础上,因此表演者要在表演前进行大量的排练、磨合。而声乐艺术指导则与所谓的钢琴伴奏有这本质的区别。“钢琴伴奏是一个操作层面的术语,它暗示出器乐独奏与钢琴伴奏间的某种关系,这种关系既要求二者相辅相成,互相补充,又要求钢琴伴奏者不可‘锋芒太露’,‘喧宾夺主’”。(李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的分析与比较[D].中国音乐学院硕士学位论文,2008.)简而言之,钢琴伴奏是一个陪衬性角色的存在,它并不是声乐作品的一部分,而是为了提高声乐表演效果的手段。而声乐艺术指导则是声乐作品的一部分,它和声乐表演是一个统一体,二者缺一不可。并且钢琴伴奏的艺术表现取决于声乐表演者的需要,而声乐艺术指导更要体现“艺术指导”的效果,它是整个声乐作品的指挥者与策划者。因此,声乐艺术指导和钢琴伴奏在某种意义上来说是“指导”与“被指导”的关系,两者不可混为一谈。
声乐艺术指导既是声乐表演的一部分,那么艺术指导就不能仅仅以伴奏的水准来要求,应当打到更高层次的艺术境界。在声乐艺术指导研究生教学方向上,也应当有统一的专业教学标准。“众所周知,专业名称的统一,不仅代表着一个专业的概念、一个专业的性质,还说明了学术界对其专业内容已经达成了共识,对未来学科的健康快速发展也就起到了良好的推动作用。专业名称之所以要强调科学准确,甚至要求要与世界接轨,就是因为随着经济的全球化和信息的网络化,教育也必然走上国际化。为了同世界各国进行教育合作与交流,就必须规范专业名称,统一专业标准。”(李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的调查与设想[J].乐器,2010,(11).)而要完成与国际接轨,我们就应当借鉴国外声乐艺术指导课程的设置方式,寻找国外声乐艺术指导课程的教学规律。
二、国外声乐艺术指导教学特点
国外声乐研究生艺术指导已经形成了一套独立的教学体系,这不仅体现在国外声乐艺术指导的课程设置方面,还体现在声乐艺术指导的专业教学方面。
国外音乐学院普遍将声乐艺术指导与钢琴表演视为同等重要的两个专业。“在钢琴系中,钢琴艺术指导不仅是钢琴表演专业学生的必修课,也是一个独立的专业。即使是主修钢琴表演专业的学生,从大学二年级开始,必须进行钢琴艺术指导的学习,一直到五年级毕业。如果要进研究生院继续深造,钢琴艺术指导也是入学考试重要的内容之一和将来必修的课程。由此看来,钢琴艺术指导与钢琴表演是相辅相成、缺一不可的。”(沈红.圣·彼得堡音乐学院的钢琴艺术指导课[J].音乐研究,2001,(3).)在国外,声乐艺术指导和钢琴表演既然视为同一地位,那么艺术指导就不再背负“伴奏”或者“衬托”的身份,而是成为表演声乐作品的一部分。并且声乐艺术指导更是应当为声乐演唱者担当“艺术教练”,规划作品处理和完成方式,对整个表演起到宏观调控的作用。
在教学中,国外的音乐学院也颇为重视声乐艺术指导与声乐演唱者配合层面上的教学。“当开始学习一首新曲目时,钢琴艺术指导的教师在课上不但要教你如何弹奏,如何处理音乐,还要充当演员的角色,当你把伴奏弹奏得已游刃有余时,也就是大约一、二节课后,声乐老师或器乐老师开始进入课堂,与钢琴艺术指导教师一起帮助你处理歌曲(乐曲),这时在课上,实际是负责表演的教师在带动着你的弹奏,以此更好地培养你与演员的合作能力及其为此所必需的技巧。”(沈红.圣·彼得堡音乐学院的钢琴艺术指导课[J].音乐研究,2001,(3).)声乐艺术指导不仅要指导声乐演唱者的艺术表现,更要参与其中,与演唱者形成某种形式上的默契,这样在实际表演当中才能使钢琴与声乐融为一体,你中有我,我中有你,不会在任何一方有所偏袒。
国外的声乐艺术指导教学特点极其鲜明,即教导声乐艺术指导的学生如何以指挥者的形象指导声乐演唱者,在表演时如何再从指挥者的形象变为参与者,配合声乐演唱者完成声乐艺术作品。
三、国内声乐研究生艺术指导教学现状
在国内,声乐艺术指导研究生专业方向于近些年在部分音乐艺术院校相继开设。他们对于此专业的名称理解也各不相同。如下仅列举中央音乐学院、中国音乐学院、沈阳音乐学院和武汉音乐学院的声乐艺术指导研究生专业方向设置情况。
中央音乐学院将此专业称为声乐伴奏艺术,系别归为钢琴系,学制为三年,研究方向为美声方向。教学方式方面,教授和副教授总共三人,授课方式为单独小课。教学内容方面,必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、钢琴发展史、钢琴艺术史、声乐发展史、论文写作指导课;辅修课有意大利语、德语、法语、总谱读法、重唱、歌剧排练、传统唱法沿袭等。
中国音乐学院将此专业称为声乐钢琴伴奏,系别归为钢琴系,学制为三年,研究方向为美声、民族两个方向。教学方式方面,教授和副教授总共两人(美声方向、民族方向各一人),授课方式为分配合作。教学内容方面,必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、声乐、总谱读法、即兴伴奏、歌剧排练、意大利语、德语、法语、论文写作指导课;辅修课有钢琴教学法、钢琴文献、歌剧赏析、西方声乐史、音乐剧赏析、键盘艺术史等。
沈阳音乐学院将此专业称为钢琴伴奏艺术,系别归为钢琴系,学制为两年半(两年的课程学习及半年论文答辩),研究方向为美声、民族两个方向。教学方式方面,教授和副教授总共五人,授课方式为自主合作。教学内容方面,必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、论文写作指导课;辅修课有法语基础及声乐作品导读、声乐发展史、欧洲歌剧发展概论、爵士音乐史、20世纪中国歌剧创作史论研究、歌剧排练、合唱、歌唱重唱、表演课、计算机制谱等。
武汉音乐学院将此专业称为声乐艺术指导,系别归为钢琴系,学制为三年,研究方向为美声民族综合方向。教学方式方面,教授和副教授总共两人,授课方式为选拔合作。教学内容方面,必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、视唱练耳(高级)室内乐(三重奏/双钢琴)、总谱读法、论文写作指导课;辅修课有钢琴文献、声乐文献、歌剧排练、声乐表演、合唱、即兴伴奏、意大利语、德语、法语等。(李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的分析与比较[D].中国音乐学院硕士学位论文,2008.)
通过上述内容不难发现,国内各音乐艺术院校对于声乐艺术指导专业有很多相同和不同的见解。相同方面体现在,各院校将声乐艺术指导专业归在钢琴系,在必修课程方面也主要以钢琴演奏水平和伴奏水平为主要出发点。不同方面体现在,各院校对于专业名称有不同的看法、对于专业研究方向有不同的设置、师资力量的大小决定着对此专业的重视程度等。
四、国内声乐研究生艺术指导教学改革方向
从国内声乐研究生艺术指导教学现状分析,国内声乐研究生艺术指导教学是需要进行改革的。只有国内各音乐艺术院校对于声乐指导专业达成共识,此专业才有可能立足于长久发展。
首先在专业名称方面,各院校有不同的看法。声乐伴奏艺术、声乐钢琴伴奏、钢琴伴奏艺术等诸如此类的专业名称,将伴奏提升到了一个较高的地位。应当明白的是,声乐艺术指导和钢琴伴奏属于截然不同的两个概念。因此,在专业名称上应当进行适当地统一。从英文翻译角度来看,“Vocal Coach”一词的最好翻译应当是声乐艺术指导,因为该名称体现了声乐艺术指导的最本质属性和专业侧重点。
其次在专业所属系别方面,国内甚至国外音乐艺术院校均认为应当将声乐艺术指导专业归属于钢琴系,因为该专业更侧重于钢琴演奏水平和钢琴伴奏水平。但也有人认为,声乐艺术指导与声乐也有密不可分的联系。那么,声乐艺术指导中的声乐修养也应当被重视。该专业也应当与声乐专业创造更多交流合作的机会,避免故步自封,使声乐艺术指导专业添上更多声乐人文色彩。
在科学发展的今天,心理研究的范围很广,涉及各个学科。心理学在音乐领域中的应用,始于1883年德国很有影响力的哲学家、心理学家斯图姆夫写出的《音响心理学》,这篇著作,使他成为致力于音乐心理学研究的先驱。博士论文,音乐心理学。当今,心理学和音乐实践相结合的心理研究工作,被越来越多的音乐心理学研究者所重视。他们试图从心理学的角度来阐释音乐表演现象中的问题。
一、音乐心理学的研究在歌唱实践中的作用
我们在表演活动中经常会怯场,这是一种过份的紧张感觉。各种歌唱比赛的实践证明:比赛成绩的好坏一定程度上取决于歌唱者的心理因素。有些实力很强的歌唱演员平时训练,演唱水平很高,一旦参加比赛,往往会出现精神紧张,状态失控的现象,这些由心理障碍带来的危害,使歌唱者苦不堪言。
歌唱者的发声功能不仅是发声的各个组成器官精确配合的结果,而且是高级神经活动的一种特殊形式。歌唱的呼吸、共鸣、发声、语言等彼此间的精密配合,就是依赖神经系统的协调作用。心脏、血液、肌肉、嗓子等生理器官和神经系统有着密切的关系,人遇到某种情境时,所出现的身体上的反应,如发抖、逃避引起这些反应所起的内导就是心理状态。
声乐表演需要稳定的心理、清晰的头脑和全身心的投入,当人不知所措时,血压会升高或下降,头脑模糊不清,甚至原先背熟的歌调都会忘记,唱什么和该怎样唱全然不知,声乐表现还需要坚强的意志,必胜的信念和面对大众的勇气。想逃避的念头一出现,在演出前就已经埋下了失败的种子,水平的发挥受限就成为必然的结果。
因此,针对歌唱者在学习、表演中出现的各种心理障碍或心理压力,我们应该建立积极的自我控制能力,增强稳定心理状态以保证在歌唱表演中的技术水平得到正常发挥。
二、引起心理紧张的原因
1896年,德国心理学家冯特提出感情的三度说:兴奋与沉静、紧张与松弛、愉悦与不快。声乐演唱前的期待之感,常常是歌唱者产生紧张之感,而当演唱刚结束,则会在其可见产生松弛之感。就声乐演唱而言,引起心理紧张的原因,有以下几个方面:
(一)、歌唱者的舞台实践因素。目前的歌唱教学基本上是一种“封闭”式的教学方式,平时基本上是习惯于面对教师一个人练唱,即使在正规的音乐院校学习的学生,除了定期的考查或考试外,平时也很少有舞台演唱的实践机会。如果演唱者控制、调节自己行为的情绪、行为的能力较差,那么一上台就会打破正常的生理机能的活动规律,出现诸如心律加快、收缩压升高、胸闷、气粗、尿频、出汗等现象。
(二)、过去有过失败的经历。美国心理学家沃斯说过:“不好的开头会阻碍和影响今后”有一些表演者在以往的表演中有过失败的经历,所以很容易对自己产生偏离正常的观点,态度和信念而使他陷入一种不适当的自相矛盾的情境之中,于是他们一直守着焦虑、紧张的干扰,严重影响了今后的发挥。
(三)、不安全的恐惧感。这里包括:1、歌唱表演中的技术因素。歌唱者如果尚未掌握纯熟的演唱技术,对作品的音准、节拍、节奏的掌握没有充分地把握,与伴奏的配合不够和谐,特别是对于作品中的难点,比如高音演唱还没有足够的把握等,在这样的情况下,带着很重的思想负担上台演唱,就必然会产生舞台心理障碍。2、歌唱者生理变异(健康)因素。人的嗓音器官比较娇嫩,任何生理上或者心理上的变化,如伤风感冒、心情不好、思虑过度等等,都可能在嗓音器官上有所反映。而作为歌唱者,一般对自己的嗓音状况都比较敏感,稍有不适,就会对自己的演唱感到担心和焦虑,从而失去平时的演唱自信心。3、专家评判、教师审定,歌唱者面对专家演唱时,心里怦怦乱跳,专家、教师是内行,歌曲中的任何表现都逃不过他们的耳朵,歌唱者一想到会被剖析,就不会自信,因此产生不安的感觉。
三、良好心理素质的培养
首先,演唱作品时,演唱者应积极投入到作品所要求的艺术表现中去。集中注意力、酝酿感情,使自己深深地沉浸在歌曲的情感之中,充满丰富地想象和联想,这是演唱前及演唱过程中最佳的心理状态。博士论文,音乐心理学。曹日昌在《普通心理学》中指出:“一个人对于某一对象注意越集中,那么,对于其它对象也就觉察得越模糊”。可见,把注意力集中在歌曲的情感内容上,既保证了演唱情感的正常发挥,又抑制了各种外界因素的干扰和紧张。其次,以平常心态对待歌唱表演。在演唱之前,尽可能的将注意力转移到与表演、比赛无关的活动上。这样,在歌唱时可使心理压力减小到最低限度。博士论文,音乐心理学。第三、树立稳固的自信心。运用表象法,回忆以往表演成功的原因,使其成为增强自信心的动力。博士论文,音乐心理学。比较法,看到自己的优势,发挥自己的特长,认清别人的弱点。通过比较,设法纠正心理上的错觉与认识上的偏差,对自己充满自信。博士论文,音乐心理学。最后,对于演出中出现的某些不足以及意想不到的失误应有一定承受能力。博士论文,音乐心理学。多唱、多演、多实践。声乐是一门实践性很强的艺术,经常参加演出实践,能锻炼自己的适应能力。
综上所述, 如果我们在声乐学习提高演唱技巧和艺术表现的同时,能够充分注意到良好歌唱心理的培养,建立起歌唱者必需的舞台演唱自信心,不断提高自己的心理素质,创造良好心态去适应各种可能变化的演唱环境,那么歌唱者的表演就会显得成功。这说明他已经从表演心理上获得了解放,而这种心理状态正是向声乐表演艺术迈出的可贵一步。
参考文献:
[1]俞人豪.音乐学概论[M].北京:人民音乐出版社,1997.
[2]赵梅伯.唱歌的艺术[M].上海:上海音乐出版社,2001.
本文主要从声乐演唱中对不同因素的控制、调节着手,阐明“控制”在声乐演唱中的重要性。声乐演唱艺术的整个过程就是1个全身心的控制过程,无论是对声音的技能技巧的处理还是从心理的角度出发,都要求演唱者有意识、有控制的歌唱。演唱在于抒发人的情感,然而美妙的歌声不仅来自于演唱者高超的演唱技巧,其实在1定程度上它更取决于对音乐作品的理解进而控制和驾驭音乐的能力。演唱的意义在于使听众得到美感,而声音的魅力在于能自如的控制歌唱的整体过程。
关键词:声乐演唱;控制;能力
毕业论文 摘 要
音乐是最善于表现情感的艺术。而在我们声乐演唱中,“以情带声、以声传情,声情并茂”的歌唱艺术永远是我们追求的目标。长期以来,在声乐表演过程中,存在过分注重声音技巧,而忽略了声乐艺术的情感特征,从而在不同程度上影响了声乐演唱艺术的感染力。本文从声乐演唱中的情感特征分析和怎样在声乐演唱中充分体现其情感特征两个方面入手,对声声乐情感的心理特点;声乐情感的表现和独特性;培养对声乐艺术的热爱之情;培养对作品情感的准确把握和表现能力;情感投入的方式方法等问题进行了分析研究和探讨。
关键词: 情感特征;声情并茂;以情带声;声乐表演
ABSTRACT
The music is the best art to display emotion. But when singing in our vocal music, the goal of "by the sentiment belt sound, to the sound flirts, to sing in good voice and with feeling" in singing art is we pursues forever. By the process in the vocal music performance, people excessively paid great attention to the sound technique but neglect the vocal music art emotion for a long time , thus to affect the power in the art of vocal music on various degree. This thesis discusses from two parts about the emotion characteristic analysis in the vocal music singing and how to express it, to study and analyze the question about sound vocal music emotion psychological characteristic, vocal music emotion performance and distinctive quality, raise to the vocal music art sentiment of deep love, raise to work emotion accurate assurance with performance ability and the ways of emotion investment. Key words: Emotion characteristic; Sings in good voice and with feeling; By sentiment belt sound; Vocal music performance