常见的平面设计风格大全11篇

绪论：写作既是个人情感的抒发，也是对学术真理的探索，欢迎阅读由发表云整理的11篇常见的平面设计风格范文，希望它们能为您的写作提供参考和启发。

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关键词：

平面设计；书法元素；运用；笔墨；设计；创新

书法是中华民族传统文化中独具特色的艺术表现形式。书法以笔、墨、纸、砚、绢为媒介，在相互交融、相互渗透之下，产生了独特的图案变化和肌理变化。通过笔在粗、细、方、圆的不同点画，使书法文字的艺术美感体现得更加明晰。在平面设计中，将书法元素和现代设计理念相互融合，能够使平面设计的表现形式和语言更加丰富。书法中流露出的节奏感、线条感和灵动感融汇在一起，既带有文字的内涵性，也具有图画的装饰性。在平面设计的外在装饰效果上，书法元素既具有形象性，也具有抽象性，为平面设计师展示出了别样的艺术空间。

1平面设计中书法元素的运用价值

随着经济社会的飞速发展，“时尚中国风”已经成为国际设计领域中一股新的时尚潮流，越来越多的设计师开始关注传统文化，在现代化的设计表现中尝试融入新的艺术表现形式。正所谓“民族的才是世界的”，只有有特色、有文化、有内涵的设计风格，才能被人们所认识和了解。并在全国乃至全世界得到认同。书法元素本身就是对传统文化的继承，是一项同时具备具象、抽象两种特质的艺术形态。这种双重的表现形式，促使书法艺术在人类文化发展进程中扮演了重要的角色。从根本上说，在书法艺术中所呈现出来的民族文化和表现形式，更加贴合平面设计的发展形式，这也要求广大设计工作者充分利用书法的书写、变形、夸张等不同的手法，使平面设计融入民族精神，保持长久的生命力。

2平面设计中书法元素的运用原则

在当前时代下，中西方国家对本民族的文化进行了持续的深化和创新。中国的平面设计工作更是如此。通过传统文化的融入，将平面书设计和书法艺术融合在一起，呈现出了一种别样的生命力，对具有中国特色的平面设计的魅力和审美价值产生了重要的推动作用，在运用原则上也体现出了一些发展规律。具体分析如下：

2.1书法艺术的表现形态

书法艺术之所以更加贴合平面设计的创新和发展，主要是因为在书法艺术的表现形态上，一撇、一捺都体现出了一种图案类的装饰美感。在当代国际一些较为成功的平面设计案例中，香港著名设计师靳埭强把平面设计和书法艺术结合在一起，使他的作品呈现出一种深厚的文化内涵。他主张将中国书法文化的形态当作设计图案看待，在融合文字内涵的基础上，把中国书法艺术和平面设计融合在一起，把书法供人“赏析”的价值更加形象地融进设计之中，继而使平面设计具有特殊的意义。

2.2平面艺术的思想内涵

众所周知，平面设计被广泛运用于各个领域。平面设计作品按照社会共识和大众审美理念进行了创新和解读，所以更加符合人民群众的审美需求。除了外在的审美品鉴，优秀的平面设计作品还离不开丰富、真挚、新颖的思想内涵。因此，平面艺术思想的融入，能够通过文字的编辑、组合和编排，使平面设计在现代设计中具备历史意义、社会意义和文化意义。书法艺术的应用元素众多，所具备的思想内涵也十分丰富。从最初的象形文字到甲骨文，再到隶书、篆刻和宋体，都能够使平面设计的思想更加完善，既具备传统韵味，又具有设计新意。

3平面设计中书法元素的创新运用

3.1围绕视觉艺术，注重题材创新

传统书法艺术的价值不言而喻，但是围绕平面视觉艺术，平面设计的文化内蕴也需要展开来看。书法元素本身是富有感情的，它具备丰富多彩的装饰感觉和文化气韵，这些优点和计算机中机械、冰冷的美术字有所区别。然而，平面设计中书法元素的应用并非是生搬硬套、一成不变的，而是需要针对人们的审美需求对艺术设计题材进行开拓和创新的。因此，设计师在平面设计中需要具备归纳精神和创新能力，通过对传统书法艺术的开拓，充分发挥自身的艺术优势。除了要准确地传达商品的信息，还要使平面设作品更加贴近人们的审美心理。例如，画家黄永玉在进行酒瓶设计时，为了增加“酒鬼酒”招贴文字的特性，除了在瓶身采用了麻绳、陶罐和麻布相结合的素材形式，还在包装正面“酒鬼”二字的品牌招贴设计上融入了草书的书写形式。黄永玉有意识地对“酒鬼”二字进行了变形，加入了草书的元素，而且字体一改草书的潇洒顺畅，进行了抽象和变形。用有意歪斜的字体，加入艺术字的变形技法，既体现出了酒鬼醉后写字的思想趣味，又体现除了深刻的代表性和审美性，让人们看到后产生会心一笑的效果。另外，草书的结构精简、笔画缠绵，也更加符合“酒鬼”品牌之下的飘飘欲仙的醉态质感，使产品的形象更加鲜活真实，并在整体设计结构上形成了极具个性的设计风格。

3.2融入文化思想，体现艺术和谐

平面设计中，书法元素的运用并不是凝固的，而是一种动态的设计表现手法。广大设计工作者要将传统融入平面设计中，在思想文化上吸收中华民族书法艺术的发展精髓，使平面设计更加富有思想深度。因此，在实际的设计中，设计师要注重对题材的深入挖掘，将传统书法元素中倡导的和谐、质朴、含蓄的思想融入传统文化之中，继而实现对传统文化中儒家、道家等经典文化的融合。在充分考虑平面设计中书法元素的各项因素的同时，对书法元素的比例、大小、色彩、材质进行整合，使平面招贴艺术的价值不仅仅凝固在审美角度，还体现在内在意蕴上。

3.3了解书法技法，实施选择设计

为了满足平面设计中不同的艺术特色和设计需求，设计师需要针对不同的书法元素进行创新，有选择地将字体、文字、版面结合在一起，使平面设计效果更加出乎预料，吸引大众的眼球。例如，在书法字体的应用上，最为常见的是隶书、篆书、楷书、行书等几种书写形式。在平面设计中，草书字体如行云流水，往往被运用到自由、松散的设计风格之中；楷书字体平稳踏实、规整端庄，往往更加适合一些中规中矩的设计风格中；隶书字体古朴、筋骨丰盈，因此在设计风格上给人一种雅致经典的感觉。行书动静兼具，通常被应用在浓淡相宜的笔墨设计中。在2008年北京申办的奥林匹克运动会的标志设计上，设计师在设计35个体育图标的过程中，就从书法元素中选取了“大篆”作为图形设计和平面设计的相互结合，将中华民族延续了3000多年的象形文字予以神话。特别是用竹简汉子笔体书写的“Beijing2008”，更沿袭了独特的书法意蕴，在设计理念上塑造了“去繁就简”“选择设计”的文化理念。

4结语

书法是一种实用性极强的艺术表现形式，无论是在招贴艺术、标志艺术或是其他设计门类中，书法艺术都已经成为艺术文化的发展核心。而在书法元素和平面设计的融合中，设计师需要通过一系列创新的技术手法，塑造一个较高的艺术境界。广大设计工作者要秉承与时俱进的发展态势，深刻提炼中华民族传统文化中包含的艺术情感和思想内涵。

参考文献：

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在艺术设计中，手绘图形的表现手法以手绘、材料表达形式为主。设计方法的多样性、灵活性、独创性和随意性，使现代平面设计表现形式多样化，更能吸引受众的视线，引发受众的共鸣。手绘图形常见的表现方法有书法笔触、POP图案、油画的肌理等。

一、书法的笔触

书法艺术是由抽象的文字逐渐形成的，以抽象、象形的图形为主。书法艺术具有象形、符号的特征，所以可作为现代平面设计创作的原始素材。陈廷祐曾在他的著作中说：“意象者，有情义的形象也，有意味的形式也。”这就是说，平面设计中运用的书法元素要“有情有义”，符合设计风格。书法的笔触大致可以分为顿笔、摧锋、挫锋、挨锋、驭锋、蹲锋、足存锋、衄锋、驻锋、趯锋、按锋。总结笔法时，人们往往着重提到“顺逆”和“物理”，这四个字囊括了笔法的大部分内容，道出了笔法的核心问题。书法图形的创作也是依据笔触的基本原理发展而来的，准备好笔、墨、纸、砚，运用书法笔触技巧，画好图形、笔触，扫描或拍照后导入电脑，利用电脑制图软件Photoshop将文字草图抠图并制作效果。运用这种方法制作出来的作品自然天成，因此深受现代设计师喜爱。

二、POP图形

POP是指商场、超市、店面里展示的一种小幅的广告，是一种小型的促销工具，以展示陈设在商品展架的物品为主。生活中经常出现的立牌、招贴、贴纸、木质货架、拉杆架、纸堆头、招牌、商品模型、旗帜、简易展架、悬挂吊架等，都属于POP。POP的主要商业用途是明确告知商品的信息和销售活动（打折、减价），激发消费者的购买欲望，活跃卖场气氛，增加视觉关注。POP主要应用于大型商场、超市、专卖店等，各个卖场一般都有设计部门，招聘专门的平面设计师进行手绘的POP广告设计与创作，以满足五花八门的商品展架面不同的使用要求，因此，POP广告具有很强的灵活性和新颖性。手绘POP的产量很难满足琳琅满目的商品，除重大活动和特殊的商品外，一般采用电脑批量制作的方法，进行格式化量产后，再由人工添加必要的促销信息，以此达到快速宣传的目的。POP的制作步骤有设计字体、文字版面编排、主要图形设计、辅助图案绘制、特色图形绘制、创新图形粘贴、拍照、电脑设计制作。手绘POP图形之后，借助电脑软件制作、合成，印刷、喷绘彩打出来的电子版POP也较为常见。电脑不仅可以进行排版，也为不擅手写POP字体的设计者提供了一个绘制与参考的工具。利用Illustrator、Photoshop等设计软件，设计师可以迅速地将POP手绘图形与电脑绘制图形相结合，形成独特的POP设计风格，设计出绚丽多彩的广告。

三、油画的肌理

油画肌理的发展和表现是艺术家在创作中不断丰富和积累的过程，是艺术家从现实生活中提炼到艺术表现的过程。在平面设计中，运用适当的油画肌理能够给画面带来更加丰富的层次，增强画面的立体感。油画肌理的创作方式有平面肌理、厚涂肌理、综合材料肌理。创作者根据平面设计风格的需要进行绘制，利用油画工具的特征，使用颜料、画布、刮刀、塑性膏、画笔等工具制作平面设计所需要的肌理效果。优秀的肌理效果具有强烈视觉冲击力，通过肌理的触觉特征深层次刺激视觉，具有强烈的表现性。油画肌理的实践方法有以下几种：其一，利用大白粉或立德粉调白乳胶成膏状，利用刮刀、铁丝或植物表皮，在需要的地方制作出斑驳的笔痕肌理。其二，选好画布，用刮刀将颜料一层一层地刮在画布上，再利用竹条、麻绳等抽打，可以制作出爆炸、裂痕等效果。其三，利用树叶、树枝、稻草、羽毛、木屑、蛋壳、沙石、瓷器碎片等，在丙烯颜料上印、扫、刷、堆、推。还可以利用砂纸进行打磨，最后上一层光油，使整体变得更通透，更具有立体感。其四，利用各种材料与油画颜料混合，也可以用石膏粉或者白乳胶调和，一层一层地刮，增加画面的立体效果。

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网络媒体作为以互联网为主要载体的媒体形式，以网站为基础，包括了视觉设计、支撑技术、社会化联系以及网络媒体公司本体等多方面的内容，在理念与技术创新、社会化交互等方面有着鲜明的特点。作为外在表现之一，网络媒体的设计理念与风格也有着自身特点，这与其内在特质密不可分。

1网络媒体平面设计风格举例

网络媒体设计以网页设计为基础，包括了网站策划、网络动画、电子杂志、移动应用以及相关程序开发等多种形式。网络媒体设计属于数字媒体艺术专业范畴，具有设计与技术的双重属性。网络媒体设计在版式、用户交互、视觉符号等诸多方面都有着自身的特点，成为数字媒体设计的重要组成部分。

从根本上说，网络媒体的平面设计风格是同种类印刷品的延续，比如公司网站的设计风格首先要遵从公司VI手册指定的标志、色彩、辅助图形使用规范，和公司宣传印刷品一样，要使用一些象征性的图片，以表达企业文化与特质。另一方面，由于传播媒介和显示设备发生了较大的变化，在油墨转化为像素的同时，网络媒体依赖于超链接手段的超媒体阅读方式较之印刷品的线形阅读流程也有了较大的改变，这必然也会影响到视觉设计风格。比如网络媒体设计一般强调主菜单导航和分级页面构建，因此首页设计风格一般呈现集合性、模块性；二级、三级页面则逐步向具体内容展示靠拢。

Facebook简约的蓝白风格也已成为社会化媒体网站的色彩标准。除了视觉形式，Facebook围绕用户的菜单设置也体现了社会化媒体的精髓：注册与登录模块、用户的信息、用户的圈子、用户关注的内容等等，网络与人的关系在这套菜单设置中可窥一斑。Facebook还针对公司团体设定了相应的公共主页，与私人用户形成“信息传播主体与粉丝”的一对多关系，完成了用户的二次聚合。公司主页包括公司识别信息、主题图片、相关介绍等基本内容。除此之外，针对每个公司的不同情况，精选出特殊模块单独放置在页面底部，形成专题，比如粉丝数量（likes）、重要事件等等。较之官方网站，用户在这样的页面中更能直观的感受到公司文化的影响以及与自身与公司之间的关系，公司形象更为鲜活。总的来说，Facebook打造的社会化媒体信息模式较之官网内容的繁密和搜索引擎的简洁有着别样的意义，形式和内容在此有着完美的统一。

Twitter界面设计师维克托・洛伦克（Vitor Lourenco）为该网站设定了简洁而不失艺术细节的视觉风格，打破了以“纯色背景、拒绝装饰”为代表的高访问量网站的设计法则。对于以Twitter为代表的微型博客而言，在发帖文字数量受限的同时，于视觉变化上却获得了一定的释放。网站背景中的平面插画以及类型各异的小鸟标志让这类网站距离用户更为贴近，在时下流行的微博型网站中几乎都可以找到这种轻松的设计风格。

随着智能手机、平板电脑的不断发展，基于互联网的平面设计风格也蔓延开来，在不同终端形成了各自稳定、延续的视觉特征。一般来说，移动媒体的界面设计更加简洁，适合手指操作。较为常见的方法是在固有网页链接内容的基础上整合页面，精简模块，都做指引性信息，过多的具体内容交给深层链接或者外站链接。有些APP应用甚至颠覆了传统网络媒体的内容展示形式，比如一款名为idaily的iOS应用，一改满是超链接的“大而全”形式，转向每天只推出一幅精彩照片与配图故事，其吸引力不降反升，这与网络媒体的海量信息选择有关。当信息数量到达一定的限度，少而精的获取信息反而是明智之举，毕竟作为当今社会的读者来说，其自身的精力是有限的，如果可以真正关注一件事情已经是一件奢侈的事情。

除了视觉风格，典型公司具备的卓越行业洞察力也将成为网站设计的内容与结构策划的参考标准。

软件公司Adobe在官方网站中较早提出了“解决方案（Solution）”的概念，在单纯的产品列表之外优化定义了公司产品的行业属性。“面向需求、给出解决方案”是Adobe网站架构不断更新的指导思想。在最新改版的网站中，Adobe将数字媒体与桌面出版行业划分为商业需求（business need）和行业（industry）两大部分。每个部分又包括了数字分析（Digital analytics）、媒体间广播（Broadcast）、数字出版（Digital Publishing）、教育（Education）等多个门类，引入了云营销概念（Adobe marketing cloud）概念。在这份解决方案列表中，Adobe公司将个人电脑、平板电脑和手机等多样终端统一对待，体现产品的无缝连接特性。在当前的富媒体时代，廓清媒体本质、整合媒体资源与优化媒体感受成了每个创意与设计者不能回避的问题。在这个问题上，典型公司给出的答案将极具价值。

总的来说，以Twitter、Facebook、Adobe为代表的典型IT与互联网公司所体现出的视觉形式与行业分析是同行设计的重要参照，代表了网络媒体主流设计方向和默认标准。

除了网页设计类型，网络媒体公司及其所代表的数字文化已经成为了一种时代性的潮流，其影响力不可避免的要波及到更多的设计层面。以标志设计为例，在LogoLounge网站的《2012年标志设计趋势报告》中，符号集群（Icon Clusters）、透明叠加（Transparent Links ）、虚实结合（Selective Focus）等类别都具有典型的数字媒体特征，体现在电子屏幕化的色彩表现（半透明、纯色和渐变色）、像素化图形、线条以及抽象概念表达等多个方面。

2网络媒体内在特质分析

通过案例研究，网络媒体平面设计风格具有独特性，即便抛开数字技术的支撑，其平面设计风格的特征依然清晰可辨。可以说，包括网络媒体公司与领导者的典型特质在内的诸多因素对其设计风格的影响是决定性的。

网络媒体个体往往有着统治性的绝对影响力，也可以称之为典型影响力。典型网络媒体公司简单的名称往往承载着深厚的科技、社会与人文内涵。如搜索网站谷歌（Google），其名称早已上升为代表搜索行为的动词。再以社会化媒体网站Facebook为例，短短几个字母让用户趋之若鹜，他们不在乎是谁打造了这个社会化网站帝国，也很少了解哪些技术支撑起这个网站。Facebook不只代表着公司的名称，也不仅仅是是社会化媒体的“帅旗”，更是揭示了网络的互联本质――人的互联。社会化媒体业界有一句流行语：“Facebook就像一条大河，我们只要做里面的大鱼就可以了。”除非新技术驱动的时代到来，否则面对这些独一无二的名称，网络媒体行业中其他人能做的不再是超越，而是承认与追随，模仿者中可以分得一杯羹的也寥寥无几，这与很多传统行业有着很大的不同，其具体原因是多方面的。

首先，IT与网络媒体公司的领导者的创新人格魅力是行业绝对影响力的重要支撑。比如，苹果公司创始人斯蒂夫・乔布斯（Steve Jobs，1955-2011）即便在被公司解雇的时期也没有停止探索，重新创立NeXT电脑公司，研发积累了多项新技术，为重返苹果并成功带领公司转型奠定了基础。苹果产品研发一度贯穿着“what’s not a computer （不是电脑的电脑）”的理念，这也成了一种近似于偏执的创新口号。微软创始人比尔・盖茨（Bill Gates）早在1995年就早已预言了数项科技发展趋势，比如智能手机、屏幕触控技术、云计算等等，即便很多技术没有在微软公司实现，但领导者的洞察力和创新力让人赞叹，这也是微软帝国的精神基石。和网站名称一样，各大网络媒体公司的创始人或领导者的名称也带有极强的典型性，如同在IT业界塑造出来的一幅幅带有浓厚个人主义色彩的英雄形象。在Adobe公司的创始人约翰・沃诺克（John Warnock）退休的时候，乔布斯曾说过：“他是我愿与之打交道的创新者。他走以后，留下的只是一群西装革履的家伙，Adobe公司也变成了垃圾。”言辞虽偏激，却体现了网络媒体这个行业领导者魅力所起到的举足轻重的作用。

其次，在众多创新类别中，技术创新是网络媒体赖以存在和发展的基础，这种面向技术金字塔尖的淘汰模式使得典型网络媒体大都经得起时间的考验，成为一时流行之选。Facebook的F8开发者大会所代表的开放性平台就是例证。该平台汇聚了数以万计的公司与个人参与到程序开发，这种人才汇聚成就了Facebook在技术层面保持着“典型性”，代表了公司站立在高科技产业的制高点。

最后，用户也是造就网络媒体典型影响力的重要一环。网络媒体有着强烈的“圈地”属性，即吸引并留住用户，增强用户粘度。一旦吸引了绝对优势数量的用户，其他后继的同类产品的竞争力就会大大减弱。法国调研公司Semiocast最新数据显示，截至2012年7月，社交与微博客服务网站Twitter的全球用户数量已突破5亿大关，其中，活跃用户也有1.7亿之多。成立短短六年的时间，Twitter能够做到这一点，完全拜网站用户的高粘度所赐。对于普通用户而言，当自己的家人、朋友或者偶像都在使用twitter的时候，也就没有理由投奔别家了。

总的来说，典型网络媒体现象、公司、领导者、技术与用户驱动等一系列特征共同参与造就了这个行业独特的设计风格。

3 助力网络媒体设计理论研究

当前，以数字媒体概论为代表的数字媒体设计理论正处在快速发展期。相对而言，网络媒体设计概论研究还未有成熟的理论成果。既然网络媒体有着极强的样本概括特征，可以从典型性特征入手进行研究，分析典型公司的创建背景、理念主张、领导者影响力、产品特性等等，积累出网络媒体理论研究的基本素材，为相关设计理论的创立提供有益的借鉴。比如，在数字媒体专业的特定课程教学中，可以划分为若干单元，每个单元以一种行业的代表性公司为主进行介绍，拓展到领导者、产品、关联公司以及相关设计风格等层次，找出设计与行业共性的关系，在数字媒体概论的大框架下细分出网络媒体的相关理论点。

总的来说，除了技术与设计之外，在网络媒体行业影响设计师与用户的软性因素还有很多，我们将之成为“软精神力”。网络媒体行业绝对影响力，或者说是网络媒体行业的“典型性”作为软精神力的一种对其设计风格的形成有着重要的影响，也具备一定的研究价值。在这一新兴的媒体与设计领域，需要界定和探索的方面还有很多。假以时日，将会有更多特征被发现乃至充分利用，推动数字媒体设计行业整体向前不断发展。

参考文献：

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就像劳拉所说的，海报实际上就诞生在一场奢华的宴会上，在宴会的某张桌子旁，两位贵宾正在深入交谈，二位都在考虑如何能够以更好、更绚丽的方式将自己所有的信息卖给对方，并且让对方心甘情愿地接受。这并不是一个迷人的故事，但从平面设计的视角来看，这绝对是一个正宗的引子。在一个平面设计师的脑海中，制作海报大概所需要的就是――传递信息，并且让观众对某一特殊事物产生信服感或好奇心。

劳拉说她不会过多关注海报的历史，然而，她也没兴趣去探索第一张海报何时何地，因为什么而创造，也不关心是谁如此伟大地创造出第一张海报，并将之称作为“海报”。作为平面设计师，劳拉关心的是对于海报创作这一事业的定义，在过去那么多已经被创作成功的平面设计历史的背后，怎么样建立一个符合当下的对海报设计的定义，并且能够对未来的海报设计和创作产生影响和塑造，这是平面设计师应该考虑并面对的挑战。

牛津英文字典上对“海报（poster）”一词的定义是：一个在公共场所展示通知、消息和广告的大尺寸的印刷图片。维基百科上，这一词条的贡献者认为：海报是被设计用来张贴在墙面或垂直表面的任何一种印刷纸张。典型的海报包括文本和图形两种元素，也有的海报只有图形或只有文字。海报的设计既是吸引人的也是具有教育意义的。海报有多种功能，通常是广告人员、宣传人员、抗议人士以及其他组织试图传递信息的主要手段。

在某种程度上，人们都会受某种事物的固有定义所束缚，甚至这些定义是被外人所强加到自己的印象中的。先人前辈们给后代晚辈提供了规矩、框架供他们进行创作。过去的就不谈了，但是，现在，是时候去追问和挑战传统边界和框架，重新延伸先辈们所创建的原先的定义。因此，作为设计师，他们的任务就是要创造一切新的事物。

劳拉认为，上述的对海报的定义远远不够充分，也远不符合现代平面产品的主题。早在2014年在法国肖蒙举办的国际平面设计节上，劳拉就把自己的想法具体化了。当年设计节的评委会为参加主题为“海报的未来”竞赛的学生进行了一个简短的说明。没有将上述的定义特别加入进来，也没有特别要求一定要使用印刷媒介。当比赛专注于海报设计，而不是单纯地立足于对这个词汇的传统定义而进行生产，同时，对设计师们而言，这也是一个问题：那些传统的所谓定义是否还能站得住脚？

所以，现如今，什么叫做海报？劳拉又有话说了，她说，如果让她修改牛津字典上的定义，她会改成：在公共场所展示的大型视觉体验。那么，维基百科上的定义她会改成：海报虽然可以只有文字或只有图形，但它包含文字和图形元素。海报的设计既要吸引人眼球，又要具有教育意义。海报有诸多功能，通常是广告人、宣发和抗议人士或其他组织进行交流传递信息的常用手段。

简而言之，劳拉认为海报就是一种交流沟通的工具，帮助人们向目标人群传递信息。但有些人可能会对此产生疑问或者有不同观点。比如，有人会认为海报就是一个放在公共场所的大图片，供通知和宣传使用。相反的，有人说海报是被设计成能够张贴在墙面或垂直表面的东西。无论是有文字还是图形，海报要有文字和图形两种元素。海报的设计一定是抓人眼球的，是团队用来传递信息的常用工具。

坦率地说，最新的这些定义都没有说明海报一定要被印刷出来或在纸上呈现出来。电脑、数字技术和交互设计已经为海报开拓了边界和范畴，这些新技术的出现，也让设计师们可以探索新的海报设计和展现方式。同时，让大家可以保留住这种交流媒介具有象征性质的特色。

然而，纸张不可否定地还在平面设计中占有一席之地，就先不说在创作和生产海报时，纸张的重要作用了，但是在定义中，纸张没有成为海报不可或缺的元素之一。确实，纸张和海报都有一个光鲜的未来，然而，现在的或者未来的那一代设计师要从现在的或者过去的定义中接收理论知识去汲取经验和开始设计。

在印度尼西亚的雅加达拥有一个名为“Thinking Room”的设计工作室的平面设计师埃里克威查亚（Eric widjaja）运行了自己的工作室长达十几年。他认为，音乐与平面设计具有很大的联系，从声音、作曲、安排、节奏，再到歌词都有千丝万缕的联系。但大多数时候，与设计师们一起讨论项目时，要从方方面面去寻找积极的灵感。

埃里克说，他认为他们的设计从一个项目到另一个项目，一直都坚持着同样的设计过程和方法。无论是海报设计还是标识设计，他都要一步步地进行，有了新的想法，就要马上找到正确的实施方案，并将之落实，不然，没人知道最后会以那种方式结束整个项目，产生最终的设计方案。或许，灵感的进发，并且抓得到的灵感，才是整个设计过程中最激动人心的地方。

好的设计是有意义的。平面设计是一种语言，不是简单的创作。设计应该是能够用来交流并且传达人们想要传达的东西，要表达人们能够理解的东西才行。埃里克认为在他的设计中不可获取的五要素就是：好的字体、清晰的分层、简明的信息、些微的情趣和正确的组合。然而，独特的风格并不是他要求的，在他的工作室，他的每一件作品都要合乎情理，讲得通，而不是要去取悦某些特殊人群。

波兰设计师马塔加文（Marta Gawin）是一个跨越多个领域的设计师，主攻标识、海报、信息和展览方面的平面设计，他多次参与到卡托维兹街头艺术节的海报设计工作中。街头艺术节面向年轻群体，就意味着设计风格要年轻、多样，使用绚丽多彩的颜色和变幻莫测的图形来吸引人们的眼球，同时体现当代艺术的价值。

对于马塔而言，寻找正确的概念是他设计工作过程中一直以来坚持并最看重的工作步骤，好的创意是好的设计的基本保障。他说在开始一个新的设计时，自己总是试着尽可能多地去收集相关信息，他需要不停地阅读、观察、思考和沟通。

马塔的设计风格简约自然，强烈的排版、非衬线的字体和加粗的字体。在他看来，好的设计应该是有趣的、惊喜的、吸引人的。然而，他最看重的是设计的质量、工艺、注意力和细节。他说：在他的设计中，创意、主题、字体、组合和颜色是主要的元素。好的设计最应该尊重受众的需要。他说：“上学的时候，学校总是强调设计师要像一个艺术家一样，找到属于自己的风格。但是，对我而言，我觉得海报设计就是要满足主题的要求，这比自我表达重要得多。”

来自希腊的马诺里斯安吉拉基斯（Manolis Angelakis）出生在丝网印刷工厂，他也与父母一起在工厂里长大，小时候，他的爸爸一边在曝光室里给他唱着摇篮曲，他的妈妈一边用荧光色彩点亮他的童年。他一直坚信：如果想要留住一样东西，就要不断地改变。他的创作灵感来自于生活中接触的一切带给他的感觉，包括味觉、嗅觉、触觉、听觉、视觉。如果说以前他是借助多彩多样、信息渊博的互联网来获取创作灵感的话，那么这几年，他开始回归到生活中去寻找灵感。

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中图分类号：J022 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）01-123-1

无论是一场世界级的球赛，还是一家新兴的出版社，或者是一次选举，无处不在的平面设计都充斥其中，代表着某个活动的目的，传达着这个活动的信息。与任何一场人类社会中的集体活动一样，艺术展览也离不开平面设计的包装与推广。而当代艺术在艺术区间中的特殊地位，又决定了为其的平面设计在传达地位上的特别。这里着眼于艺术展览中的当代艺术展览，正是基于当代艺术多元的呈现形式对平面设计所带来的挑战，当代艺术展览通常展出的作品类别有：绘画、雕塑、装置、录像、复制品、版画、摄影、行为艺术等，为这些展品的展览做平面设计，是一个很值得探究的现象。

在艺术展览的相关设计中，素来以“平面设计”自有的风格来传达的手段在这里常会被压制、削弱，甚至在一个并不起眼――但是依然重要的位置。在这类设计中所谓的“甲方”则是策展人、参展艺术家和主办方。从传统媒介角度来看，一场艺术展览对于平面设计的需求，首先体现在展览海报上，在确定海报后，随之延伸出来的同类视觉风格的邀请函、门票、宣传品、画册，这些都是常见的展览设计对象。当代艺术展的海报在个展和群展之中，又有着各自的设计规律和设计呈现。对于艺术家个人展览，海报的主要元素通常是其作品，使用某张画、影像作品的截屏或是装置作品的静物摄影作为主要背景――这些通常都由作品本身、策展人和艺术家决定，平面设计师的话语权在这里也处于从属的地位，而这一现象也合乎逻辑。群展的海报对于设计师而言，常有更大的发挥空间，设计手法常是根据展览的主题和名称加以图形化的表现与配色，或者以展览名称本身为设计元素。因为无法对每一位参展作品面面俱到，所以众参展作品往往不出现在其中。海报的主要诉求在于展览名称、类别、参展艺术家、开幕时间地点、展期以及主办方的信息传达。例如北京尤伦斯当代艺术中心在2013年举办的“ON|OFF：中国年轻艺术家的观念与实践”大型群展，海报即单纯地以文字为主题，可以看到国际主义设计风格的影子，在不同的子活动海报上始终保持醒目的“ON|OFF”字体，配以不同的纯色底色加以区分。平面设计在这里被十足地弱化。

在当代艺术展中，如果以装置、影像、行为艺术等大众较难以直观理解的形式呈现，往往在展览开幕之前还需为介绍参展艺术家和展品而设计印刷导览手册，以帮助观众更好地理解作品。不同于传统字画古物等展览，这类展览的作品――例如装置、现成品艺术，往往是在展前一小段时间内，于展览现场完成的，故而展览画册是在开展后才开始设计，这个设计工作的节奏也迥异于其他传统的艺术展览形式。笔者于2013年参与设计的中德当代艺术展“内观：个体的经济化”即是这样的例子，参展艺术家萧昱、Armin Chodzinski等人的作品都需在展厅内完工，而设计展览画册所需的作品图片只能在展览开幕后才能收集到，这亦是该类展览平面设计的一个特殊之处。摄影展的平面设计也有其特别之处。上海喜马拉雅美术馆于2013年举办的的荒木经惟摄影展――“感伤之旅・堕落园”的平面设计中，导览折页包含了布展路径、展览内容说明，以及荒木经惟摄影作品的主题阐释。为展览本身做解释的这个功能性设计在这里是第一位的。

随着网络多媒体的发展，独立网站、微博、微信又反过来影响了当代艺术展览自身的宣传方式和步调，同样的，也影响了为艺术展览而做的平面设计工作。在微博这样的媒介平台上，展讯的传播往往更加迅速，与观众的互动交流也更直接，如何推送消息、推送的频率如何，以及每条微博140字的限制、长微博图片的信息容纳量，使得艺术展览的平面设计在这个平台上因地制宜，往往为开幕前和开幕后两类传播信息而设计，整体的设计活动则是围绕展览海报风格而生的展览“VI设计”，保持元素、配色、版式的统一，而核心的“标志”，往往是展览名的字体固定排版，不断地在纸质或电子邀请函、手册、画册、展厅内外空间里出现。而展厅内外空间中的视觉设计也是此类平面设计的延伸：大到悬挂于美术馆的整体外墙的巨型海报、沿街海报旗、桁架的设计，小到展厅墙面导言所使用的字体、转印于墙面的形式――是丝网印刷还是即时贴，等等这些都是需要展览平面设计师定夺的内容。有的展览亦为了配合展品需要，室内墙面颜色也被专门粉刷，更有特殊灯光的处理，这些实际空间中的变数也需要平面设计师有所考虑与把握。至此，艺术展览平面设计师却又并不“平面”地跨界起来。

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在现代设计中，标志设计更加注重对理念及主题的视觉表达，并成为当前视觉传达设计中的典型。在传统平面设计中，标志设计多以二维平面为主，视觉传达为静态风格;而随着标志设计技术的不断成熟，以多维立体化为主的设计思路，将标志所传达的时空感进行了全面诠释，更符号现代人们对事物的认知习惯。

一、立体化设计研究综述

王受之在《世界平面设计史》一书中指出：“平面设计是基于二维空间、非影视设计的创造活动，如对书籍、包装、广告、标志、企业形象等载体的设计，都是平面设计的范畴”。李砚祖在《视觉传达设计的历史与美学》中提出：“平面设计是基于视觉媒介为载体，并通过印刷等方式面向大众传播特定的情感与信息的造型性活动”。对于立体化设计思维的引入，主要从平面设计的立体化上实现二维到三维甚至多维空间的延伸，并通过特定的具体的设计来传播某种意识、观念及情感。针对标志立体化设计的研究还相对较少，如谢卉在《平面非平面――论平面视觉要素的多维化表述在展示空间中的应用》中，重点对平面视觉要素的多维化进行研究;邢益波在《平面设计向空间环境的延伸与拓展的研究―基于空间载体的新视觉设计》中对平面设计要素与形式规律进行空间上的应用;张国龙在《当代・艺术・材料・空间――当代艺术研究书系》中从艺术发展视角来阐述立体化设计中对材料、技术的具体应用，如装置技术等;李响、黄俊敏在《标志设计中的三维造型语言》中，重点对三维造型中材质与光泽表现进行探讨，并就三维造型语言与真实的三维空间进行对比。高亦成在《标志设计中立体化效果的分析》中，对立体化效果的定义及表现上指出：“从设计方法上来看，对于立体化标志设计，通常应用透视学原理，利用光影、造型、色彩的变化来表达不同的远近层次”。总的来看，对于标志设计中的立体化应用，在表现形式上主要从五方面着手：一是透视型，通过对标志设计中的各组成要素的形状、长短、弯曲、重叠等透视变化，使其产生立体化的表现形态;二是光影型，光线是物体立体感呈现的重要元素，借助于设计中对光线的运用，使物体的轮廓发生明暗变化，并依此来凸显凹凸感;三是色彩型，色彩的有序变化是产生立体效果的重要方式，如在同一水平面，对于字面“W”，从左到右依此采用高纯度高明度的橙色，另一面采用明度低的红色，从而在视觉上形成强烈的立体效果，也就是说利用色彩的组合变化来达成立体效果;四是矛盾型，基于受众视觉对现实世界的超越，从显示中的矛盾性和冲突中，阿狸体现标志的与众不同，从而增强了标志的想象空间和吸引力;五是绘画型，借助于平面绘画方法，通过对实物图片进行绘画来体现标志的立体感，从而营造更高层次的视觉审美效果。

二、标志设计中对立体化的范式研究

标志设计的立体化范式，需要从两个方面来探讨，一方面是对设计要素的立体化研究，从构成设计的要素来看，点、线、面是构成视觉形态的基本要素，对于点的应用，其简洁性与不同的视觉表现，以及与不同材料的结合，都可以创造丰富的立体视觉效果;对于线也是对形态的延伸，其所具有的方向性和延续性，能够从粗细、虚实变化上营造流动感和透视感;对于面的构成，也是标志设计中需要强调的关键，其厚重、充实与稳定的视觉效果，能够从二维空间与三维空间上发挥元素的分解与重构，从而提炼出新的视觉形态。图形属于平面设计中的常用要素，而在立体化视觉设计中，利用图形语言能够从空间上表现视觉感染力，增强标志设计的创意型。另一方面是对观念的立体化，从设计实践来看，观念多与主观认知与理解相关，对于标志立体化设计，也是设计观念与情感的融合过程，尤其是利用三维空间语言和形态语境来营造与受众之间的情感体验，从而彰显标志设计的人文关怀。

三、立体化标志设计的应用研究

立体化设计是对空间的全面延伸，其在应用中主要体现在两点：一是对三维造型的应用，标志设计在进入三维领域后，一方面从技术上来表达企业理念与市场需求，从而体现立体化造型。如借助于线条和平面的组合，从空间的纵深感上，来发挥线条与平面的优势，从而营造成视觉错视的空间感;另一方面从图形元素的应用上，加大对标志与其形式的延伸，特别是从三维图形上来塑造视觉冲击力，将三维空间中的透视性也融入到立体化构图中。从设计实践上，在继X、Y轴后，又拓展了Z轴，从而为立体化设计注入了无穷的空间魅力。如利用物体表面的光泽与阴影来增强标志的动态性，尽管其与真正的三维设计还有差别，但其表现方式已经十分灵活;另外，对于标志设计风格的营造上，对矢量图形及色彩元素的融入，可以从光学与视觉纵深感上强化标志的艺术魅力，最大化的突出标志所承载的深刻内涵与丰富的动态效果。二是对材质及光泽的应用，从立体化标志设计中，对于不同材料与质感上，也是增强三维视觉效果的常见手段。如通过对透明度、阴影、反光等要素的组织，能够从三维层次上进一步强化材质的特性。

四、结语

标志设计的“立体化”是现代标志设计发展的必然，也是现代科技在标志设计中的有效应用。从标志设计的立体化发展中，将视觉冲击力与标志所蕴藏的理念与艺术内涵融为一体，从而推动标志立体化设计风格的不断形成。总的来看，对于标志设计来说，作为综合性的视觉艺术，更需要从立体化视阈内来塑造独特的艺术感染力。

【参考文献】

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二、民间美术元素融入现代平面设计的价值

1、民间美术的文化意义

民间美术由于其独特的成因也就成了一个国家、一个地区独特的传统文化、信仰、传说、习俗等方面的反映。民间美术的创作主体是广大的劳动群众，使用主体也是广大的劳动群众。中国传统文化影响下产生的具有中国独特乡土韵味和地域特色的民间美术更容易引起国人的认同和精神上的回归。民间美术也成为劳动群众生产和生活中必不可少的内容。随着时代的发展，经济文化全球化发展，不同的文化也渗透到我们的生活中，在这样的大环境下我们既不能拒绝所有的外来文化也不能全盘照搬，在当今信息化时代中只有在保护好本民族传统文化的基础上去吸收借鉴外来的先进文化才能维护文化的生态平衡，使不同的文化均衡发展。传统民间美术是我国文化遗产的一个组成部分,是值得保护、弘扬和共享的优秀文化资源,民间美术是非物质文化遗产中民族文化的精华、民族智慧的结晶。

2、民间美术的审美价值及新的审美趋向

中国传统民间美术具有悠久的历史和渊源，在中国传统文化影响下具有独特的民族精神和本土特色。中国传统民间美术不仅有多种多样的形式，而且具有深厚的文化寓意和淳朴的美学观念。中国传统民间美术也积淀了中华民族几千年的文化内涵，是中国民族文化艺术的重要组成部分。作为一种基础的文化形态的民间美术不仅仅包含了精神生活的内容，也包含了物质生活的内容传统的民间美术不仅仅具有实用性也具有观赏性，这种双重属性也成为民间美术的重要属性。实用性是民间美术最基本的特征。由于不同的地域和民族文化影响，民间美术还具有地域性、自发性、集体性、民俗性的审美特征,具有这些特种民间美术作品往往总是积极地面对生活,并努力实现人生价值,充满热情地表达对生活和人生的美好理想与追求,这对呼唤民族精神,实现民族文化复兴具有极其重要的文化意义。

三、民间美术元素与现代平面设计的交融

1、色彩

平面设计指的是在平面空间中的设计活动,把图形、字体、色彩等视觉元素以符合传达目的的方式组合起来,以视觉传达形式储存和传播信息。随着经济和文化的全球化和设计技术的不断进步，保留本民族独特的设计特色和设计的多元化发展也成为一种趋势，在这个工程中充分利用本民族传统的色彩语言也变得越来越重要。在平面设计中，有的人喜欢使用强烈的色彩对比，有的人喜欢深沉的色彩，这更多的是为了彰显个性，而民间美术是通俗的,语言质朴,适于大众喜闻乐见和文化程度的艺术,其色彩应用可以说与现代平面设计是相通的。比如传统的中国红彰显了中华民族文化的传统内涵,而这种红色由山顶洞人在死者声旁撒矿物质的红粉,祈求灵魂不死生命永生开始,流传至今。还有北京奥运会的专用色彩搭配使用中国红、琉璃黄、国槐绿、青花蓝、长城灰、玉脂白等独具民俗特色的色彩,更进一步说明了民间美术色彩在平面设计中的价值。所以说民间美术色彩运用于平面设计,既能够体现具有中国特色的传统设计风格,又能够让更多人了解我们的民族文化和本土设计,还有利于探索其新的审美价值。

2、构图与造型

民间美术与平面设计虽然像是不同的概念,但我们从它们各自所具有的特征中不难发现其相似和类同。在很多民间美术作品中,我们看不到对物体各种细微光影的刻画,也没有经过训练而熟悉的透视和淡化。现实中所有物体呈现的视觉空间都应该是三维的,当我们从不同的角度去观察同一物象时,所看到的图像是不同的,从构图角度来说,像民间剪纸、民间年画、皮影戏等都是在平面的二维空间中,经过艺术加工,表现多维图像的民间美术形式。现代平面设计作品中,运用概括图像的设计造型也是屡见不鲜,有些构图思维也与民间美术极为相似。

3、表现手法

平面设计和传统民间美术形式在视觉原理和特征上是有着很多共通点的,表现手法即体现、展现和实现的方式,也就是把图像形象用视觉艺术语言表现给受众。传统常见的表现手法基本都是通过点、线、面的构成来体现,这在平面设计中己是常见的形式。平面设计和多数民间美术形式的创作都遵循感情性的原则。在视觉表现形式上,在民间美术和平面设计中我们经常会发现其图像的表现方式都有对比与统一、对称与均衡、节奏与韵律等表现手法,虽在色彩上看民间美术略显单薄,但其表现手法却有着异曲同工之妙。

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（一）平面设计

在确定规则内将不同种类的基本图形组成一幅图，在轮廓线划分图和水平线界限中绘制图像，条件是在二维空间的基础上。有上述可知，平面设计和构成之间联系较为密切，将平面构成进行组合并加以利用便是平面设计。平面设计构图时具有多种法则，例如：对比设计原则、对称设计原则、平衡设计原则等多种设计风格。背面主要元素都是平面设计，其中既包括视觉元素也包含关系和概念元素等。因子、视觉元素的大小、形状以及色彩由概念元素感知，关系元素确定方向，实用元素确定内容，各种元素相结合便构成了平面设计。

（二）中国画构图艺术

中国画作为中华民族几千年的结晶，必然有其独特之处。早在中国古代就出现了《古画品录》六法，其中便有对构图位置的排列陈述，是最早的平面构成理论学。一千多年的洗礼、摸索构成了现代中国画构图独树一帜的理念，构图观念和法则在中国画构图中是甚为重要的，中国传统文化博大精深，包括阴阳、五行、关联等多种元素之间的关系，更是创造出了影响力较大的散点透视，散点透视讲的是光影的变化和虚实结合等多种观念，中国画讲究墨、意境和构图，内容复杂多变。

二、运用中国画构图在艺术在平面设计中

（一）疏密运用

疏密关系是中国画构图的主要设计方式，“密”不透风与“疏”能过人，两者为中国画构图的对立面，有着对立即统一的关系。元素与元素之间的关系要在平面设计构图初期便处理妥当，物象表现首先要有足够的空间，其次要具有合理的组合范围，物象之间能够疏密结合，恰到好处，既生动形象又不失审美，让节奏即视感与韵律感相辅相成，使画面内容与即视感展现出来。例如：在《设计与生活》的设计中，设计师陈幼坚就是采用疏密的构图方式展现出一幅主体明确、突出且框架、结构尤为简单的图画，画面中只有一双筷子和一只手，布局“疏”，且构成筷子的是密密麻麻的一本本书，有序的排列，堆积成一床筷子，称为“密”。一只拿着筷子的手，筷子是由书构成，这幅设计图的寓意显而易见，表示设计工作是成千上万的书堆积而成，并不是一朝一夕便能称为一名合格的设计师，需不断学习。

（二）虚实运用

中国人自古便有营造除事物本身意义的传统，“意境”是中国画的主要风格，而画面的整体虚实可以说是表现意境的最佳方式。虚实关系在中国画中经常以“留白”和“以实观虚”是较为常见的虚实关系表现手段。这样，能够将意境美更优雅的体现出来。“虚实相生”在中国古代绘画中便有所提及，清代著名画家曾说，“若将虚实相生，则留白（无画）之处皆为妙哉”。中国画遵循“以意造像”一切画面表达皆有其深刻含义，这也是中国画艺术的展现方式之一。道家秉承“阴阳、实虚”的观念展现中国传统文化与美术相结合的艺术精髓。现代平面设计画主要更加重视画面的对立感，也就是虚化表达实物，实化表达虚物，利用空间构图将虚实感完美体现出来，使画面更具活力，起到烘托意境效果。

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扁平化风格并不是什么新鲜的事物，早在几十年前，设计界就有极简风格的流行。另外像传统的平面媒体，比如交通、公共场所指示系统等，也一贯采用的是扁平化的设计风格。对于设计师来说，其实扁平化风格要比传统的拟物化风格更容易实现，特别是更容易矢量化，这也是为什么当前UI设计偏爱扁平化风格的重要原因，因为这种风格可以适应在不同分辨率的屏幕之上。当然要设计出一款精美的扁平化风格产品，也不是容易的事情。

1 什么是扁平化设计

扁平化设计是一种极简主义的美术设计风格，通过简单的图形、字体和颜色的组合，来达到直观、简洁的设计目的。扁平化设计风格比较常见于传统媒体，比如杂志、公交指示牌等处。随着计算机网络技术的发展，扁平化设计风格越来越多应用于软件、网站等人机交互界面，以迎合使用者对信息快速阅读和吸收的要求。与扁平化设计风格相对的是偏向写实的拟物化设计风格。要设计出好的扁平化界面，必须抛弃所有拟物风格的技巧。

2 扁平化设计的特征

1、极简的元素

扁平化设计追求的是一切极其的简洁、简单，反对使用复杂的、不明确的元素。在设计扁平化风格界面时，特别是在图标的设计时，应该遵循极简原则。复杂的、含义模糊的元素将会造成使用者的困扰，这与扁平化设计风格直观、简洁的总原则是相违背的。只有采用足够简约的设计元素，才能达到最好的展示效果。

2、贴切的图标

在设计图标时，必须使用与所对应功能紧密关联的图标元素，并且这个元素应是通用的、广为人知的，基本不受地域、种族、文化、语言等因素影响。绝对禁止使用一些定义模糊，寓意不清的元素，或者某些行业特有的，某些领域专用的元素。

3、更多的圆角

在产品设计中，设计师经常会采用圆角设计，以防止在产品使用过程中对使用者造成伤害，这种人性化的设计深受使用者的欢迎。同样的道理，在用户界面设计过程中，使用一些圆角图案，不但会使设计更具亲和力，也会让使用者更容易接受设计者的设计意图。这也符合大众追求圆润、圆满的心理需求。

4、色彩搭配

扁平化除了简单的形状之外，还包括大胆的配色。但是需要注意的是，扁平化设计并非简单的设计，并非简单的形状和颜色搭配起来，它和其他设计风格一样，是由许多的概念与方法组成的。扁平化设计中，配色时最重要的一环，扁平化设计通常采用比其它风格更明亮更绚丽的颜色。同时，扁平化设计中的配色还意味着更多的色调。比如，其它设计最多只包含两三种主要颜色，但是扁平化设计中会平均使用五种左右颜色，有时往往倾向于使用单色调，尤其是纯色，并且不做任何淡化或柔化处理，其中最受欢迎的颜色是纯色和二次色。另外还有一些颜色也挺受欢迎，如复古色、浅橙、紫色、绿色、蓝色等。

5、字体的选择

由于扁平化设计使用特别简单的元素，排版就成了很重要的一步，排版好坏直接影响视觉效果，甚至可能间接影响用户体验。字体是排版中很重要的一部分，它需要和其他元素相辅相成，花哨复杂的字体很少被用在扁平化的界面里，那样多少会显示有些突兀不协调，扁平化通常采用造型简单没有复杂装饰的字体，如何使用选择字体也是一门学问，很多时候字体可以成为设计的全部，要学会上不同的字体表达不同的概念，通过字体告诉用户设计的功能和含义，努力使字体成为简化设计的有力武器。

6、拟物设计的转型

对于原有的拟物设计风格，如果要向扁平化设计转型，那么只需要将原来设计风格逐一抛弃，分别去除描边、阴影、渐变、高光等等特效，让设计回归本原，用最简洁的几何图型和最清晰的颜色来表达设计者的灵感。当然扁平化设计虽然有许多的优点，但也并不是万能药，并不是所有场合都适用扁平化设计，设计师要根据情况选择正确的设计风格，从而达到最佳的设计效果。

无论是一个产品设计、包装设计、平面设计、WEB和界面设计或者一个应用程序，扁平化和极简的风格正在成为新的趋势。扁平化设计的纯粹和简单，以及它倡导的歇斯底里的简约，正逐渐被大家认可、欣赏。在信息过剩的今天，如果你厌倦了周围繁琐、复杂和过剩的这一切，那扁平化设计便是你最佳选择。对于设计来说，拟物化还是扁平化，重点不在于追赶潮流，潮流只能影响设计外观和样子，并且会慢慢淡去，而被新的潮流所替代，设计师在做设计的时候，充分考虑消费者和观者的心理以及本品本身的特性，让外观充分表现产品的内容才是重点。

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关键词：

中国民俗图案；现代平面设计；应用

中国的历史悠久，在发展历程中，经历了不断的变迁，形成了各式的文化，以其自身深厚的民俗精髓和丰富的历史文化，对人们的生活产生了重要的影响。民俗文化是由人们的创造所产生的，影响着人们的思维模式，规范着大众的发展方向。其中，民俗图案给平面设计师的平面设计提供了较强的素材。设计师将现代平面设计与中国的传统文化相结合，将寓意深刻的传统文化内涵融入到现代平面设计中来，凸显了传统文化的表现风格，为现代平面设计提供了理论基础。

一、民俗图案的题材分类

1、文字

文字是民俗图案设计中的重要组成部分，在设计过程中，应该结合文字的字形特征进行分类。应用较为广泛的文字包括福、禄、寿等字，这些寓意较好的字，从古至今一直被人们广泛应用，也成为人们对美好生活的向往。在中国传统的春节时，都会在门上贴“福”字，随着时代的不断的不断变迁，“福”字的艺术表达形式也在不断的发生变化，是人们对美好生活的向往。

2、植物

中国人们对中国传统民俗图案的认知，在植物上表现的较为突出，通常是采用植物的音译来进行吉祥话语的抒发，例如；桂花，音译过来代表富贵。枣，代表早生贵子。竹子，代表节节升高。人们将植物视作民俗图案的纹样，深深的表达了人们对美好生活的向往，也将植物自身的特征进一步形象化，凸显了独特性。

3、动物

人们运用动物来进行吉祥寓意的抒发，主要是通过发现动物的灵性，而给人们带去吉祥和灵光的寓意，设计人员抓住了这一表现手法，动物的吉祥图案逐渐被广泛应用。例如:龙和凤，是动物吉祥图案的主要代表，吉祥寓意是龙凤呈祥，代表和谐和统一，多运用在高贵、华贵的事情当中[1]。

二、民俗图案在现代平面设计中的作用

1、装饰性作用

民俗图案在平面设计中的运用，体现出了较强的装饰，随着社会的不断发展，民俗图案的形式越来越丰富，体现出了较强的创作手法和发展特征，在造型上具有一定的共性，将生活中的自然物象通过概括、对比和夸张的手法，进行象征性的表达，进而来形成具有装饰感的艺术造型。通过在服装或者剪纸上运用民俗图案的形式，实现了对美感韵律的表现，也将图案的寓意表现的淋漓尽致。

2、文化性作用

将传统的民俗图案融入到现代的设计中，可以增强现代设计的文化艺术性能，提升作品的独特性，彰显中国的传统文化，加强了对特色文化的交流，并且促进了中国民俗文化的继承和发展[2]。

三、民俗图案在现代平面设计中的应用

1、“文字”要素在包装设计中的应用

“文字”在人们的生活中具有重要的作用，是人们生存的重要组成部分，也是人们沟通交流的纽带，在现代平面设计中被广泛应用，增加了人们的视觉感。设计师在设计过程中，融入了较多凸显民族特征的艺术性表现手法，以生活为主要设计基础，以经济为导向，借助现代化的设计语言风格，提升了产品的艺术品位。在当前的包装设计中，融入了大量的民俗文化精神，传统文化的艺术造型在包装设计中以崭新的姿态出现，运用传统的民俗图案作为包装的主要背景，在上面加入文字，对传统的文字进行变形，突出艺术特色。

2、“图形”要素在书籍装帧设计中的应用

“图形”是当前平面设计中的重要表现形式，给人们带来视觉的空间感。图形自身具有较强的直观性和趣味性的特点，通过设计师的改造，融入了大量的思想、文化和感情元素。当前，由于信息量的不断增大，人们对于书籍的阅读量也持续上升，将民俗文化中的图形要素融入到书籍装帧设计当中，能够丰富书籍的内容，吸引人们的阅读兴趣。在应用过程中，图形不仅可以塑造书籍的外观，并且可以起到良好的装饰作用。主要的设计手法是插图，对色彩的使用具有较高的要求，要运用色彩感去传达设计的思想，需要设计师充分的利用色彩，以此来达到良好的视觉效果。封面设计的独特性，会吸引人们的购买欲望。所以设计师需要对图案要素进行重新的组合和创新，合理的运用到书籍的设计中来。

3、“寓意”要素在在海报设计中的应用

当前的海报的功能主要的特点，就是需要进行精准信息的传播，可以通过间接或者直接的形式，运用良好的视觉效果，实现对信息的有效传播。当前，设计师在进行海报设计的过程中，主要是将民族图案与海报更好的融合在一起，实现了传统与现代的有效结合，在样式上实现了特点的突出，并且对传统信息进行有效的把握。在民俗图案的表达上面，图形必定会代表一定的寓意，所以人们应该在了解民俗图案的基础上，实现对传统元素的合理利用。寓意大多是通过精神层面而进行渗透的，突出了人们对美好生活的向往和追求，是人们的灵魂所在。相较于其它普通的装饰画，更加体现了对传统文化的继承，体现了人们的审美追求。例如，赵州桥，就充分的体现了民俗图案在平面设计中的应用，以中国的建筑作为民俗传统元素的运用，彰显了传统民俗文化的主要特征。并且这种图案的设计方式，经过时间的推移，经久不衰，外观和构图都比较美观，代表了中国传统文化的深深寓意，是人类文明的象征，深刻的表达出了人们对美好生活的向往。

4、“意境”表达在平面设计中的应用

为了使民俗图案更好的融入到现代平面设计中来，应该提升艺术文化的内涵和神韵，对民俗文化进行良好的寓意表达。首先，需要掌握图案的运用和表达方式，对民俗文化的含义进行正确的理解，结合平面设计中的不同表现手法和表现形式，选择恰当的民俗图案进行表达。其次，应该对平面设计的主体进行充分的把握，良好的设计能够能够抓住大众的眼球，使设计理念经久不衰。例如，《松竹梅-中国之美》这个作品，将松竹梅和人的图形进行了巧妙的组合，实现了平面形象和线条的良好融合，体现出了中国文化的强大内涵。

5、“形象”表达在平面设计中的应用

民俗图案主要是对形象的理解和构图的运用，在民俗图案的设计过程中，大多数图案可能是日常生活中不存在的，例如：青龙、白虎、玄武和祥云等，设计师根据这些造型的不同特点，来进行艺术的创造，讲现代化的表现手法与现代化的媒介技术相结合。当前平面的设计是指要符合时展的审美需求，探索一种能被大众所熟知的表现形式。例如：中国国际航空公司的标志，在设计过程中，抓住了基本的造型特点，设计出了一只凤凰形态，代表着航空公司展翅高飞的寓意，给人们增强了较强的视觉感，突出了强烈的民俗特色[3]。

四、民俗图案在现代平面设计中的体现

1、现代风格的图案与现代平面设计的融合

随着社会经济的不断发展，当前平面设计的发展趋势也越来越现代化，并且形式变得更加丰富多彩。传统的民俗元素作为当前艺术语言的主要设计内容，给人们带来良好的视觉享受，它是在传统文化领域的基础上演化而来的，成为当前社会市场潮流的主要标志，自身富有较强的文化底蕴，得到了大众的广泛认可。为了更好的实现平面设计的效果，得到更多人们的喜爱，设计师应该对传统文化进行学习，加深对传统文化的理解，以便对传统元素进行良好的把握，使设计出来的平面作品呈现良好的视觉效果。例如，中国银行的标志，就是民俗图案与现代平面设计的良好结合，从图案的整体上来看，中间的中字代表的是中国，周围的圆形代表的是面向全球化的国际银行的代表。整体的标志呈现出对称的特点，设计风格简洁大方，易于人们进行识别，整个的图形表达了深刻的含义，并且充分体出了较强的民族特征。标识以白色作为背景，图形整体为红色，红色代表着中国，并且整体的设计风格像中国传统的铜钱，实现了民俗图案在平面设计中的应用。

2、区域民族图案与现代平面设计的融合

在中国的不用区域和不同的民族之间，民俗图案的表达形式也呈现出多样化的趋势，人们在平面设计过程中，通过运用不用的材质和不同的工艺手法，创造出了具有特色的平面设计。在日常的生活当中，常见的民俗图案在平面设计中的应用主要有彩陶图案、青铜器图案、染织图案还有瓷器图案，这些物品充分的表达出丰富多样的中国传统图案，并且自身富有较强的艺术感，被设计师广泛的应用到民间艺术创造当中。例如，在中国传统的邮票当中，就很好的体现了民俗图案在平面设计中的应用。邮票上主要的平面设计包括具有民族动作特征、中国山水和中国文化活动等。在邮票上的艺术表达形式，充分的体现出了民俗图案在平面设计中的应用，并且展现了较强的民俗精神，实现了对民族文化的弘扬，加深人们对民族文化的深刻理解。

五、结论

民俗图案是平面设计中的重要组成部分，随着时代的不断变迁，民俗图案的表现形式也更加丰富，在设计过程中汲取了大量的民俗文化，使民俗文化更好的展现出来。当前，面对文化的多元化发展趋势，我们应该注重对本土文化的继承和发展，将传统文化更好的融入到现代平面设计中来，促进民俗文化的发扬。

作者：陈璐 单位：渤海大学艺术与传媒学院

参考文献

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在我理解里的平面设计是一个集图形、色彩与文字一体的一种视觉传达，是一种很独特又常见的传播手段。在当今世界里，报纸、电视、网络中不乏看到各种各样的平面设计广告，广告大师们也毫不吝啬地发散自己的创新思维，创作出脍炙人口又平易近人的平面设计作品，可谓让人大饱眼福。而视觉符号的民族化也是设计师在平面设计中必须重视的一个方面，艺术作为一种由多种文化符号所构成的交流方式，不可避免的承载着创作者的文化基因与人文素养。平面设计作为一种重要的艺术形式，更是创作者与受众的审美观与文化修养的综合体现。

在我所学的知识里，靳埭强先生是经常被我的老师提及的人物之一。靳埭强，1957年定居香港，做学徒，当过裁缝师，如此以往10年之久。其后在香港中文大学部攻读设计课程。1967年开始从事设计工作，屡获奖项，享负盛名。靳埭强先生1967年创办设计公司，所创作的作品受高度评价，成为驰名中外的设计师。在我的老师们的介绍里，靳埭强先生是平面设计界当之无愧的大师级人物。在他的设计作品中，充满了中国传统文化的精髓，同时融合西方现代设计的理念，而他强调的这种相融并不是简单相加，而是在对中国文化深刻理解上的融合。他所设计的中国银行的标志，整体简洁流畅，极富时代感，标志内又包含了中国古钱，暗合天圆地方之意。中间一个巧妙的“中”字凸现中国银行的招牌。这件作品至今仍被称为经典中的典范，被无数人所称赞。在我欣赏的靳埭强先生的作品中，他最常使用的就是带有中国传统文化元素的水墨画风格。水墨画是我国优秀的传统民族文化，写意传神，是我国文化的最具韵味的代表之一。行云流水之间，创意怡然跃纸上，这就是我在看靳埭强先生作品时感受到的徜徉美感，笔墨勾画，了然于心，一份惬意，一份深意。这也是我国平面设计界中视觉符号的民族化的最好的代表。

德国的设计大师冈特.兰堡，更是让人吃惊的设计大师。冈特.兰堡被称为“德国视觉诗人”，并与日本的福田繁雄、美国的西摩.切瓦斯特并称为当代“世界三大平面设计师”。 在其30年的设计生涯中，大师设计了几千幅招贴，并且多次在国际艺术大展和双年展上获奖，被多国博物馆、大学以及文化机构收藏。在大师的设计思想中，他力图通过设计表现个人的艺术思想、意识观念和形态立场，在基于视觉传达功能的基础之上，把设计当成诗歌一样创作，高度地个人化、自由化。他强调自我意识和对生活的领悟，在视觉效果上追求视觉冲击力，强调平面效果的突破性。我印象最深的就是他的土豆系列的招贴画。那充满奇幻而又显得十分和谐的色彩带给我很大的震撼，好像看到了一种发自内心的融合，并且诗意地表达出来。土豆陪伴着大师渡过了他苦难的青少年时期而深深地留在了他的脑海里。大师认为土豆就是德国的民族文化，对此十分钟情。他的土豆系列有着近乎传奇的魔力，奇特的创意，和谐且有着强烈视觉冲力的色彩都令人着迷。我似乎在这些招贴画里看到了大师深邃的文化内涵和执着的设计追求。立足于本民族文化的冈特.兰堡创造了属于自己的设计风格，他理性的思维，艺术的表达，新颖的创意也将平面设计的未来拓展了，带给了受众心灵的震颤。

民族的就是世界的，我很认同这句话。平面设计中视觉符号的民族化趋势必然也是未来设计界不可或缺强大力量。

人的眼睛总是在第一时间看到最吸引自己的东西，而人的思维却会受到刻板效应和近因效应的影响，进而产生主观的臆断。比如在一堆大的东西里，我们可能会一眼看到较小的东西，这就是视觉符号的魅力所在，总能不经意间抓住你的注意力。每个人从小所接受的文化在我们的一生里都会有着潜移默化的力量，民族文化在你的意识里就是主流，而蕴含着民族文化的设计作品就能在第一时间引起你全部的注意，在瞬间找到文化的共鸣，这就是民族文化的魅力所在，也是为什么平面设计中越来越重视其视觉符号的民族化研究，这是发展的潮流与永恒。

参考文献：