文艺复兴的艺术特点大全11篇

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1 概述

太阳能作为清洁可再生能源已成为各国研究的热点，光伏电池通过光伏打效应将太阳能转换为电能，其在光伏发电系统中占有主要作用。因此熟悉光伏电池在各种工况下的输出特性，对太阳能的发电系统的应用与设计非常重要。

本文通过对光伏电池输出特性进行建模，通过仿真得到光伏电池的各种特性曲线。仿真结果说明，仿真模型在不同工况下的输出特性与实际太阳能电池板输出特性非常接近，验证设计的准确性。

2 光伏电池数学模型

光伏电池发电原理是基于半导体PN结的光伏打效应，当物体接受光照时内部的电荷分布发生改变，从而产生电势。当与电池正负级连接的电路形成闭合回路时便会有功率输出。实际应用中通常把标准数量的光伏电池单体串并联起来获得一定的能量输出。

光伏电池的输出特性辐照度与温度影响较大，需要结合一定的环境修正参数才能更加准确描述光伏电池的输出特性。本文使用MATLAB建模的简化光伏电池数学模型[1-2]如下：

式中，C1、C2为修正系数，Iph为光伏电池短路电流，VOC为开路电压，Vm、Im为最大功率点电压、电流。

3 任意辐照度和温度下的光伏电池仿真结果

基于以上数学模型，在MATLAB/simulink工具下建立仿真模型。光伏电池组件厂商会提供标准工况下参数，最大功率点电压Vm=17.0V，最大功率点电流Im=4.4A，开路电压VOC=21.8V，短路电流Iph=4.80A。模型可以根据以上标准参数（环温25℃，光照为1000W/m2）得到标准情况下的输出特性曲线。当辐照度与温度发生变化时模型就不适用了。需要重新来描述新的输出特性曲线，一般可采用方法如下：

（1）计算出一般工况与标准工况的温度差T和限度辐照差S：T=T-Tref，S=S/Sref-1。

（2）根据标准温度Tref和f标准日照强度Sre下的Iph、VOC、Im、Vm推算出一般工况（辐照度S和温度T）下的Iph`、VOC`、Im`、Vm`。首先，按照下列公式[3]分别计算一般工况（辐照度S和温度T）下的Iph`、VOC`、Im`、Vm`。

式中系数α，β，γ的典型值为α=0.0025/℃，β=0.5，γ=0.00288/℃。将所求新工况下的Iph`、VOC`、Im`、Vm`取代标准工况下的Iph、VOC、Im、Vm，求得新工况下的C1`，C2`，可进一步利用式（1）求出新工况下的输出特性，解决任意辐照度和温度下的输出特性计算。

采用MATLAB/Simulink软件搭建光伏电池的仿真模型如图1所示。

图2为温度T=25℃，光照强度S分别为1000W/m2、800W/m2、600W/m2时，光伏电池的V-I、P-V特性曲线族。由该曲线可以判断出光伏电池的输出特性呈规则非线性，并且每一种工况下曲线都各有最大功率点。随着辐照强度的变化，开路电压VOC变化并不明显，而短路电流Isc则有较明显变化。最大功率点功率Pm随辐照度的变化也有明显变化。

图3为辐照度S=1000W/m2时，温度分别为0℃、25℃、50℃，光伏电池的V-I、P-V特性曲线族。由该曲线可以判断，当随温度变化时开路电压VOC线性变化，短路电流Iph的变化较微弱，最大功率点Pm也有很大的变化。

从仿真分析可知，随着光强和温度的变化，对光伏电池的输出特性影响较大，输出特性体现出严重的非线性，在工作环境（光强和温度）确定时P-V曲线上都会有一个最大功率点，仿真结果符合实际的光伏电池输出特性。

4 结束语

根据光伏电池等效电路模型，通过计算公式推导得到在光照和温度影响下准确描述光伏电池输出电压和电流关系的方程组，并利用MATLAB/simulink平台搭建仿真模型。仿真结果说明，只需要光伏模组厂家提供的通用基本参数就可以得到非常接近于实际环境下的光伏电池输出特性曲线，与光伏电池理想等效模型相比，该模型并不需要复杂的参数。当光伏阵列中的某几个光伏组件的光照强度不一致时，只需要将该模型参数稍加修改，就可以用于光伏阵列在局部阴影下的仿真研究。

参考文献

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中图分类号：J59 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）03-0205-01

一、德国文艺复兴的产生

在欧洲建筑史上，文艺复兴是继哥特式建筑之后，于15世纪产生的另一种建筑风格。自意大利兴起，这种建筑风格广泛传播，产生了巨大的影响，在欧洲地区形成了各具特色的文艺复兴建筑。

15世纪下半叶，德国产生了文艺复兴的思潮，“一些大学开始流行文艺复兴的“新学问”。西塞罗（Cicero）、维吉尔（Vergilius）、霍勒斯（Horace）、李维（Levi）和特伦斯（Terence）等古典学者，或受邀到大学讲座或作为家庭教师，广受学生的追捧。他们选取日常生活的题材来改编以往的古典作家的作品。”同意大利的文艺复兴略有不同，德国早期的人文主义学者多数是语言学家和哲学思想家而非文学家；文艺复兴的主要活动中心在大学而非宫廷；其主题是对宗教、道德、哲学等敏感问题的探讨而非复兴古代的文学艺术作品。

二、德国文艺复兴的建筑装饰风格

“发源于12世纪的法国，兴盛于中世纪中后期，哥特式建筑的整体风格为高耸削瘦、带尖状。这种高超的建筑艺术被广泛的运用于教堂建筑，表现了神秘、哀婉和崇高的感情。”哥特式强调神学至高无上的统治力，而之后出现的文艺复兴风格则更倾向于人性。在哥特式建筑中，设计者往往采用尖的形态，如尖塔、尖、尖拱，都表达了痛楚和不和谐的宗教意义，给人一种摆脱凡尘一切重负的感觉；而文艺复兴惯用的形态――罗马柱，则更加象征着一种人文主义的关怀。这种尖与圆之间的强烈对比被设计者巧妙的运用到了建筑的各个细节之中。

德国最初的文艺复兴建筑始于16世纪下半叶，设计师们最初在原有哥特式建筑的基础上增添具有文艺复兴建筑风格的构件与装饰，如古典柱式、山墙、雕像等。具体代表建筑有海得堡宫和海尔布隆市政厅。17世纪始，德国陆续受到意大利北部文艺复兴思潮的影响，吸取了其开朗、宏伟的风格，并将民族特色融入其中。文艺复兴建筑最明显的特征是扬弃了中世纪时期的哥特式建筑风格，而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。可以说文艺复兴视是对哥特式的继承和批判。中世纪的德国虽已趋向繁荣，但由于当时社会的分裂，经济与政治中心始终不能建立，使得其文艺复兴略为迟滞，一些建筑或有哥特式晚期的风格，又带着意大利文艺复兴的印记。

德国的文艺复兴建筑具有一定的地域差异性。由于处在欧洲中心，德国西边的文艺复兴思潮受到法国的影响，南部受到意大利的影响。而北部则因其气候寒冷，多采用高坡屋顶和大窗户的设计。另外，由于建筑材料的不同，也导致了建筑装饰风格上呈现的各自不用点。北部地区大多选用转料作为建筑材料，其他地区还采用石材和木材。同样是文艺复兴建筑，因生活环境及时代心理多种因素的不同，自然呈现为各具特色的清晰表现。如果南方意大利文艺复兴风格以追求和谐性为美的标准，那么位于北方潮湿德国则突出表现一种强烈有力的充满奇异思想的真实性。在建筑物的装饰方面，所呈现出则是一种荒诞的艺术特点。

三、德国文艺复兴的多样性

德国的文艺复兴建筑在其它国家也有所影响。比如我国青岛火车站候车大楼屋顶双坡陡峭、尖塔高耸，钟楼的基座、窗框、门框及山墙和塔顶的装饰线均用花岗岩砌成，都体现了德国文艺复兴建筑风格。

德国的文艺复兴建筑装饰风格整体来说其实是一个杂糅的状态，巴洛克、文艺复兴、哥特式风格混合在其中，大部分文艺复兴的装饰都建立的富丽堂皇，点缀着栩栩如生的雕像和色彩缤纷的绘画。工匠个人风格的不同、资本家的利益驱使与对科学的追求，这些都在一定程度上促进了文艺复兴时期艺术的发展。

四、典型的建筑案例

德国文艺复兴时期的建筑是由哥特式、巴洛克和文艺复兴等风格混合而成的，这种混合式的风格大部分都用在了世俗建筑上。例如海德堡城堡，兴建于13世纪，坐落在国王宝座山顶，庭院四周不规则的分布着文艺复兴时期的房屋群和看守塔。从其建筑形式来看大致可分为两部分，前部的爱奥尼式和柯林斯式的壁柱和半柱式，具有典型的威尼斯文艺复兴风格；在后面的建筑中，格子窗在底层群集，与之前的威尼斯文艺复兴风格又大为不同。

篇（3）

很长时间以来，文艺复兴一直充满着争议。这些争议通常围绕其性质，发生的原因和地理时间的范围。文艺复兴成就了很多多才多艺的巨人，例如达芬奇。他不仅是个绘画天才，也具有现代科学家的某些特征。他观察，质疑和记录所看到的，并且把这些研究成果应用于他的绘画，这使他的绘画不同于中世纪。这些多才多艺的画家，雕塑家和作家都作出自己的贡献，使文艺复兴时期成为一个艺术的时代，一个超人的时代，一个古典学者，雕塑家的时代。

一、文艺复兴的起源

关于文艺复兴的起源常见的观点是，在文化已经停滞了近千年来的第十四和第十五世纪，一个伟大的文学和艺术的再生。意大利的天才作家所作出的贡献对于文艺复兴的起源有着举足轻重的作用（当然也有人极力反对这一声明，认为文艺复兴时期的许多特点在文艺复兴时期前就已经出现了）（The Renaissance, 2001,6）。这些作家发现封建时期和中世纪哥特式的艺术不适合他们的口味，所以他们转向罗马文明和希腊的经典来寻找灵感。由于他们对古典文化的崇敬日益增长，这就加强了他们对中世纪艺术的非古典形式的蔑视。渐渐地，这种现象蔓延到欧洲的其他所有地区，如法国，英国，西班牙等。

二、文艺复兴的特点

这一运动突出的有两个特点。第一个是对古典文学的渴望与好奇。罗马和希腊的经典被挖了出来。他们把这些经典当作文学形式的模板，渐渐地，他们的思想发生了巨大的变化，这些变化与中世纪时期的宗教教条有着巨大的不同(刘炳善, 2007, 30-31)。文艺复兴时期的另一个显著的特点是对人道主义的强烈兴趣。大约在十一世纪，由于地中海重新开放，海上贸易不断发展，加上意大利国家的城镇和贸易从未完全消失过，意大利国家的人们时刻准备着抓住这难得的机会，繁荣的沿海城镇就这样在意大利形成这了。此外，英国和德国等国家的主要城镇也因为羊毛和布料的生意逐渐繁荣起来。它极大的改变了原有的社会结构，并把当初的农业经济变成了货币经济。这时期的人们聚集了大量财富。另外，文艺复兴时期的人们也受到了古希腊和罗马时期的人们对科学问题，政府，哲学和艺术著作的研究的影响，他们的研究兴趣由传统领域，例如宗教和法律等转向了传统领域之外的科学，自然界，生物学和天文学的研究。随之而来的结果是这些科学技术逐渐扩大了人们的视野。他们开始有闲暇的时间来见面和交谈，讨论艺术，政治和哲学问题。人文主义就在这时逐渐的发展起来了。它和中世纪对人的悲观看法有着极大的不同，人文主义者认为他们可以根据自己的欲望来改变世界，并且可以运用自己的理性来消除外部的阻碍，从而获得幸福。相对于从前，他们并不关心超自然世界及自己灵魂的最终命运，相反的，他们更感兴趣的是在现实世界中快乐的，充分的和有效的生活。现实世界有着自己的意义，它不仅仅是为未来的虚幻的世界做准备。起初文艺复兴时期的思想只被一些学者和有钱人接受，但大学和学院的建立帮助传播了这些思想，最后越来越多的人开始感受到了这奇特的氛围。

三、意大利文艺复兴时期的绘画

文艺复兴时期的想法被广泛的传播，它们形成了一个大的环境，其中生活着形形的作家，艺术家，传教士和思想者。他们都不可避免的受到这些想法的影响，并把这些影响反映到了自己的作品中去。由于论文的长度有限，我决定以意大利的绘画为例来阐释我的观点。

在十三十四世纪，意大利在艺术方面的造诣远远领先于世界上的其他国家。随着文艺复兴的不断发展，艺术家的地位以及他们的作品也发生了不小的变化。十二十三世纪的绘画内容几乎都与宗教有关，一部分原因是因为中世纪非常的重视宗教，并且当时人们对艺术家的赞助在数量上市非常有限的，只有那些神职人员才需要他们的服务。这些法规和宗教精神限制了艺术家的创新，他们只能按照传统的形式进行绘画。但是在文艺复兴时期，绘画和科学是紧紧的联系在一起的，无论是艺术家还是科学家都尽自己最大的努力来掌握物质世界。艺术家们主要受益于两个科学方面的研究：一个是解剖，这使得艺术家们更好的掌握了人体的结构；另一个是数学的发展。绘画可以通过二维表面绘制达到三维的错觉。以前的画家是通过实证的方法达到这种效果，但是在1420年布鲁内莱斯基发现了如何学方法实现立体的印象。这些科学成就被艺术家们灵活的运用，成为了他们在绘画中不可缺少的工具。

3.1 提香的《乌尔比诺的维纳斯》

我们可以通过对比两幅画来更好的了解文艺复兴时期绘画的发展和改变：中世纪艺术家契马布埃的《十字架》和提香的《乌尔比诺的维纳斯》。这两幅画相距有二百五十年。第一幅画用非写实的手法描述画中的人物，真实的人要比画中的人物更直一些，但是画中的人物身体却极不自然的弯曲着。虽然这幅画是关于痛苦和死亡，画中人物的表情却没有被描绘出来。此外，它强调的精神美，它包含一种信仰宗教的信息，力量，奉献和沉思。《乌尔比诺的维纳斯》，相反，塑造一个在一天中的某个时间进行的真实场面。它是关于一个富裕和自信的女人，躺在自己卧室的床上。女人的身体是准确绘制的。身体部位之间的过渡非常平稳。在这里所突出的美是女人丰富的环境的美，而不是所谓的精神美。总之，这幅画的绘制更加真实。

除了提香的《乌尔比诺的维纳斯》，人文主义也在其他的绘画作品中有所反映，例如达芬奇的《最后的晚餐》和拉斐尔的《雅典学院》。

3.2 达芬奇的《最后的晚餐》

达芬奇是个天才的画家，多年来他受聘于米兰的斯福尔扎家族，在那里生产武器，雕塑和绘画。他的科学成就相对于绘画方面的贡献，也是不可忽视的。他非常善于把自己的科学知识用于绘画当中，使他的绘画更加准确。《最后的晚餐》就是其中一个出色的代表。这幅画相比于以前同主题的画，其原创性就变得很明显。它描绘了耶稣和他的信徒们在进行最后的晚餐。这是一幅看似简单的画，但是如果我们仔细的观察，我们会发现这幅画实际上是非常复杂的。人文主义被嵌入到了这幅画中。画的背景中有窗户，窗户的外面有小山和其他的景色。这些都表明了现实的生活和画的深度，此画最明显的一个特点就是画中的对称。这也是人文主义所倡导的，因为人文主义者认为世界上所有的一切都应该是对称的。画中的人物身体也是对称的，所有的人都被放在桌子的一端，以前的画家把犹大放在了桌子的另一端。耶稣的两边都有六个人，然后这六个人又被分成了两组，一切都是那么的和谐对称。人文主义艺术的另一个特点就是真实的情感。为了给予这幅画以动态的感觉，达芬奇选择了一个至关重要的时刻，正当耶稣宣布他的门徒中会有一个人背叛他。画中的每个人都表达了真实的情感。所有的人都表达了自己的焦虑或者是关心，他们并不是每时每刻都很高兴。仔细的看，我们似乎可以看到一缕阳光透过窗户照到画中人物的脸上，所以让他们看起来都不相同。

3.3 拉斐尔的《雅典学院》

拉斐尔在早期受到了达芬奇和米开朗琪罗的影响，但是后来也逐渐发展了自己的风格。1508年，他被朱利二世邀请到罗马制作梵蒂冈壁画的装饰工程。大厅的四壁分别以神学，哲学，法学和诗歌为主题，拉斐尔的主要意图是表明人类知识和智慧的四个分支，其中一个墙上的壁画突出表明了文艺复兴时期的艺术结构和精神内涵，《雅典学院》。在这幅画里，古代的伟大的哲学家和科学家集聚到了一起。他们自由的讨论，情绪热烈，各自都发表自己的观点和见解。在一个酷似罗马建筑的拱顶覆盖的大厅里，所有的人物都围绕着在中心站着的两个人，柏拉图和亚里士多德。亚里士多德伸出自己的右手，手心向下，认为现实世界应该是实验的对象，而柏拉图则用受指向上方，认为所有的事物都是来自于上帝的启示。这两种截然不同的姿势表明他们观点的分歧。在柏拉图的一边是研究自然和人类的科学家和哲学家，他们步履轻便，所表现出来的自信和尊严显示出了理性的本质。在左边较低的台阶上，数学家毕达哥拉斯坐在地上专注地书写着，一个少年在旁给他扶着木牌，牌子上写的是“和谐的“数目比例图。在右边一群学生围绕着正在证明一个定理的欧几里德，这个小组特别的有趣。在画的最右方，拉斐尔画上了自己的画像。作者把自己放在一堆科学家和哲学家的中间是非常有趣的，表明了文艺复兴时期人们对知识的追求是永无止境的。拉斐尔极其精确的描绘了人类得身体外观，更难得的是，他可以深入挖掘人的心灵。画中的每个人都在传达着自己的情绪，反映自己的信念。由于当时的科学已经有了很大的发展，拉斐尔有能力把自己的数学知识运用到自己的绘画当中，因此，一个巨大的视角就这样产生了。所有这些都完全不同于中世纪的绘画技能。

意大利文艺复兴时期在艺术的发展历史上是一个非常重要的时期，许多有名的画家都是在这个时期出现的。

结论

文艺复兴逐步改变了欧洲社会的特点，这些改变也反映到了绘画之中。意大利的绘画在当时是最出色的，它们展示了现实世界的美好和人类的尊严。它把世俗的观点和古典成功的结合到了一起，并且对欧洲其他国家的艺术品位和风格起了决定性的影响。

参考文献

Duncan Sidwell. 2008. A Survey of European Culture. Beijing: Foreign Language Teaching and Research Press.

刘炳善, 2007, 英国文学简史. 郑州: 河南人民出版社.

大学生英语文库, 2001, The Renaissance. Shanghai: Shanghai Foreign Language Education Press.

大学生英语文库, 2001, Western Art. Shanghai: Shanghai Foreign Language Education Press.

篇（4）

在德国，建筑风格存在着明显的地区差异，在南德巴伐利亚地区处处可见的是清新明快的巴罗克式建筑；而在北德则多是庄重严谨哥特式建筑。各地的建筑是与其他区的文化传统密不可分的。但单就古堡教堂的建筑风格而言，除地区差异外，还有一个重要的因素，即建筑的时间差别，因为在欧洲历史发展中，各个时期的建筑风格有着明显的不同，可分为罗曼式的、哥特式的、巴罗克式的、文艺复兴时期的、古典主义的各种风格。

主要建筑类型

罗曼式（Romanik），又叫罗马式，是从9到13世纪初的建筑风格，因采用古罗马式的卷、拱而得名。罗是厚实的砖石墙、窄小的窗口、半圆形拱卷、逐层挑出的门框装饰和高大的塔楼。罗曼式教堂给人以雄浑庄重的印象。沃尔姆斯大教堂是罗曼式建筑的一个典型范例。罗曼式建筑是自罗马帝国之后第一种遍及欧洲的独特建筑风格。尽管在十九世纪的艺术史学家印象中罗曼式建筑是罗马建筑的一种延续，实际上在欧洲的大部分地区，罗马的砖石建造技术已经在很大程度上丧失，在更北的地区除了官方建筑外从未采用，甚至在斯堪迪纳维亚闻所未闻。即使在罗马这样仍然存留着一些君士坦丁时期的大教堂、可以作为后来建造者的灵感的地方，延续性仍然很小。并非是古罗马建筑，而是6世纪位于拉文纳的八边形拜占庭圣维塔莱大教堂给位于德国亚琛、建造于公元800年左右的查理曼大帝巴拉丁大教堂以启发，并促成了这一西欧黑暗时代的伟大建筑。

哥特式建筑（Gothic architecture），又译作歌德式建筑，是位于罗曼式建筑和文艺复兴建筑之间的，1140年左右产生于法国的欧洲建筑风格。它由罗曼式建筑发展而来，为文艺复兴建筑所继承。哥德式建筑主要用于教堂，在中世纪高峰和晚期盛行于欧洲，发源于十二世纪的法国，持续至十六世纪，哥德式建筑在当代普遍被称作“法国式”（Opus Francigenum），“哥德式”一词则于文艺复兴后期出现，带有贬意。哥德式建筑的整体风格为高耸削瘦，以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感，对后世其他艺术均有重大影响。哥德式大教堂等无价建筑艺术已列合国教科文组织的世界遗产，其也成了一门关于主教座堂和教堂的研究学问。十八世纪，英格兰开始了一连串的哥德复兴，蔓延至十九世纪的欧洲，并持续至二十世纪，主要影响教会与大学建筑。

哥特式建筑的特点是尖塔高耸、尖形拱门、大窗户及绘有圣经故事的花窗玻璃。在设计中利用尖肋拱顶、飞扶壁、修长的束柱，营造出轻盈修长的飞天感。以及新的框架结构以增加支撑顶部的力量，使整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空阔空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛。教堂的平面仍基本为拉丁十字形，但其西端门的两侧增加一对高塔。科隆大教堂是哥特式建筑的经典之作。

巴洛克（Barock）艺术风格起源于意大利。德国建筑师把意大利巴洛克同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上的一朵奇葩。这主要用于教堂和宫殿廷建筑。其特点是造型柔和，运用曲线曲面，追求动态，喜好华丽的装饰和雕刻。巴洛克风格有于教堂有表现神秘宗教气氛的作用，用于宫殿府邸则给人以富丽堂皇的豪华感。德累斯顿的宫廷教堂和维尔茨堡的主教宫是巴洛克建筑的两个例子。后来在巴洛克式的基础上还发展出一种纤巧玲珑的建筑和装饰风格叫洛可可（Rokoko）。

古典主义（Klassizismus）流行于18世纪后半叶和19世纪。当时人们受启蒙运动的思想影响，崇尚古代希腊罗马文化。在建筑方面古希腊罗马的柱廊、庙宇、凯旋门和纪功柱成为效法的榜样。采用古典主义建筑风格的主要是博物馆、剧院等公共建筑和一些纪念性建筑。柏林的勃兰登堡门是其中之一，它以雅典卫城的山门为蓝本。

随着古典主义建筑风格的流行，巴黎在1671年设立了建筑学院，学生多出身于贵族家庭，他们瞧不起工匠和工匠的技术，形成了崇尚古典形式的学院派。学院派建筑和教育体系一直延续到19世纪。学院派有关建筑师的职业技巧和建筑构图艺术等观念，统治西欧的建筑事业达200多年。法国古典主义建筑的代表作是规模巨大、造型雄伟的宫廷建筑和纪念性的广场建筑群。这一时期法国王室和权臣建造的离宫别馆和园林，为欧洲其他国家所仿效。[

文艺复兴式（Renaissance）建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。十五世纪产生于意大利，后传播到欧洲其它地区，形成带了有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。

是随着人文主义思潮出现的建筑风格，最先在意大利兴起，从16世纪初开始，在德国流行了百十年左右。它在建筑轮廓上讲究整齐、统一、合比例与条理性，构图中间突出，两帝对称，窗间有时设壁龛、雕像。在德国文艺复兴式主要用于世俗建筑，如市政厅、宫邸和富商宅第。最为成熟的建筑实例有奥格斯堡市政厅等处。

文艺复兴建筑在理论上以文艺复兴思潮为基础；在造型上排斥象征神权至上的哥特建筑风格，提倡复兴古罗马时期的建筑形式，特别是古典柱式比例，半圆形拱券，以穹隆为中心的建筑形体等。例如，意大利佛罗伦萨美第奇府邸，维琴察圆厅别墅和法国枫丹白露宫等。

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中图分类号：J205 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）32-0191-03

引子：中国绘画的传统精神在文人画中得到了概括和体现，明清时代的文人画已经进入鼎盛期。当时的西方世界正处在文艺复兴的文化巅峰时期。油画的出现完善并实现了西方绘画审美的形式成熟。通过对比中国明清文人画和西方文艺复兴时期的绘画（主要是油画），兴许能有不同的感悟和收获。

世界的美术是同时发展的，在中国美术源远流长的同时，世界各地的美术都欣欣向荣。这其中最具有代表性的是西方美术。西方美术的发达是于西方经济的繁荣分不开的，而西方经济的繁荣，从文艺复兴时期开始萌芽。文艺复兴时期的艺术，正是这种经济基础的反映。那么，在西方绘画艺术发展的每个重要时期，中国处在哪个朝代，哪个阶段，又有哪些特点呢？让我们看看以下表格，从宏观上了解一下中西美术发展史的时代对比。

一、从西方视角看美术发展几个重要时期的中国

西方美术有三个高峰，首先是古希腊-罗马艺术，接着是文艺复兴艺术，最后是现代艺术。古希腊-罗马时期的中国美术形式以青铜器、玉器等雕塑为主，出现帛画，但不成熟。文艺复兴时期的中国美术，有两个分支，一个是市民艺术的繁荣，一个是文人艺术的发展。现代艺术之后的中国美术，一直没有走出西方模式的怪圈。

这三个高峰中，前两个距离我们较为遥远，我们很难直观地认识。由于其中文艺复兴时期是艺术较为成熟的阶段，因此我具体对比这一时期的中西美术。

二、具体比较

（一）具体分析-文艺复兴西方绘画与当时中国文人画比较（异）

A、绘画材料不同

西洋画主要分为素描、壁画、油画、版画等种类。每个不同的种类所用材料也不同。

1、素描材料主要有：木炭条、铅笔、钢笔、白纸等；

2、壁画分为三个阶段，三种壁画运用不同的材料：

干壁画：干壁画是壁画的一种类型，主要指在已经干透的壁面上用混合颜料绘制而成的壁画。一般是先要把墙面磨得很平，然后刷上一层石灰浆，干燥后再在上面作画。因为壁面是干的，一般画面不变形，相对比较简单。

湿壁画：湿壁画（Fresco）的原意是“新鲜”的意思，是一种十分耐久的壁饰绘画。制作时先在墙上涂一层粗灰泥，再涂上一层细灰泥，然后将大型的草图描上去，再涂第三层更细的灰泥，这就是壁画的表层。由于灰泥会干掉，因此涂的面积以一日的工作量为限。然后将溶于水或石灰水的颜料，画在湿的灰泥上，由于颜料干了以后会变淡，因此着色时要斟酌浓度。这种技法兴起于13世纪的意大利，而16世纪趋于圆熟，15世纪之前马萨乔的壁画便属于湿壁画，到了拉菲尔之前其技法已经完全成熟。

坦培拉：坦培拉是英语 Tempera 的音译，来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。

3、油画名称的来源与其材料有关：

油画材料有：油性颜料、松节油、调色油、上光油、木制画框、亚麻布、底料、油画笔、刮刀等 （未考证16世纪具体工具形态，找现代图）

创始人：凡・埃克兄弟是指14世纪到15世纪尼德兰画家胡伯特・凡埃克(1370―1426年)和扬・凡埃克(1385/90―1441年)兄弟。1415年根特市长约多库斯・威德向胡伯特・凡埃克订制祭坛画，他画了10年，未完成就去逝了，后由弟弟扬・凡埃克继续完成，安置在根特圣贝文教堂。这是一组具有里程碑意义的划时代巨作，它标志着一个新时代的到来和人文主义艺术的诞生，并奠定了尼德兰文艺复兴艺术的基础。由于《根特祭坛画》是运用油调颜色绘制而成，因此凡埃克兄弟成为欧洲油画的创始人。

4、欧洲版画

欧洲版画起源大约在十四、五世纪初期。当时开始出现将图片印u在木版上的情形。这种现象的a生与中国造纸术西传并进而普及欧洲有密切的关S。其种类和材料与中国版画类似，在后面具体说明。

国画（广义）有几个种类，所用材料也不同。

1、壁画（敦煌胶彩画）

敦煌壁画也称胶彩画它是以胶为素材媒介，混合天然矿物的粉末，与水调和后绘制在岩壁上。日本研制后发展为胶彩画，称为日本画。

2、帛画

帛画，中国古代画种。因画在帛上而得名。帛是一种质地为白色的丝织品，在其上用笔墨和色彩描绘人物、走兽、飞鸟及神灵、异兽等形象的图画，约兴起于战国时期，至西汉发展到高峰。

3、宣纸水墨画

主要材料是文房四宝，笔、墨、纸、砚。

笔

以兽毛制成的笔。初用兔毛，后亦用羊、鼬、狼、鸡等动物毛。笔管以竹或其它质料制成。头圆而尖，用于传统的书写和图画。目前实物发现，最早的为 战国 时期。

它不同与油画的排笔，笔头成锥形，行笔时垂直于纸面。

墨

墨的主要原料是烟料、胶以及中药等。通过砚用水研磨可以产生用于毛笔书写的墨水。

纸

对宣纸的记载最早见于《历代名画记》、《新唐书》等。起于唐代，历代相沿。宣纸的原产地是安徽省的泾县。此外，泾县附近的宣城、太平等地也生产这种纸。到宋代时期，徽州、池州、宣州等地的造纸业逐渐转移集中于泾县。当时这些地区均属宣州府管辖，所以这里生产的纸被称为“宣纸”，也有人称泾县纸。由于宣纸有易于保存，经久不脆，不会褪色等特点，故有“纸寿千年”之誉。

砚

砚是中国书法的必备用具。砚台不仅是文房用具，由于其性质坚固，传百世而不朽，又被历代文人作为珍玩藏品之选。砚台的材料丰富多样，除端石、歙石、洮河石、澄泥石、松花石、红丝石、砣矶石、石外，还有玉砚、玉杂石砚、瓦砚、漆沙砚、铁砚、瓷砚等，共几十种。砚用于研墨，盛放磨好的墨汁和掭笔。

4、中国版画

中国版画的起源，有汉朝说、东晋说、六朝以至隋朝说。现存中国最早的版画，有款刻年月的，是举世闻名的咸通本《金刚般若波罗密经》卷首图，根据题记，作于公元868年。

明清两朝是中国版画的高峰时期，在许许多多文人、书商、刻工的共同努力下，版刻出现了各种流派，创作出大量优秀作品，呈现出欣欣向荣的局面。不仅宗教版画在明代达到顶点，欣赏性的版画也在明代大大兴起。画谱、小说、戏曲、传记、诗词等，一时佳作如雪，不胜枚举。尤其是文学名著的刻本插图，版本众多，流行广泛，影响深远。

B、选择题材不同

欧洲文艺复兴绘画选题有三方面：

1、基督教：

例如：提香的《伊赛克的祭献》取材于圣经《旧约》：人类遭大洪水灾难后，挪亚家族繁衍世界各地，其中有位叫亚伯兰的闪族人，被上帝看中，要他在人间代替上帝行道，令他改名为亚伯拉罕，99岁得一爱子名为伊赛克(一译以撒)，视如掌上明珠。一天，上帝命他将爱子牺牲献于上帝，笃信上帝的亚伯拉罕毫不犹豫，带着爱子和祭具到摩利亚山顶行祭。亚伯拉罕按着爱子的头正欲行祭时，天使突然飞临挡住他的刀，告诉他这是上帝对他的忠诚考验。画家描绘的这一惊心动魄的情节。

乔托的《犹大之吻》是《圣经》故事之一， 拉菲尔的《西斯庭圣母》，画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母怀抱圣婴，脚踩祥云，徐徐而来。还有许多类似的名画，不胜枚举。

2、古希腊神话故事、

提香的《达那厄》、《维纳斯和阿东尼斯》等等都取自美丽浪漫的神话故事。从中，我们可以看出西方绘画重故事性的特点。

3、世俗生活（重人物画）

文艺复兴之前的画家，很少表现世俗生活场景。漫长的中世纪绘画，都在宗教的笼罩下度过。随着人文主义的兴起，画家开始把目光转向世俗，转向平民，转向身边的平凡之美。美术三杰笔下的圣家族，无一不是显露出世俗的神情，农民的日常生活，也成为了画家乐于表现的主题。许多肖像画家开始接受贵族的定单。最著名的有凡爱克兄弟和荷尔拜因。

中国文人画取材喜好梅、兰、竹、菊四君子、高山、渔隐 （山水、花鸟画为主）等。

梅，傲而不俗。兰，幽而不病。竹，轻而不佻。菊，丽而不娇。 高山、渔隐，则表明了文人心系天下却超凡脱俗的态度。

C、表现手法不同

欧洲文艺复兴绘画的表现手法有：

1、造型写实，采用浓烈色彩；

2、以面的塑造为主，强调立体感；

3、重视透视的研究，力求创造三维纵深的效果；

4、此时的色彩是跟着造型的立体要求走的，目的是再现实体，给人真实感。

中国文人画表现手法特点是：

1、重在意境，墨色淡雅。

2、以线的构成为主，营造平面的氛围和意境；

3、“散点透视”对透视的表现顺其自然，点到为止。更注重表现而不是再现。

4、墨分五色，概括，细腻。

D、形式美感不同

欧洲文艺复兴绘画之美重在场面大、色彩重、造型结实有力，给人以雄浑、宏伟、震撼、崇高的视觉冲击。

中国文人画之美在于取材纯、色彩雅、高度概括的形体走势将观众带入作画者灵魂深处神妙的意境。

E、文化背景不同

文艺复兴的背景：1、经济：资本主义萌芽，新兴力量发展。人性解放之声唱响。2、文化：从中世纪基督教文化中渐渐解放，带有人文主义思想。而这些都使得那时的西方绘画带有积极入世的倾向。

中国元末-清初：1、经济：封建制度不断僵化，中原文化蹒跚而行。2、文化：中国传统儒、释、道思想的结合，具有超脱的意味。这样的背景使得中国当时的文人画带有消极出世的情绪。

西方文化背景最深层次的是――基督教。因此，文艺复兴绘画仍然是基督教绘画的一脉相传。

而中国古代传统文化的背景，也直接影响了文化画的创作。中国传统文化是儒、释、道三家的融合，而这任何一家的精神，都与美术――图式符号有着不可分割的关系。

儒家的面貌，就是一张静止的太级图。人们看到它，可以清楚地了解到何为阴，何为阳，何为阴阳次序。它的主旨，就在于理清宇宙人生的条理秩序，让人们在天人合一的伦理中，有序地生存。

释家思想，主要指佛教的理念。而大乘佛教，是佛教理念的集大成者。佛教，不是宗教，而是佛陀的教育。大乘佛教的核心是“空”。其实“空”，便是一张飞速旋转的阴阳鱼图。“色即是空，空即是色。”“有即是无，无即是有。”与其说它是在解释世界，不如说是在描述宇宙人生的状态。图中有阴，有阳，有黑，有白，有色，有别，这是“有”。然而，当整个真实世界光阴飞速流转，万物瞬息万变时，这所有的“有”形，就化为了一片混沌和“无”形了。到最后，大千世界，融化为不可察觉的千变万化之中。

F、对后世影响不同

文艺复兴绘画：建立了西方写实主义绘画的科学体系。为后世西方美术教学提供了理论依据和实物典范。其审美规则到目前仍然是世界许多国家油画教学的学院派基础。

中国文人画：完美地图式了中国传统文化思想内涵。成为后代国画的临摹范本。给西方近现代绘画大师以创作灵感。

（二）具体分析-文艺复兴绘画与中国文人画比较（同）

1、当时这两类艺术家对待绘画作品的态度都是严肃的。

2、文艺复兴绘画和中国文人画都具有抗争性，生命张力。

两个画家可作为对比，一位是米开朗琪罗，一位是徐渭。米开朗琪罗的“力量”体现在他所刻画人物的肌肉上，而徐渭的“力量”则体现在他画中花草的构图，黑白空间的分布，以及墨色浓淡的节奏上。米开朗琪罗的“力量”是表面的，而徐渭的“力量”则是深刻的，隐藏的，安静的。

3、都在形式上继承院体典范，在内容上还原人性，具有人文关怀。其过程是一种艺术的解放。

4、都在其所在的文化圈内，成为了后世美术教学的楷模。且造就了难以超越的艺术品质。

三、结语

14-17世纪的中西绘画艺术，在艺术的风格上大相径庭，却在艺术的价值上殊途同归。是民族的，才是世界的。伟大的艺术最终都是相通的。也正是如此，继承本民族的传统文化才显得如此重要。同时，我们又要具有广阔的视野和开阔的胸襟，与世界丰富的文化成果相融合。

篇（6）

文艺复兴，原意是指希腊、罗马古典文化的再生。它的核心就是人文主义精神，其性质是资产阶级在思想文化领域领导的反封建文化运动。而人文主义精神的核心是提倡人性，反对神性，主张人生的目的是追求现实生活中的幸福，倡导个性解放，反对愚昧迷信的神学思想。

一、文艺复兴在社会和历史上产生的作用和影响

第一，文艺复兴运动首发于意大利，后经传播由地中海沿岸转移到大西洋沿岸，出现了著名的城市如罗马，佛罗伦萨等城市。文艺复兴运动作为资产阶级文化的思想解放运动，在传播过程中，为早期的资本主义萌芽发展奠定了深厚基础，也为积累了原始财富。也为新航路的开辟，宗教改革及资产阶级革命提供了必要条件。

但是文艺复兴运动在传播过程中因为过分强调人的价值，也产生了一系列的负面影响，如造成个人私欲膨胀，物质享受和奢靡。

第二，文艺复兴打破了以神学为核心的的局面，为以后的思想解放进步扫清了道路，使各种世俗哲学兴起，其中著名的有英国的经验论唯物主义，它也推动了政治学说的发展。马基雅维利为后来启蒙运动奠定了基础， “人民”以及“三权分立”等理论。

第三，文艺复兴提倡重视现实生活，反对权威，打破了宗教神秘主义一统天下的局面，有力地推动和影响了宗教改革运动。文艺复兴提倡重视现实生活，反对权威。

第四，破除迷信，解放思想。文艺复兴恢复了理性、尊严的价值。虽然文艺复兴在哲学上成就不大，但是它摧毁了僵化死板的哲学体系，提出“知识就是力量”。这种求实态度、思维方式和科学方法为17到19世纪的自然科学的大发展打下了坚实的基础。

二、人文主义

人文主义是文艺复兴时期，新兴资产阶级在反封建反教会斗争中形成的思想体系和世界观，也是这一时期资产阶级文学的中心思想。它主张一切以人为本，反对神的权威，把人从中世纪的神学枷锁下解放出来。宣扬个性解放，追求自由平等，反对等级观念，崇尚理性。

文艺复兴时期的人文主义提出了民主政治思想，也要求民主自由，但其有早期的不成熟的特点。从另一个角度说，人文主义并没有统一的定义。而他们的世界观以及他们对人的观念可能很不相同，有些人文主义观念互相之间非常矛盾。约翰·沃尔夫冈·歌德和弗里德里希·席勒的人文主义往往被称为历史主义，而威廉·冯·洪堡的人文主义则与启蒙运动的人文主义完全不同。

三、文艺复兴时期的美术

文艺复兴力图恢复希腊、罗马时的古典文化，其实是通过学习古典的途径创造新文化， 并非单纯的复古。古典艺术的具体形式给人人以启发，但重要的是从中领悟到现实主义的方法和古典社会的民主思想。文艺复兴时期的美术则是力图突破中世纪教会控制的非现实主义，为此文艺复兴在创作和实践上密切结合。这个时期是大师辈出的年代，其中最耀眼的便是文艺复兴美术三杰——达芬奇、米开朗基罗、拉菲尔。

达芬奇作为文艺复兴时期的代表人物，他的成就不仅仅在艺术，在自然科学方面的造诣也颇高。他擅于将艺术创造和科学相结合，《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的银行家的夫人，她温文尔雅，身着华贵，给人一种美的无限的遐想。达芬奇敏锐的抓住了她一瞬间发自内心的微笑，直击她灵魂深处，这是对人的一种赞颂，以真人为表现内容。

《最后的晚餐》是达芬奇接受米兰圣马利亚·德烈·格拉契修道院的订件时作的。从人物的活动、性格、情感和心理反应等特征上着手,通过耶稣与犹大的冲突反映出人类的正义与邪恶之间的对立。这幅画是达芬奇从现实生活中对各种不同人物的观察，获得不同的个性形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，欣赏此画，感受大师在作画时是我心里活动。

文艺复兴的第二位大艺术家米开朗基罗，不仅是伟大的雕刻家，画家，还是位了不起的建筑师、军事工程师和诗人。《大卫》是米开朗基罗整最重要的雕像之一。大师通过作品来表现他心中的大卫，是个充满青春活力的英勇斗士。在大卫决战前的瞬间，以站立姿态，重心落在一只脚上，显得轻松自然，表现出面对强敌毫无畏惧，是一种准备迎接战斗的姿势，这种身体得放松和精神得专注形成对比。米开朗基罗赋予这块原本废弃的大理石以新的生命,使它具有精神的象征性。

四、结束语

文艺复兴不仅仅对欧洲的社会和政治产生深远影响，也在另一个程度上影响着西方的美术,成为真正意义上的绘画,并在人文主义的氛围中体现出它的风貌。艺术家解放了思想,提倡个性自由,继承了古希腊古罗马的古典主义传统。借助理性与科学知识,使生动的形象和真实的场景再现,开创了现实主义。对后世美术产生深远影响。

参考文献：

[1]吴于廑，齐进荣主编.《世界史·近代史编》，高等教育出版社出版

[2] 苏珊·伍德福特等编著.《剑桥艺术史》第二册.中国青年出版社出版

[3]《马克思恩格斯选集》.第四卷.上海人民出版社

[4]《外国自然科学哲学选辑》，哲学研究编辑部出版社.上海人民出版

篇（7）

一、新课程指导下，对教材使用的理解

教材是教师授课的一个工具，教师的授课内容要以教材为本，但并非是全部。尤其是高中美术鉴赏，“照本宣科”会成为课堂的大碍。笔者认为，教师必须深刻研究高中美术课程标准，灵活运用教材，针对学生情况进行内容选取和整合，这是教材研发的一个项目和内容。无论教材如何“完美”和“精致”，教师仍然需要对教材进行加工和改造。在某些时候教师可能需要针对教材内容进行不懈的、“去粗取精”的咀嚼式劳作，因此我们可以根据教学目标的需要进行课程内容的整合。比方说分类整合，绘画类鉴赏、雕塑类鉴赏、工艺类鉴赏、建筑类鉴赏等等，然后再根据教学目标要求在每个类别中再进行整合，去繁取精，选取有代表性的作品和艺术家进行鉴赏。可以按时代分类鉴赏也可以分其他类别鉴赏，这样就不会出现教学内容的“死板”。以下是我对《文艺复兴时期的绘画》一课的内容理解和处理。

文艺复兴时期的绘画艺术在整个西方绘画史上占有很重要的地位，讲绘画鉴赏必然不会错过文艺复兴，但文艺复兴时期的画家特别多，且不说文艺复兴分为几个时期，又分为不同的地域和风格特点。不仅学生不知道该如何鉴赏，恐怕教师也会迷茫不知道如何下手。我也绞尽脑汁地想过这一问题，怎么能把文艺复兴的绘画精髓通过一节课或者两节课就能讲出来？于是，我就把文艺复兴时期的绘画进行精减，就像裁一个漂亮的图案，把无关紧要的地方裁剪下去，留下重要的具有代表性的。最后我精简到用文艺复兴三杰的故事、画作鉴赏来讲出文艺复兴人文思想的精髓。

二、新课程指导下对教学方法和手段的理解

在目标明确的前提下，如何达到教学效果也是教师要考虑的一个至关重要的问题，再以《文艺复兴时期的绘画》一课为例，本课中我运用到很多种方法和手段，具体做法如下。

1.精彩导入情境。兴趣是学习的主动力和源泉，是学生最好的老师，正所谓“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”。对于学生学习兴趣的培养和激发，要抓住学生个性发展的方向和特征。一个精彩的课堂导入会使授课伊始，便让学生对本节课产生兴趣，抓住学生的注意力，引起学生的兴趣，这会使学生积极的、活跃进参与教学。打破以往的教学导入风格，本课伊始，我用名家名言导入，引起学生极大的兴趣，紧接着就顺理成章地进行本课的下一个游戏环节——档案整理。当然这个游戏是有的放矢的游戏，是根据本课内容的需要设置，它是贯穿本课的一条线，在下面文章中我会谈到。在学生兴趣兴起之余再“添柴加料”，学生完全被吸引了进来。

2.小组合作探究和游戏等方法能轻松让学生参与到看似枯燥的教学中。前文提到过我在名人名言引入后的“档案整理”游戏。我是这样操作的，把代表三位画家的关键词打乱，让学生整理归位，学生在游戏中积极地都参与了进来，而且小组合作一起很短时间内就完成了任务，同时也能检测到学生自学的效果。而后再通过档案词的解释完成对艺术家的介绍，学生知道的不再重要，学生不知道的详细介绍，这样使他们深刻认识到文艺复兴时期艺术的巨大贡献。这个方法要比单纯教师一个人在台上枯燥地讲要好得多，此方法让我获得了一些教学感悟。

篇（8）

文艺复兴发生于14至 17世纪上半叶它是人类文明史中的一大飞跃．人们不仅对世界和自然美有了崭新的认识．人性也得到了复苏．在文学艺术领域中人们尽情地歌颂美、抒发自己的情感，积极探索大自然的奥秘。当时自然科学哲学探索、文艺创作等都空前活跃、繁荣。笔者旨在阐释该时期美育思想的内涵及对当今美育和音乐教育的现实启示。 

一、文艺复兴时期羹育观的特点 

1美育思想核心和美育教育目标

人文主义是当时美育教育思想的核心．其思想精髓是对现世人生的重视把个性自由人生幸福，甚至感官快乐看成是人性的理想。人们提倡人性人权和个性 自由，要求文学艺术表现人的情感科学 为人生谋 福利、教育发展人的个性提出一切以人为本一切为了人的利益自由” 平等博爱等口号．赞美人、歌颂人和培 养全知全 能的完美的人是当时文学艺术美学和教育的中心内容与主要职责。人们逐渐认识到，只有不断提高人类自身的素质，不断提升和完善自我并顺应自然本性生活才能达到幸福的境界，一系列的思考带来了哲学思想和文学艺术创作的繁荣。

2 美育教育途径和方式

(1)注重文学艺术作品的美育功能该时期的作家 、艺术家以及 思想家 、理论家深切感 受到文艺 的强烈美 感教育 作用 并善 于运 用文学艺术 的特 点来宣传和培育人文主义思想  代表作有 《巨人传》《抒情诗集》《十日谈》《愚神颂》《堂吉珂德》等这些作 品有 的鞭挞 了经 院教 育 思想 的 弊端 ，有的热情歌 颂了大 自然以及 人世间真挚美 好 的情感 ，有的塑 造 了 向往 自由世界 ，具有斗争精神 的青年形象 ，很 好地浸染 了人们 的心灵 。西班 牙现 实主义作 家塞万 提斯认为，艺术作品应该既有趣又有益．既可以娱人又可以教人它们应该是人生 的 镜 鉴风俗的范型和真理的假象”。莎士比亚的系列作品则更是创造了人类文 学艺 术史 的高峰．他通过诗歌及悲、喜剧等多种形式尽情抒发对美的感受以及人类高 尚而美好 的情感 。 

(2)把文艺的认识、教益作用融合于”和娱乐、消遣之中德智体美结合采用直观生动、适合儿童特点的教育方式。他们认为悲剧有和“净化”作用指出诗是模仿的艺术．是一种指向教益的娱乐，能够娱情悦性 。他们注意教学的吸引力和学生的兴趣尽可能调动儿童的积极思维能力，让儿童在游戏中进行学习，并注重儿童的个性发展和培养 ，认为学习音乐、舞蹈等知识和技能尽管看不出直接的使用价值．却可以给人们带来奇特的享乐，并得到丰硕的成果，也即有着潜移默化的教育作用。 

二．文艺复兴时期美育思想的现实启示

1 美育教育是以人为本”思想的体现 

笔者认为，进行美育教育本身就是以人为本．学校教育 日益提升美育教育的地位 ，体现 了人们对生命的珍视对自身价值的认识 、对推进社 会发展的深刻而又全面的哲学认识 。如果说几百年前的文艺复兴提出人文主义是对人性的复苏和回归，那么现在的以人为本就是这一思想的成熟和发展。如我国的政治教材 中已明确提 出：努力促进人的全面发展是建设社 会主义新社会的本质要求。

2 音乐教育是艺术教育的重要一环是美育的重要途径

艺术教育的效应主要在两个方面，即个体素质的全面发展和提高、社会文明的进步和建设，可以看出其与文艺复兴思想的渊源关系。艺术教育因其比其他事物的审美含量充盈、集中而成为实施美育的最根本或主要的形式它涉及人生的各个层面和人文社会的各个领域。文艺复兴时期的思想家、教育家中有不少对音乐教育有着较高的评价和认识。维多里诺就非常重视音乐的美育教育作用．认为音乐的旋律和节奏对提高感觉和知性的能力都有好处维尔吉利奥则认为音乐这类学问是超脱 于实际的利益而自身成为自由的科学，弗莱佛认为．音乐舞 蹈对发展人的身心健美有重要意义今天的音乐教育越来越多地 强调以审美为核心让生活变得非富多彩，人类变得文雅和充满爱心的内在目的．它从感性入手，以情动人．以美感人重视教育的潜效应和教育的愉悦性，随着音乐教育研究的推进和改革的实施日益发挥更大的社会作用。 

三．对音乐教育方式和理念的再思考

1注重学科的交叉 、融合和渗透文艺复兴时期的音乐教育中人文主义倾向十 分明显，教育内容及教育形式都出现了多元化 、自由化 、分工化发展的新趋势同时音乐教育与社会科学及自然科学的联系更加紧密 。美国著名音乐教育学家 雷默提出了综合艺术教育的观点。他认为音乐教育只有和其他姐妹 艺术结 盟 ，才能够朝学校的核心课程迈进，更好 地发 挥美育教育的作用。美育教育也离不开艺术之外的其他 学科的养料 ，这一点文艺复兴时期的思想家已给我们启示。例如他们认为音乐与数之间有着紧密的联系，达 ·芬奇  丢勒等 艺术家们把艺术作为～门科 学来进行研究。历代音乐流派众多很多都得益于 其他 学科 或是 人文哲学思想 的启示．如德 彪西 创立的印象主义音乐风 格来 自于 印象主义 诗歌 和绘画的启示：中国古琴艺术讲究  清、微 ．淡远的意境有着深刻的哲学内涵。今天环境音乐医疗音乐等概念的出现也证明了不同学科领域间的融合渗透，不仅具有理论意义而且具有 实用性 。  

2  寓教于乐”的同时注重创造性是 美育工作者不懈追求的 目标 文艺复兴的教育思想是我们今天“寓教于乐思想的前身，同时，我们今天讲求寓教于乐也是以人为本思想在教学中的体现。国际音乐教育学会在审视音乐课程价值时指出音乐课程能有效开发个体潜能，激发创造冲动．升华精神境界．提高生活质量作为人类的巨大潜能，当今世界创造潜能的开发被日益得到 重视，人们的教育思想和方式也随之而发 生着改变。创造能力与美育教育之间有着相辅相成的关系，～方面美育教育能开发创造潜能，创新能力需在感受和创造性实践中培养，另方面好的文学艺术作品又有待于人们将时代精神给予创新性的运用不断创造出新的、好的艺术作品，使人们从中汲取营养、升华心灵，并从中获得灵感 ，进一步激发人的创造力。文艺复兴距今已经过去了3o0多年的时间．但它的美育思想精华却至今仍影响着人们值得我们不断去思索继承和创新运用。

参考文献： 

篇（9）

[中图分类号]J59 [文献标识码]A

随着经济的复苏和物质生活水平的提高，14世纪的意大利呈现出了经济繁荣的态势，资本主义开始萌芽，对现世美好生活的追求和对神权下的禁欲主义的厌恶使得一些思想先进的市民和诗人们率先开始对基督文化进行反抗。他们主张复兴古希腊古罗马的文化，通过这些文化来彰显他们追求人文主义的精神思想。于是，一场以复兴古典文化为形式，实则是鼓吹资产阶级新文化的“文艺复兴”运动就轰轰烈烈地开始了。[1]33-37

由于文艺复兴是对古希腊古罗马文化思想的复兴，因此在艺术创作方面，很多地方都能看到古希腊与古罗马时期艺术风格的影子。其中建筑尤为明显，艺术家从尚存的古典建筑中去寻求灵感，借此来探寻其中蕴含的人文主义思想。可以说，意大利建筑成为了这一时期建筑创作的完美范例。文艺复兴初期，以伯鲁乃列斯基为代表的建筑师们几乎是在套用古罗马时期的建筑风格，只是在其基础上稍作调整。这样一种建筑风格直接与中世纪近百年来采用的哥特式风格形成了强烈对比。如果说带着一个个尖顶、直指苍穹、充满神秘与崇高感的哥特式建筑象征着宗教的崇高地位与神权至上的思想；那么与之相对，文艺复兴时期的建筑则多采用穹顶，散发出一种和谐典雅的气氛，使人觉得它们更加容易亲近。而进入文艺复兴中后期，随着人文主义思想进一步的复兴，建筑风格开始更加自由，在晚期甚至形成了以米开朗琪罗为代表的“手法主义”――追求新颖独特，以自由甚至不合逻辑的结构秩序来增加建筑的体积感和动态感。

作为视觉艺术的建筑直观地反映着文艺复兴时期人们的思想变化；而作为听觉艺术的音乐，虽然不如建筑艺术那样直观，但也同样可以反映时代精神。文艺复兴时期的音乐创作摆脱了中世纪的某些束缚，诸如节奏模式、等节奏、定旋律原则及毕达哥拉斯律制等，并使用了伪音，扩大了乐音的范围，提高了音乐的表现力， 同时强调了词曲结合的意义等。[2]106-107这一时期诞生了许多音乐流派，本文将重点介绍文艺复兴早期的一个重要乐派佛兰德乐派及其代表人物若斯坎。若斯坎的音乐创作形式自由多样，表达的感情十分丰富，其在这一点上与文艺复兴时期的建筑风格有异曲同工之妙。探究若斯坎的音乐创作与文艺复兴时期意大利建筑在形式与精神上的异同，有助于探索文艺复兴时期的时代精神。

一、人文主义

文艺复兴标志着人性的解放，标志着人对现世生活的追求与热爱，这一点在中世纪的各类艺术中均有体现。在音乐领域中，艺术家们放弃了中世纪神秘主义的观念，使音乐“具有着清晰、简朴和真诚的美的感染力”；在创作技法上，手法更加丰富，逐渐脱离传统的教会音乐创作的一些规范，并形成了一些新的创作理念和技法， 使音乐艺术进入到一个空前发展的黄金时期。[3]203-204作为这一时期佛兰德乐派的代表人物，若斯坎表现得尤为突出。他强调模仿对位技术， 同时充实和声音响， 作品具有很强的情感表现力。[2]106-107

若斯坎音乐中的情感充斥着人性中的喜怒哀乐，充斥着对现世生活的思考与热爱。因此，他的音乐往往能够通过质朴的旋律使人产生共鸣。以他的作品《耶和华作王》为例，整个曲子没有采用复杂错综的节奏，曲调低沉平缓，每个音节的节拍较长，空白休止较多。因此，很容易就渲染出了一种寂静悲伤的氛围。但同时也不乏情绪波动之处，在歌词“主啊，大水扬起，大水发声”一段，旋律从一个向上跳进八度的主题开始，其他声部犹如波浪式地相隔半小节依次模仿，接下来又是同样呈现波涛汹涌的感觉。[4]35-38总体来说，若斯坎没有采用固定严格的音乐技巧和方式，而是使自己的旋律配合歌词与自己想传递的情绪进行变化，将音乐不仅仅作为一种为了追求崇高神秘思想的形式艺术，而是将其看作一种情绪的表达与宣泄。音乐的旋律旨在传达人的感情，从这里也可以看出文艺复兴时期的音乐艺术已经开始偏向于“情绪说”，这也标志着人性的主导和人文主义思想的觉醒。

同一时期的建筑大师们开始关注古典建筑风格，他们在意大利修建了一大批古罗马风格的建筑。他们希望借此来打破之前哥特式建筑注重雄伟、宏大、严格遵循某种形式、为神权服务的建筑特点，并希望以更加简单和纯粹的古典建筑形式来表达自己对美学的理解。其中早期的建筑大师伯鲁乃列斯基为整个文艺复兴时期的建筑风格奠定了重要基础。伯鲁乃列斯基出生于佛罗伦萨的富裕家庭，因此他有机会从小就接触古典文化，并在之后去罗马考察了大量的古罗马建筑遗迹。由于从小受到了良好的教育以及罗马之行一段丰富的考察经历，他坚定了复兴罗马建筑的决心。哥特式建筑采用的尖塔高耸、尖形拱门、大窗户的建筑形式，突出一种神权至上和庄严宏伟感。而伯鲁乃列斯基则决定采用圆形穹顶，使得建筑表现得更加具有亲切和安宁感。然而如何将穹顶建造出来，在当时是一个不小的难题。在修建佛罗伦萨大教堂时，由于主教堂内的八边形空间，其跨度已扩大到138英尺6英寸，一般的方法显然无法建出穹顶。伯鲁乃列斯基从万神庙中汲取灵感，万神庙的大穹顶让他意识到建立一个没有中心支撑结构的大穹顶是可行的。与此同时他想到了将侧推力分解在庞大的墙体之中。正是这一点，使得他不必再建造鼓座。他在已有的八边形的每一个角上建造一个主肋，再在主肋之间设置一对较小的肋。这样，就有了24根肋，以一种自我支撑的方式建造起了尖拱状的穹顶。这一穹顶的建成，标志着伯鲁乃列斯基对古典建筑形式的成功复兴，以致于他在今后的柱式设计中亦希望将这一简单纯粹的建筑形式发扬光大。建筑师在此后又重新发现了古代的比例与权衡，并将之应用于圆形的柱子、扁平的壁柱及简单而粗拙的伸出物上；然后，又细心地区分了各种柱式，并对它们之间的各种不同了如指掌（瓦萨里）。与若斯坎试图打破以往的音乐规范一样，伯鲁乃列斯基在柱式上的选择与排列亦是对严格固有排列定式的挑战。如洗礼堂与圣米尼阿托教堂，每边长十个布拉齐亚的立体空间是凉廊的基本单元，并将这一单元重复了9次。每个立体空间单元上均有灰色石块制成的穹顶，它们与周围的白墙形成反差，看上去十分随意的蚀刻线脚和这种没有华丽形式与装饰的柱式排列方式反而让人感到轻松欢快，容易由空间读出建筑师想表达的情绪。就这一点来看，其与若斯坎所想推崇的音乐“情绪说”不谋而合。比较二者不难看出，文艺复兴时期的伯鲁乃列斯基与若斯坎，都希望摈弃掉以往严格的艺术范式与秩序，通过探寻最能表达人类情感与思想的简单形式，来抒发一种人文主义关怀。

二、自由主义

与人文主义相呼应的另一种时代精神正是自由主义精神。在音乐艺术与建筑艺术方面，自由不仅仅表现为艺术家们创作时的精神与思想的改变，同时也表现为他们在自己作品中大胆的形式创新。若斯坎将世俗音乐曲调也作为他音乐创作的核心主题，他的《Missa”L’homme arme”super voces musicales》就是此类型弥撒曲的代表作。[3]203-204这首作品中，在卡农形式中，女高音声部是作为相对独立的主要声部出现的，其他的声部起到了对位和衬托的作用。这种形式打破了流传已久的比较死板的音乐形式，从而使得复调音乐冲破了一些束缚，更加专注于音乐进行的流畅和可听性。[5]95-98

而在建筑艺术方面，进入文艺复兴后期，也开始出现了以米开朗琪罗作品为代表的“手法主义”建筑。最能体现其自由建筑风格的作品就是劳伦齐阿纳图书馆中连接阅览室和门厅的一个大楼梯。米开朗琪罗一方面继承着伯鲁乃列斯基的老圣器收藏室的风格，同时又希望通过装饰赋予它更加自由的形式。于是他用了一种组合柱式的手法进行装饰，其中最为突出的是那些优雅漂亮的檐口、柱头、基座、门、壁龛、陵床等，在这些细部的处理上，他极大地偏离了以往建筑师们按照比例、柱式、法则所制定出的循规蹈矩的建筑美学形式。并且在这座楼梯的设计上，在踏步的处理中，他采用新奇的休息平台的设计。在平台中的很多细节处理上，他也是按照自己的设计意图，创造出了许多新颖的、独特的建筑语汇和手法。米开朗琪罗在那个时代开启了一套既相似于古罗马建筑风格、又富有“自由”思想的创作手法，以致于在后来有更多的建筑师和艺术家们循着他的步伐进行更加大胆的创作。瓦萨里曾指出：“米开朗琪罗与那种由比例、柱式和法则所规范的建筑学已经相去甚远。”他的大胆创新，是开始尝试将建筑艺术当成一门真正的创作艺术。虽然很多是有悖常理的尝试与创新，但于整个建筑发展史来讲，确有极高的价值。除了他的单体建筑很值得玩味以外，他参与设计的大型市政工程卡比多广场也折射出了“自由的思想”。而整个工程中最具代表性的当属他使用的巨柱，这些巨柱贯穿了两层楼高，它们结合成一个整体，柱子间形成的空间与前面提到的伯鲁乃列斯基的凉廊的基本空间单元形成了鲜明对比。米开朗琪罗的空间更加通透宏大，更加开放自由；而伯鲁乃列斯基的质朴简洁，带着极为强烈的安宁感与关怀感。由此也可以看出，在整个文艺复兴时期，早期的艺术家们和晚期的艺术家们虽然均致力于对哥特式建筑的变革和对古罗马风格建筑的复兴，但是他们自身的风格与思想也在不断演变，演变的进程就如同若斯坎笔下的音乐一样，充满着情绪和曲调的变换。所以不得不说，文艺复兴时期自由主义是可以与人文主义比肩的时代思想。

三、同一时期的东方世界

在文艺复兴同一时期的中国，则经历了元明清的朝代更替。与西方思想趋于人性、趋于自由不同，这一时期的中国反而走向越发封闭的状态。这一点在城市建设方面体现得尤为明显。元代最具典型性的城市建设就是元大都，大都城的形制为三套方城，分宫城、皇城、大城三部分。其中，宫城和皇城是其主体部分。元大都在建设时首次先测量出了全城的几何中心，并在几何中心上修建了能代表“礼制至上”的钟楼和鼓楼；而在街道划分方面使用的是十分规整的棋盘状，将居住区分为50个坊，各坊以街道为界限。总的来讲，元大都采用的依然是三套方城、宫城居中、中轴对称的手法，意在凸显皇权。同时它也很明显地向封建儒家礼制观念和风格进行复归，如“国中九经九纬”“面朝后市”“左祖右社”等《周礼・考工记》的思想在元大都中均有体现。同时它的城市建设还信奉了道家风水学说，比如北边只开两门，避免破龙脉正脊之气。元大都的建设反映出这一时期中国的思想依然是十分封闭的，对礼制和皇权极度崇拜，而很少从人的实际需求出发，所以反映在建筑与城市规划上才会出现这种带着强烈政治意义色彩的建筑或城市形态。明清紫禁城的建设几乎是对元大都的延续，只是城市布局重点更加突出，主次更加分明，造型更加华丽，然而封建礼制思想却没有发生改变。相比于建筑的封闭，同一时期的音乐艺术更加开放自由。在元代，出现了《青楼集》这样的以记录青楼音乐为主的音乐集。《青楼集》所描述的元代青楼音乐，可以说囊括了各类音乐表演形式。但无论是戏曲，还是说唱，亦或是其他种类的音乐艺术，所用的音乐，大多来自于民间，是流行于城市市民阶层、社会影响深广的民间俗曲。[6]25-28由此可见这一时期的音乐艺术相比建筑艺术更加自由，更能反映人性，是雅俗共赏的音乐。虽然其在形式上和西方文艺复兴时期若斯坎等人创作的音乐形式有很大差别，但它们在内容上有相通之处，即将重点放在了通过音乐来表达人的情绪与思想。

四、小结

无论是意大利建筑师们创作建筑艺术，还是若斯坎创作美妙的音乐，他们都将人文与自由的精神折射到了自己的作品中去。他们开始尝试在作品中打破以往固有的套路和美学形式认知，表达自己真正的情绪和思想。从这一点来讲，文艺复兴时期时的艺术家们正是那个时代的变革先锋，他们以其作品引导了整个时代思想的大变革。

在整个文艺复兴时期，艺术家自身的创作手法和创作理念也在不断变化。早期的伯鲁乃列斯基严格遵循着古罗马的建筑手法，而晚期的米开朗琪罗的建筑风格则更加自由和大胆。早期的若斯坎作品中仍然有对形式的追求，而后来的他则采用最简单的形式来表达“情绪”。由此可见，整个文艺复兴时期，艺术家自身也在不断发生着变革，也正是这样的变革才推动着艺术的发展与创新。

虽然同一时期的东方思想较西方来说更加封闭，但是仍然能看到雅俗共赏、真情外露的音乐艺术形式。所以无论是东方还是西方，艺术作品在这一时期都标着人性的觉醒和思想的解放。这是社会、经济、文化发达到一定程度的标志，同时也是艺术发展的重要转折点。

参考文献：

[1]周巩固.基督教与经院哲学[J].历史教学问题，2009（5）.

[2]宋润婕.欧洲文艺复兴时期的音乐流派[J].社科纵横，2006（12）.

[3]葛姝亚.若斯坎音乐创作精神内涵的文化分析[J].作家，2011（18）.

篇（10）

 

如果作为一个专有名词，古典主义艺术指的是古希腊、古罗马及文艺复兴时期秉承古典精神的艺术。而新古典主义，则相对古典主义而复兴的，相对于文艺复兴时期，新古典主义继承了“文艺复兴”。所以“古典”这个词充斥在这三个历史阶段中，在文艺复兴时期所指的“古典”是指古希腊和古罗马时期，新古典主义时期所指的“古典”是指文艺复兴时期，古希腊和古罗马时期。而我们现在谈的“古典”则是指这三时期的精神，由于古希腊和古罗马时期没有油画，一般所指的古典油画也就以文艺复兴时期为重要代表。而在这里我们所讲述的古典主义油画的形式特点也是这一时期的形式特点。在一幅画产生的印象中，静穆、伟大和重要等概念将作为决定性要素浮现出来，而不理会所描绘的实际题材，也就是说，我们在欣赏古典主义油画时形式因素，需要明白画面中所包含的形式特点。下面就从构图、色彩、线条四个方面对古典主义油画中的构成因素进行分析。

1. 古典主义平稳的构图

古典主义的作品是建立在一种单纯而稳定的构图之上，对称是平衡画面的总则，古典主义油画构图中最大的特征是三角形构图。正如米开朗琪罗所说:“古典原则需要艺术家由理智、艺术、对称、平衡、精选、坚信来引导。”这是古典主义原则的一个强劲的宣言，它奠定了文艺复兴古典艺术大厦的基石。同时，自远古时代就为人类所熟知的黄金分割律在文艺复兴时期被系统的运用，使画面成为一个整体，和谐一致。几何学的严格和科学透视的融合，产生出在构图上无以伦比的平衡完美的作品。古典传统的作品是建立在一种单纯而稳定的构图之上的。对称是平衡画面因素的总则。几乎所有古典主义构图中最大的特征就是三角形构图。三角形的底部几乎占据了画面的整个下部，拉斐尔的许多作品就是采取这种格式。

古典主义构图当中还有一个重要的原则就是黄金分割律的使用。在远古时期，黄金分割律就为人们所熟知，可是只有在文艺复兴时期，才开始被艺术家运用到画面中分割形体使得画面作为一个整体更加和谐统一。几何学和科学透视的融合，将会产生出无与伦比平衡完美的作品。所以达芬奇在他的绘画中的科学性中说:“科学与艺术不但不相违背，反而因为彼此相互融合而产生更强的效果。如果没有科学，艺术的表现力将大大失色，它可以通过科学使其更具有张力。如果没有艺术，科学将只能通过逻辑的语言去阐述，失去了更为形象和准确的表现力。”所以，在达芬奇的画中，他将两者融为一体，它们是完整的结构整体，他的画中，充分表现着和谐的比例和各个形象之间的平衡感[1]。

2. 古典主义微妙的色彩

就色彩分析古典时期的绘画,冷暖色彩变化极其微弱，几乎谈不上有真正的冷暖色彩对比关系，色彩是素描的附属物。所以古典绘画更多的总是以故事、形象和素描来打动观者，而不是色彩和笔触。西方著名美学家康德在《判断力评判》中，就色彩在艺术中的从属地位问题作了决定性的评价。他说，“在绘画和雕塑中构图是关键……给草图添辉的色彩是构图的一部分，色彩以它自身的方式可以给我们观察画面增添一种生气形式因素，但色彩自身绝不能使画变美。”这就是说，色彩不是绘画中的决定因素，充其量只是构图和画面的点缀而已。在康德前后好几个世纪中色彩的地位一直如此。［2］再现绘画体系的发展和写实技法的完善受到了色彩从属地位的制约，随着素描体系发展越来越完备，色彩语言逐渐受到艺术家们的重视。

3. 高贵的线条美和有节奏的韵律美

线条是视觉艺术中的造型语言之一，是人类从自然界中抽取和归纳的主观创造。线条是人类抽象思维的成果，又是人的感觉、领悟和想象的结果。线条是人们在改造自然界时对经验的一种总结，它包含着人类的智慧。沃尔夫林在《艺术风格学》中讲述：“线描风格是由塑形感的清晰性的风格，多半表现固体的

[1] 戴勉译 《达芬奇论绘画》 人民美术出版社 1979年

[2] 常宁生．《反叛与超越现代西方绘画艺术》．上海：东方出版中心

对象，其平静的、光滑坚实的、清晰的边界轮廓给观者以安全感，以致产生触觉的效果。这种风格的形象具有持久的、可测量的、有限的形式。”正是古典主义油画中高贵的、富有节奏感的线条美使得艺术家对古典主义绘画孜孜不倦的探索与研究。正如英国画家威廉.布莱克所说：“弹性的线条愈独特、醒目和坚韧，艺术品就愈完美；如果线条愈柔弱、模糊，艺术品就显得愈粗糙，想象力就显得愈贫乏，……舍弃线条就等于舍弃生命。”

举一个例子，我们可以从表现的观点来分析拉斐尔的线条，与15世纪过于琐细的轮廓线相比较来评述它的极高贵的风采；我们可以在乔尔乔内的维纳斯的线条运动中感觉到它同《西斯廷圣母》的密切关系。两人彼此的相似之处在于他们都代表着十分严谨的线的设计类型。而拉斐尔的崇拜者安格尔对线条的运用更是极为重视，他认为线条是造型的基础。安格尔喜欢用有?性的∠弑硐秩颂澹有大小不同的∠咦槌傻牟ㄐ蜗撸它的延伸方向缓慢起伏变化，而大大小小的∠呦嗔形成类似音乐般的韵律感，与和谐的古典审美趣味相适合。安格尔在素描中的线条是外显的，他的素描线面结合，线条对于? 《西斯廷圣母》拉斐尔

造形体来说，具有很强的 归纳性，以线带面，给人明确的形体感，干净利索。安格尔认为：线和形越是简练，就越富有美感和魅力。安格尔的油画充分体现出他在素描上用线的高度技巧形式因素，把线条内化在形体中，这种由弹性线条形成的节奏韵律，像音乐一样流淌在整幅画面中。

总之，古典主义油画几乎孕育了后来油画的所有风格，巴洛克、浪漫主义、现实主义等都是在古典主义的基础上发展起来的。古典主义油画在造型上追求一种理想化的美感，其精于观察，对形的追求以现实为基础，并能加以适当的主观处理。在造型时对形体态做了变形，形成有节奏的曲线，加强流动感，甚至为了符合自己的审美追求对自然形进行夸张改造，以获得古典主义油画理想化的丰满和圆润典雅。也就是说，古典主义油画家在作画时有一套高度的古典主义形式美的形式法则，这种形式法则将抽象的古典美与具象的古典写实技巧发挥到极致。严谨、雄伟和简单明了，加上精细的绘画以及清晰的形式与崇高的内容的完全一致，这一切作为古典主义的要素在诸如毕加索、马约尔和穆尔这些晚期艺术家的许多作品中继续存在。

参考文献：

[1]戴勉译《达芬奇论绘画》人民美术出版社1979年

[2]姚扣根赵骥《外国艺术十六讲》上海百家出版社

[3]常宁生．《反叛与超越现代西方绘画艺术》上海：东方出版中心

篇（11）

借助来自欧洲的灵感，此建筑的3层70个房间，成为一座仿古典主义文艺复兴风格的豪宅，也是欧洲15-19世纪的艺术品及古董的收藏之地；由于当时的设计是为了收藏，房间里精美绝伦，有众多的藏品，馆内没有一面墙、一块地砖、一件物品看起来平淡无奇，单是家具清单就足以让拍卖商眼红；它们从欧洲各个地方购置而来，世代家族把藏品与装饰传给下一代，于是给人的感觉竟像是同一个时代的人在此居住了长达400年之久，时光好奇妙。