艺术审美的特点大全11篇

绪论：写作既是个人情感的抒发，也是对学术真理的探索，欢迎阅读由发表云整理的11篇艺术审美的特点范文，希望它们能为您的写作提供参考和启发。

篇（1）

关键词：动画电影；现代艺术；试听

动画电影艺术融合多种艺术表现手段，具有文学、戏剧、舞蹈、音乐、绘画、雕塑、摄影等多种因素，动画电影艺术作品的技术创造包含影像、声音和表演造型及剪辑等极其复杂的数字科技的环节，动画电影艺术创作流程从剧本到制作，再到出品，国家有一个较为完整的影视文化产业链机制，它不仅提高了人们的文化精神生活需要，而且还带动了几乎整个社会的视觉审美情趣和精神追求。

动画电影是一门年轻的综合性艺术。她从诞生的那一天起就再也没有离开过人们的视线，她是近代科技与艺术结合的产物。她的美就在于塑造鲜活的典型的人民喜爱的艺术形象，在更广阔的范围内反映和再现生活的本质。然而，动画电影与动画电影美学又不是同一个概念。动画电影是指以绘画为手段，以纪录社会现象和自然现象片段为基础传递信息、制造效果的一种异质综合性的媒介手段，是可以配有声音效果并具有画面性质的动态影像。而动画电影美学要求动画电影首先要以动画电影的特殊艺术手段来认识现实和反映现实，动画电影艺术几乎拥有着其它艺术的所有表现手段。因而相对于一般美学来说，动画电影美学无论在色彩、空间、线条、影像上都表现的更复杂更全面。

一、动画电影艺术的高度综合性

动画电影艺术是各种艺术中综合性最强的一门艺术，这是因为动画电影几乎拥有着其它艺术的一些表现手段。它包含着有文学、戏剧、舞蹈、音乐、绘画、雕塑等各种因素。而这种综合性应该体现在两个方面：首先是多种艺术的综合，并且，集各种艺术元素于一体。它汲取了各种艺术的表现特色。如：绘画对光、影、色、线条、体积的独特处理，运用二维平面去创造三维空间的艺术本领；以及音乐的韵律美、节奏美等；还有汲取文学营养、故事情节，塑造故事形象。其次，动画电影艺术与科学技术的综合。动画电影艺术还是各种科技含量最高的一门艺术，它综合了光学、声学、电子学、计算机科学的最新研究成果，是与科学技术的发展密切相关的产物。

二、动画电影艺术反映现实社会

动画电影从产生开始，利用绘画的手法，结合照相术，真实而夸张地再现社会生活，所呈现出来的是全新的艺术审美享受，而动画电影所释放的艺术感染力越来越具有了自己的艺术特征。动画电影具有了更强的现实意义。

另外，动画电影不仅能够把现实生活中反映在银幕上，使人们直接观赏到自己的生活世界。而且还能把理想的生活反映在色彩艳丽的画面中，采用运动的画面、优美的声音和绚丽的色彩三者的结合，让人们可以欣赏到更加丰富的艺术作品。这一点我们是很容易理解的，甚至过了许多年我们依然喜爱一部好作品，比如：宫崎骏的《龙猫》，在于动画影片的内容就是生活本身，它真实的反映生活的本质，再现了生命的理想，提高了人们的艺术审美能力。

动画电影艺术的表现性，它和人们在日常生活中观察事物的经验却有着一定的相似性，但是还有一种抽象的表现性。人们在观察事物时，总是不断地改变视觉范围和视角。从远观、近看；平视，斜视，仰视，俯视；相对固定地看一个事物的变化，有时则移动看一个事物的变化。人们通过观察所得的综合印象去了解事物的外貌。而动画电影还产生了远景、全景、中景、近景、特写、大特写、平拍、斜拍、仰拍、俯拍等景别以及包括推、拉、摇、移、跟、升、降在内的各种移动镜头语言，并将各种景别、镜头连接在一起，使观众如同在现实生活中那样去观察反映在银幕上的生活，产生一种接近于现实生活的逼真感受。所以这也是动画电影现实性的表现之一 。

三、动画电影艺术的视、听融合性

动画电影艺术是一个视听的艺术，她是视觉与听觉为主的影像艺术。视觉、听觉和视听融合性都是电影艺术的基本特性。要探讨动画电影艺术视、听的融合性。

首先，用传统造型手法来塑造动画形象，其次必须加上音响效果；用音乐和声音来塑造形象，使动画电影艺术具有了音响与画面的高度融合。但动画电影更重视的是视觉动作塑造。

动画电影艺术不仅善于融合绘画的特点，还要考虑画面的安排，关注画面美，同时还善于通过各种音响来构成节奏感与和谐美。音响和画面的高度融合性，使得形象更为真实，更为丰满，更具立体感。比如：《虞美人盛开的山坡》中最后哪一个画面，飞扬的旗子在缓缓升起，仿似在跟外出和归来的船儿问好。画面外传来令人荡气回肠的的音乐，构成音响与画面渗透、情景交融的意境。 悠扬而美好。

四、动画电影艺术时间空间的自由性

动画电影艺术是一种典型的时空综合的艺术。它作为一种全新的综合艺术，是在时间与空间上同时展开的。动画电影艺术的时间是指空间化了的时间，成为具体可闻可见的空间运动；而动画电影艺术的空间又是指时间化了的空间，它有一个时间的流动过程。动画电影既是在空间中展开的时间艺术，也是在时间上延续的空间艺术，它把时间艺术的表现性与空间艺术的造型性有机地结合了起来，而成为了一种时间空间自由的一门崭新的艺术。

通过以上四个方面的简单论述，我对动画电影这门新兴的艺术的审美特征有了初步的了解。这不仅有利于在动画电影艺术的创作，也有利于动画电影艺术的欣赏与评论。当然，要进一步的、深入的探究动画电影艺术的审美特征，不仅要对动画电影艺术本身进行深入的研究，而且还要对音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑、摄影、影视、现代科学技术、受众以及审美心理学等多学科、多角度进行横向与纵向的研究与分析。以便更好的促进动画电影艺术的发展。

总之，动画电影艺术有着其他艺术形式不具备的独立精神与审美特征。在文化大发展、大繁荣的时代，我们不仅要努力丰富动画电影艺术的内容和形式，还要为人们不断提高的艺术欣赏水平注入新的生命能量，创造一个崭新的动画电影时代！

参考文献：

篇（2）

中图分类号：J701 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）05-0187-01

舞蹈是人们采用音乐韵律和肢体语音来展现人类情感的一种艺术，它是一种人类展现身体造型、时间艺术、空间艺术的综合体，并将艺术美感展现得淋漓尽致，它的不断发展将舞蹈审美艺术逐渐提升到了新的高度。因此，可以说舞蹈艺术具有着显著的艺术审美特征。

一、我国舞蹈艺术的发展概况

舞蹈艺术作为文化发展的一种载体，随着社会文化的不断丰富而迅速发展。舞蹈艺术是从戏曲艺术中发展而来的，并经过不断发展形成了一种具有独立性的艺术。我国现代的舞蹈艺术作品大部分都具有很强的专业性。国内舞蹈艺术不仅展现了艺术的多元化发展形势，还将面临着更广阔的发展前景。由于我国社会文化的迅速发展，舞蹈艺术也经历了历史性的演变。并且舞蹈作为我国文化发展的一种载体，它的展现形式也被不断地丰富和创新。舞蹈与其它形式的艺术相比，它有着自己独特的艺术特点，它是采用肢体语言的方式为人们呈现各种听觉和视觉的享受[1]。它也是一种非常复杂、丰富的艺术，它具有多种艺术表现形式，例如，花样滑冰、艺术体操等。舞者运用自己的肢体动作来为人们展现丰富的情感，是一种展现空间美感和身体造型的综合性艺术。该种艺术采用舞台、音乐以及人体语言相结合的方式，将肢体语言转变为一种文化和情感，从而为观众带来震慑人心的感受。对舞蹈艺术基本审美特点进行了解，对于提升我们的舞蹈欣赏水平有一定的帮助，这也是我们学会鉴赏和欣赏舞蹈的基本前提。

二、舞蹈艺术的审美特点

（一）舞蹈是依托人体的姿态和动作来展现艺术形象的。普遍将有变化的、有组织的、有韵律的、有节奏的姿态和动作，称为舞蹈语汇和舞蹈语言。首先，舞蹈语言具有一定的流动性。舞蹈是运用一连串的动作来展现生活中的各种情感，所以这些形态动作也是在流动中完成的。其次，舞蹈语言具有一定的连续性。每个舞蹈作品都是采用具有连续性的有关的肢体动作来塑造艺术形象的。第三，舞蹈语言是具有情感表现力和节奏感的。它是对生活事物不断提炼的结果，但也只有那些具有节奏、规律的运动才能够成为舞蹈化的动作。

（二）舞蹈是以动作抒情。从某种角度来讲，舞蹈也属于一种表情艺术，它掌握了现实的审美特点，展现了生活中的点滴。它将艺术美与生活中线条优美、热情奔放的动作相融合，展现生活中的真实情感，达到拙出于事、长漱于情的效果。在舞蹈艺术的表演过程中，情感会自然而然地从各种舞姿中流露出来。

（三）舞蹈与音乐有着极为密切的内在联系。每个舞蹈都拥有一定的音乐性。音乐的形象和舞蹈是紧密联系的。舞蹈的灵魂是音乐，同时舞蹈又是音乐形象的具体表现[2]。音乐运用乐声来展现人们的情感和思想，舞蹈运用人体的改变来展现情感，它们都擅长拙于叙事、长于抒情。恰到好处的音乐旋律，不只可以将舞台气氛烘托出来，还能够创造出美好的意境，亩能够提高舞蹈形象情感表达的效果。

三、舞蹈艺术的欣赏

舞蹈艺术欣赏指的是人在欣赏表演时形成的一种精神感受，它是一种具有创造性的，理解与感受、认识与情感高度统一的精神活动。欣赏舞蹈艺术能够在很大程度上提高人的艺术素养，同时能够激发人们情感与艺术的共鸣，进而将舞蹈艺术内在的美展现得淋漓尽致。

首先欣赏者应当对舞蹈艺术的风格进行初步的了解，风格了解得越多就会获得越多的乐趣；其次，要对舞蹈艺术的审美特点有明确的认识，做到有感情、有思想、有角度地欣赏舞蹈艺术；第三，应当拥有一定的艺术修养，对于一个舞蹈作品的欣赏不只是在于视觉上舞姿的美丽，更要领悟到舞蹈中所蕴含的内在情感；第四，在欣赏的过程中，要集中精力将自己置身于舞蹈表演中，才能够感受到来自舞蹈艺术的美。

舞蹈艺术将人们的情感表达和审美意识完美地融入到了舞姿当中，运用完美的动作给人一种视觉上的享受，进而激发人们产生的情感共鸣[3]。学会舞蹈艺术的欣赏技巧和审美特点，能够提升人们的内涵，丰富人们的创造力和想象力，提升人们的整体素质，领略舞蹈的意境和氛围，也能够在很大程度上提高欣赏者的艺术欣赏水平和艺术修养。

参考文献：

[1]徐艳.论舞蹈艺术对人的本质生成功能――兼析舞蹈艺术在学校美育中的价值取向[J].教学与管理（理论版），2014，（10）：21-23.

[2]邹小燕.论舞蹈艺术的审美特征[D].广西师范大学，2007.

篇（3）

中图分类号:J01文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)05-0023-02

大地艺术的美学特色在许多都市趣味的后现代艺术中独树一帜,与西方传统艺术、现代艺术也有诸多不同。在现在这个生态危机加重、人与自然疏离的年代,大地艺术的艺术取向和审美趣味是很有现实意义的。本文主要从观众欣赏的角度对大地艺术的生态审美特点进行分析。

一、从有限时空到无限时空

大地艺术与纪念碑建筑、室外雕塑这些室外艺术作品有本质上的不同,用大地艺术的代表人物罗伯特・史密森的话来概括其特点最恰当不过:“大地艺术不是把艺术放入某处实地,而是把某处实地放入艺术。”

大地艺术一般都位于人迹罕至的自然大地,如沙漠、荒野、高山、岛屿等,人们在欣赏大地艺术的作品时,不得不走出狭隘的画室、展览馆,从而放弃人为环境中的小尺度,把对待艺术的欣赏心态从一个有限的空间推向一个无限的空间。

大地艺术所处的自然环境,使它不会受到场所的限制,有的作品为了追求一种与自然大地的壮阔美感相匹配的美学风格,更是大到了令人惊叹的程度。

面对大地艺术的磅礴气势,人会不自觉的产生一种被大地艺术作品所倾轧、所压倒的感觉,“心情不只是被吸引着,同时又不断地反复地被拒绝着……不只是含着积极的快乐,更多的是惊叹和崇敬”, 即康德所说的崇高感。

同时,大地艺术强调艺术的“瞬时性”。时间维度的介入颠覆了艺术原有的静态思维。比如奥本海姆的作品《取消的收成》,在一大片麦田中犁出一个极大的Χ型。随着麦子的生长成熟,Χ型的颜色由青变黄的变化并慢慢消散。有的作品看起来是静态不动的,但都无一例外地参与到自然界的大循环中,长的可以维持几年、几个月,短的不过几天、几个小时。曾经给予人们美好感受的螺旋型防波堤现在因为湖水的上涨,已经静悄悄地躺在了碧绿的湖水下面,成为关于时间与变化的诤言。

大地艺术把大地上生命体的成长,无生命物的腐变、风化、瓦解等自然过程纳入艺术的范畴,以艺术的方式使人们直面对时间的思考。人们对大地艺术的欣赏体验过程,也就是对匆匆奔流的时间的体验过程。人以局限的、渺小的、有死的人的尺度与浩瀚、博大、无垠的天地的尺度面对面,早已超越了对艺术美感的感知与触动,升腾而起的是人生在世独自面对宇宙洪荒的存在体验。

二、从静观到游观

大地艺术中,特别强调欣赏者的“场所感”。由于大地艺术作品尺码巨大,往往可以走进作品当中。人在游走过程中,采取的是“散点透视”的方法,视点不断变换,感受焦点不断激活。比如霍尔特的作品《太阳隧道》,由四个水平着相对放置的巨型混凝土圆柱隧道构成, 隧道壁上钻出星座图样的小洞。至日时,人们可以在作品外部正对着太阳起落的圆柱开口感受到太阳升起和落下的巨大力量,也可以走进隧道中,追逐洞孔洒落的斑斑点点的阳光。

在大地艺术中,人们超越了在审美静观中只用眼睛观看的单一感受渠道,全方位、多感官并用地感受作品。他们不仅用眼睛去看,还用耳朵去听,用鼻子去嗅,用手指去摸,用身体去触,用整个的心灵去感受。人在大地艺术作品中的审美经验超越了传统艺术“静观”中对艺术家的表现手法、技巧、作品逼真程度等形式因素的关注,而进入一个更加宏大、更加深远的境界――“游”。

庄子在《逍遥游》中对“游”表述:“若夫乘天地之正,而御六气之辩,以游无穷者,彼且恶乎待哉!” “游”的精神实质,是没有任何外在目的、随心所欲、自由奔放的精神游历。正是在这样的精神的高度自由感中,人们获得一种至美至乐的审美体验和生命体验,也就是康德美学所揭示的审美的自由本质。

同时,“游”还是一个本真的人与自然万物交融相通的生命体验过程。在大地艺术中,人抛开社会历史赋予他的一切重负,回复为一个简单快适的生命体。这时,不管是动物,植物,还是荒漠海洋,潮汐云雨,都被他视为会倾听、可倾述的生命伙伴。大地艺术的欣赏过程,就是人作为自然生命的一员与其他自然生命平等交流的对话过程,是以人的整个生命去感悟、体慰其他生命的过程,是人与大地嬉闹游戏的过程。席勒指出:“只有当人在充分意义上是人的时候,他才游戏;只有当人游戏的时候,他才是完整的人。” 意识到自己是自然之子,大地之子,人才能重拾天性中所有敏感,细腻的感性力量和洞察力,成为一个游戏中的完整的人。他不再是天地间一个孤单、偶然的生命分子,而汇入到自然生命的洪流中去分享幸福。

三、从艺术生活两分到融合的诗意栖居

“为画廊制造”是坚守艺术自律性的现代艺术的特点。艺术上的自律性与西方现代美学上的“审美现代性” ―即美学的自律是一致的。实用主义美学家杜威尖锐批评西方现代美学将审美和艺术从日常生活中孤立出来的主张。他反对把艺术移交给一个独立的领域――博物馆、剧院、音乐厅等,并将这种把艺术与真实生活严格区分的审美意识形容为“具有讽刺意义的错乱”,主张将艺术与生活联系起来,恢复审美经验同生活正常过程之间的连续性。

大地艺术摆脱了博物馆、画廊等场所对艺术的“框架束缚”,把艺术发生的场所直接放入人们生存其中、生活其上的自然大地。在大地艺术这个艺术与生活交融同构的同一时空中,人门对大地艺术的欣赏和体验也成为对自己的生活空间的全新体验。大地艺术以对自然稍加改造、润饰的方式呈现自然大地。欣赏者眼中的大地,既是原来的大地,又是“陌生化了”的大地。原本平淡无奇,熟视无睹的大地焕发出一种神奇、灵性的色彩。面对重新焕发魔力的大地,人们不由自主地会产生一种震惊的体验,并产生一种想投身其中、与之契合的审美感受。

海德格尔把这种震惊的经验称为“惊异”,“惊异是存在者的存在在其中敞开和为之而敞开的心境”,正是“在惊异中,最平常的事物本身变成最不平常的”。 人们日常生活中,往往采取主客的关系看待事物,把事物看成是对立于自己之外的客体,只有在“人与存在契合”的时候,事物才从平常被人的意识人为分割的东西,变成一种新奇的东西被带入存在者的整体。这种新奇的状态其实是事物的本然状态,而这种震惊的体验也是人们人生在世的原初体验。

本来,人们都有这种看待世界的本然目光。可是,在现代社会中,作为碎片式的、无所归依的“单面人”,人在失去丰富感受性的时候,也失去了看待世界的本然目光。大地艺术唤起的正是这种纯净的本然目光。拥有这种本然目光的人同时获得一颗远离俗世污染的赤子之心。用这样的本然目光和赤子之心去看、去经历我们生活其上的自然大地,就会发现艺术与生活本来就是一致交融的,而美感经验也还原为日常经验本身。

审美经验是人生在世的本然经验,这也是现象学美学的基本主张。其实,日常生活与艺术合一的理想状态并不是一种永远难以企及的、空想的理念,席勒认为古希腊人的日常生活本身就是一种审美的、艺术的人生。正是这种艺术与生活合一的理想状态使他们具备了健康积极的完美人性。

大地艺术把艺术带入生活空间,超越了人们去艺术场所中寻求短暂审美解放的“不解渴”的方式。大地艺术家相信,艺术就是生活,生活也可以成为艺术。只要人们在生活中保持一颗生命本真的“赤子之心”,就可以在艺术与生活相融同构的时空中快乐的生活,实现在大地上的“诗意的栖居”。

注释:

①王瑞芸.20世纪美国美术 [M]. 北京:文化艺术出版社.1997.第185页.

篇（4）

    而广西少数民族地区的岩画也不例外,目前广西少数民族保存最完好的岩画,主要集中在左江及其支流沿岸的悬崖绝壁上,横跨宁明、龙州、凭祥、崇左、扶绥、大新、天等七大县市地区,其中以宁明县的花山壁画群最为壮观且最具有代表性。这些岩画艺术场面宏大、气势雄伟,多以少数民族先祖向神灵祈祷所绘,岩画内容包括人、马、狗、刀、剑、铜鼓等,其人物造型多似蛙形,虽然何为蛙形人像,至今在学术界仍然是未解之谜,但是其震撼力依然让今人无法阻挡。

    此岩画透露出的原始宗教和巫术这一观点在学术界已达成广大共识,其充满张力的造型,粗狂有力的笔触,恢弘大气的整体画面,都充分反映出了广西少数民族先祖对自然界的敬畏以及人民勤劳质朴、智慧大度的品格。与其他的艺术形式相比,广西少数民族岩画具有画面形象符号单纯简练,构图富有强烈的节奏韵律感,色彩鲜艳明快等独特且不可替代的艺术特点,对于现如今的壁画艺术创作来说,其结构紧凑、形象概括夸张、重复对比等艺术符号特点及其学术价值,在今天看来依然值得我们研究并成为当代壁画艺术创作领域借鉴学习的模本。

    二 广西少数民族岩画艺术特点的现代审美意味

    1 结构紧凑的构图

    广西少数民族岩画尤以左江流域花山壁画为主,壁画采用平面表现形式的构图,虽然画面中的人物、动物都采用简练的平涂形式,但是却形象生动且准确地反映出人物和动物等不同姿态和艺术特点,丝毫不觉得画面呈现简单、单调之感,反而让人觉得画面丰富有层次,色彩具有浑厚之美,这与岩画本身结构紧凑的构图有很大的关系。

    这样的构图方式经常会出现在现当代壁画艺术创作中,不同时代创作或者表达不同主题内容题材的壁画作品都会运用到这样结构紧凑富有韵律感的构图方式。结构紧凑的构图方式追求平面、散点、自由的感觉,但是却显现出轻松、随性、自由奔放的艺术特点,画面中的线条、色彩不断地组合重构,形成一种有疏有密,有动有静,有粗有细相互交织变化,同时又富有张力的画面感,这样的构图方式使画面产生了一种抑扬顿挫、气韵生动的视觉语言美,具有一种天然去雕饰,质朴率性的艺术表现力,犹如一曲铿锵有力的交响曲,言之有物、掷地有声。

    2 形象概括夸张

    广西少数民族岩画艺术充满着艺术的想象力、概括力和创造力,以左江流域的花山壁画为例,画面人物形象不仅能用简练的几何图形描绘概括,真实准确地表现出客观物象的基本形态特征,同时还能通过这样的几何图像来记录当时的生活场景,形象地表达自己的思想感情和祈愿祈福的愿望。

    在现当代,大型壁画的创作过程其实也是在这种先辈的创作体验中获得启发的,壁画艺术创作中对于形象概括夸张的语言表达方式,既有借鉴,也有超越。“有意味的形式”不仅是注重艺术语言的表达方式,内容题材、构图方法、艺术形象的审美感受同样在此其中发挥着至关重要的作用。

    这种形象语言方式既是艺术的语言,也是生活的语言,更是情感抒发的语言,它在艺术创作中不仅仅是艺术表现形式上的概括夸张,还应该是艺术情感的符号,这种情感符号充盈在几乎所有的艺术创作作品中。

    艺术家把这种情感通过艺术符号的形象传达出来,引起了艺术家与观众在心灵上的冲撞与共鸣,我们的少数民族先民在形象浓缩概括等方面让我们后人叹为观止,作为当代艺术家应该站在巨人的肩膀上汲取吸纳,要将这样一种“取舍”有度的艺术表现形式融入到我们的壁画艺术创作中。

    3 重复对比的符号

    世间万物存在的形式多种多样,但是重复对比的语言表达形式存在于大自然中却是万变不离其宗,重复对比的艺术表现手法现在看来确实是力量的表现,而我们的少数民族先民早已领悟其中,早在几个世纪前就将此手法运用得当,张力十足。

    以左江流域花山岩画为例,画面中首先是以形体的大小来区分主次的,在表现内容上,形象地记录了氏族部落举行祭祀祖先神灵的活动时集体歌舞的场面,通过大小不一的祭祀人群来表明社会地位的高低、尊卑,主次关系一览无遗,这样的表现手法,在当年看来只是以“无法”代替“有法”,即少数民族先民们没有所谓的近大远小的透视、构图的专业知识,只是用这样单纯且简明的方式表达他们内心所想,产生了一种独特的画面节奏感和韵律感。

    在当代壁画艺术创作中,重复对比的符号运用屡屡出现在画面中,每一件创作作品中都会重复出现画面的艺术符号,产生强烈的节奏形式感,通过色彩、形体、数量、面积、形态等方面突出对比关系,从而让人感到画面的明快、跳跃、节奏和韵律。

    花山岩画画面中反复出现的重复对比符号,犹如一个个神灵般带给人们祭祀祈愿的心里暗示,同时对于我们研究广西少数民族岩画艺术特点的后人来说也提供了许多借鉴、学习的作用,给我们现如今的壁画艺术创作带来了无限的创作能量和启示。

    三 对少数民族文化的传承要有创新的意识

    1 创作理念的更新、创新,关系到艺术创作的成败

    人的思维意识必须是建立在正确的观察和敏锐的思维上的,如果失去这些正确的认识和判断,事物将会朝着错误的方向发展。在艺术创作中,创作的思维像是一个掌舵手,决定着艺术创作的方向、走向以及最终的成败,因此,创作思维在理念上的更新、创新是非常关键和重要的。因为壁画艺术创作的公共性决定了壁画艺术的创作思维、理念必然是三维、立体的,而不是平面的,在创作理念上必须做到在历史传统的基础上不断增加新的养分和不断地吐故纳新。

    创新,并不是一味地去其糟粕,去伪存真,而是要站在传统的基础上眼见着实,将传统的精华善于吸纳,善于利用。艺术是有传承性的,每一个时代产生的艺术作品都将是后一个时代艺术创作借鉴继承的模本,因此,每一个时代每一个艺术流派都无可替代,他们都是独立存在并有独立艺术价值。传承历史并不意味着要否定过去,而是要学会“拿来主义”,优秀的、精华的部分我们要懂得为我所用。只有在此基础上的创新才会更有底气、内涵和价值,否则创新也将会成为无源之水,流于形式而失去了生命力。

    2 要用文化发展的眼光去审美与创新

    毫无疑问,广西少数民族岩画群的资源具有极高的艺术价值,在整个艺术范畴里,它独特、神秘而又通灵,站在这样的艺术作品前,你会感受到这是天造地设之物,充满着原始之美。

    这样的岩画艺术资源,我们应该用文化发展的眼光去对其进行审美和创新,因为她既能给现代艺术创作带来最原始、最具有生命力的艺术基因,同时又能提供艺术创作最需要的内核基因——文化基因,真正做到了“世界性”和“民族性”。

    在艺术创作领域,艺术性的极大发挥是建立在文化层面上的,换句话说,文化才是艺术创作的根。从艺术层面上看,广西少数民族岩画艺术具有的点、线、面等空间布局以及画面艺术特点、艺术表现手法和形式感,都将给我们带来艺术创作新的灵感和启发。从文化层面上看,广西少数民族岩画艺术又具有丰富多样的文化内涵,质朴原味的原始文化带给了我们不同以往的文化感受,而让艺术工作者在面对现代艺术创作中获得更多新的创作体验和感受。

    艺术创作一定是一场文化革命,只有文化的不断发展才能使今天的艺术创作充满了源源不断的能量和营养,给艺术创作不断带来启发,艺术工作者的艺术创新之路才能越走越宽广,这样创作出来的艺术作品才是最真实,最能打动人心的,才能兼具艺术性、民族性、区域性和时代性。

    3 壁画艺术创作如何在新的文化语境中寻求创新

    当代壁画是公共环境艺术,艺术作品与公共环境之间是一对共生体,伴随着社会的发展、文明的进步,人类社会将会更加注重关注我们赖以生存的公共空间环境,公众对审美的要求、对城市公共环境的期望会渐渐融入新的理念而表现出更为真实的内涵。广西少数民族壁画艺术如何在新的文化语境中体现艺术作品的艺术价值,并且通过艺术作品传达出作品本身独特的公共性,在当代大环境下发挥创造性的思维,创作出富有创新意识的艺术作品是新时期每一个艺术家的新课题,这些都将给当代壁画艺术家以及少数民族地区对城市壁画创作的发展指明了前进的方向并引发更深层次的思考。

    首先,无论壁画艺术朝着哪个方向发展,对于中国浓厚而丰富的民族传统研究都是非常重要而且必要的。但是坚守传统并不意味着固步自封,我们要扎根传统力求创新,处理好传统和继承的关系。

    同时,“多元化”的趋势是社会发展的必然,壁画艺术语言的发展也将趋向多元化,材料工艺的不断拓展,创新的技法应用,不断发展完善的风格,众多因素都将使当代壁画在不断发展的过程中给城市带来新的发展生机。

    最后,在新的文化语境中,创作出既具有物质结构特质,又具有精神独特气质两者相结合的当代壁画作品,这是我们每一个壁画艺术工作者都必须面临而追求的目标。在艺术创作中,我们要让公共环境空间朝着可持续发展的轨迹形成良性的发展,同时还要尊重公众群体,只有在“以人为本”这样的意识信条下创作出来的作品才能造福人类,服务大众。

篇（5）

中图分类号：J01文献标识码：A

园林是人类生活环境的组成部分，具有美化环境、改善生态，供人游憩、休闲、观赏、审美等功能。因此，园林艺术和建筑艺术一样，是一种实用和审美相结合的艺术。中西园林艺术都具有悠久的历史，并逐步形成了大致相同的园林类型。但由于社会历史、生活环境和文化思想等方面的不同，中西园林艺术在造园思想、艺术风格和审美特点上具有明显的差异。

近年来，对中西园林艺术的比较研究取得很大进展，但对中西园林艺术的基本差异和中国园林艺术的审美本质特征如何加以准确概括和深入认识，仍然有待探讨。同时，在当代生态美学建设中，如何从中国园林艺术和美学思想中汲取有价值的思想资源，也是一个有待进一研究的问题。

一

关于中西园林艺术的基本差异和特点，多数研究者认为在于西方园林艺术较重视人工美，而中国园林艺术则较重视自然美，但也有学者认为“西方园林更重自然，而中国园林更重人为”①。产生这种不同看法，可能是研究者观察角度不一样。但我认为，如果从艺术风格上来看，说西方园林更强调人工美，中国园林更崇尚自然美，还是较为恰切的。因为艺术风格是艺术在总体上呈现出的独特风貌。如果从造园指导思想、园林布局和构图以及造园要素的利用和处理等综合来看，那么，西方园林的典型形态整体上呈现为人为状态的建筑风景园林，而中国园林的典型状态整体上则呈现为天然状态的自然山水园林。

首先，从造园指导思想上看，西方园林强调的是自然的人工化，使自然服从人为的规则、秩序和安排，看重的是由人工雕琢的美。17世纪上半叶，由法国园林艺术家布阿依索所写的《论造园艺术》是西方最早的园林专著。它强调：“如果不加以条理化和安排整齐，那么，人们所能找到的最完美的东西都是有缺陷的。”②所谓“条理化”就是人工化。之后，法国古典主义著名园林艺术家勒诺特尔更明确指出，在造园中要“强迫自然接受匀称的法则”③。其将人工美凌驾于自然美之上的倾向十分明显。

篇（6）

沃尔夫林以“古典艺术”一词来表征盛期文艺复兴艺术，也即 16 世纪艺术。与之相对应，他以“古风艺术”一词来表征早期文艺复兴艺术，也即 15 世纪艺术。“古风艺术”和“古典艺术”是借自温克尔曼在《古代艺术史》中发展而来的艺术史分期概念，沃尔夫林也籍此表明他所坚持的论点：文艺复兴时期，尤其是文艺复兴盛期是艺术发展的巅峰期，其独一无二的价值可以与古希腊艺术比拟。这种观念是与人类长久以来的普适价值观相联系的，它反映了人类自古以来最习以为常的观看世界的方式。

沃尔夫林认为，“古风艺术”拙朴天真，富于生活气息，于描绘中显现出对生活的热情，其表达是远未完备的，但又预示了在巴洛克艺术中将要展现出来的东西：运动。而“古典艺术”精炼集中，于理想化的艺术形象之中反映成为“完美的人”的生活理想和相应的审美理想，平静而高贵，庄严而持重。古典艺术的完美性源自对文艺复兴时期社会精英人士的生活理想的认识，而社会精英人士的代表就是拉斐尔、卡斯蒂利奥内伯爵等。

沃尔夫林在盛期文艺复兴――古典艺术中，不仅发现了“新的形式”，也发现了“新的理想”和“新型的美”。 ①他认为，相对于 15 世纪的早期文艺复兴艺术，这样的美更为平静、厚实、宽阔，所描绘的空间和其间所布置的物体间建立起新的关系，坚实的刻画形成鲜明的体量感，庄严持重。他从以下几个方面入手，诠释了堪称完美的“古典艺术”相较于文艺复兴早期“古风艺术”所表现出的不同审美体验。

一、古典艺术的审美特征

1、稳健简单的尊严美。与15世纪将人物动作处理得优雅、矫饰以及过分讲究不同，16世纪艺术体现的是一种稳健、简单体现人的尊严的审美风格，在绘画中，“人物的姿势越发稳重，那些过度装饰、生硬造作和立脚不稳的缺点已被克服。”②除此之外，16世纪的艺术恢复了古典艺术中对“体现坚强气质的有力动态的兴趣”③，在艺术表现中注重力量和生命力的表现。

《自画像》是拉斐尔作于 1506 年的一幅作品，是他早期创作的典型风格。与其他几幅成熟期的肖像画相比，这幅作品轮廓线缺乏变化，尤其是肩膀、帽子、脖子，不能很好地形成圆润过渡，略嫌生硬单薄。而其成熟期的《一个妇人的肖像》，通过强烈的明暗对照，形成了鲜明的视觉焦点，这个焦点就是眉宇和鼻梁的明暗转折处，我们可以感觉到，寥寥数笔就能将眼窝和鼻梁连接起来。在 16 世纪，这样的连接所形成的强烈对照总是得到强调，艺术家将表情线索汇聚于一个单纯的整体，这或许就是 16 世纪艺术稳健风格的秘密所在。沃尔夫林指出，这种美是以人的尊严观念为基础的。

2、丰满厚重的成熟美。在16世纪，丰满、厚重成为新的审美理想。15世纪，人们崇尚纤细、轮廓清晰的青春美，而到了16世纪，从前那些纤细处理的部分，被更丰满、更强壮的表现手法所替代。沃尔夫林认为，15世纪艺术体现的是青春美、而16世纪艺术则是一种成熟美的表现。这个时期，“美见于体现古想的丰满躯干的宽大臀部上，而且视觉追寻的宽大而统一的各个面。”④

16 世纪的意大利艺术开始发展比之 15 世纪艺术更纯粹、更强有力的表现，在这个过程中，主体形象的鲜明突出和空间延伸是同步展开的，对于 16 世纪的艺术家来说，其画笔仿佛就是最小的“光圈”，其画布就是最大的“景深”。人们偏爱紧凑、坚实、厚重之美，这并不与雄浑开阔的图像空间的要求相抵触，因为重要的是表现得充实，而不是题材的实际面积如何广大。

15 世纪的趣味是画得“漂亮”，16 世纪的趣味是画得“结实”。而且，主体形象之间开始更为紧密地联结，形成统一的整体。譬如拉斐尔的《圣母和圣子》，画面的水平线被压低，三个人物间形成一个三角形的团块，其充盈的体量感，通过与波拉约洛《圣塞巴斯蒂安的殉教》纸片一般的人物相比可以一目了然。

3、稳重庄严的细节美。在细节的处理上，16世纪绘画在对人物的细节的刻画上，相较于15世纪而言更为工整，给人一种稳重庄严的审美感受。比如在对人物的发饰的处理上，15世纪时期“趋于划隔分股的发型和细致的装饰倾向”，以及“改变前额的自然框架，超出原来的发际线而扩大前额的面积”，而16世纪则“更喜欢单一体块的简单发式的欣赏趣味”，“头发表现为梳得光滑服帖、有条不紊的体块”，并“以清晰的水平线作为前额与发型的分界线” ⑤，这两种不同的处理方式，就造成了前者娇揉而后者自然的视觉感受。在16世纪，艺术家在创作时追求“重量感和节奏感”，15世纪人物画中修长的颈脖，在这个时期由戴有沉甸甸的项链的粗壮脖子所替代，而原本那些“编织复杂图案的衣料”则变成了“具有重量感的能产生大效果而不必近观细察的衣料”，由此来凸显人物尊严而高贵的神采。

4、简朴庄重的空间美。古典艺术对垂直和水平轴向的强调是始终如一的，它赋予图像空间构成以稳定感、重量感和毋庸置疑的明确视域，引导欣赏者仅从一个唯一被作者确定好的角度去观看最能够反映形体常态的效果。

藏于乌菲齐美术馆的委罗基奥的《基督受洗》，是具有代表性的15世纪艺术，人物和各部分的景物都像剪纸一样，整个图像空间像是拼贴出来的，尤其是背景，就是一块紧贴在人物背后的幕布。右边中景那棵树，下半部像是和远处的山石紧挨在一起，而其上半部分由于刻画得过于清楚，似乎已经跑到前景里来了。主体人物刻画得筋脉毕露，近乎平面装饰图案。而左边的残垣断壁又压在人物背上，再次令人物嵌入背景之中。一个开阔的场景，由于缺乏有秩序的表现而显得平板拥塞。同时，人物的动作也过于局促，慌慌张张，尤其是耶稣基督被表现得像是凡人，他的身体几乎是在瑟瑟发抖，画家似乎仅是粗略地将日常生活中的行为举止排列在一起而已。

而在拉斐尔的《圣母子与小圣让・巴蒂斯特》中，远景的白云与天空融为一体，自然地向后伸展。前景圣母子和圣约翰的轮廓总的来说是清晰的，但在阴影旁边的部分相对会模糊些，使形体与气氛融合。同样，相对锐利的边缘也并非象刀刻出来的那样，而是有一个巧妙的圆转过渡，仿佛形体沐浴着空气，在委罗基奥《基督受洗》中的生硬效果被避免了。在形体与形体相接的地方，相互交搭的线条总是穿插避让，形成多种变化。其中最基本的变化就是刻画靠下、靠后形体的线条在即将与压在其上的线条相交时，会稍稍变淡，隐去刻露的痕迹，并形成图像空间局部近实远虚的空间推移。形体绷紧的一侧，边缘轮廓清晰光滑；形体松弛的一侧，边缘柔和微妙。在拉斐尔的作品中，有了明确的前景、中景、近景划分，色调对比、形体刻画的清晰程度也相应逐层递减，使形体自近处的平面向远方伸展，这样，平静与开阔联系在一起，简朴庄重的空间美感油然而生。

结语

肯尼斯・麦克利什曾说：“尽管古代社会可能是专横的，但它所提供的典范作品的情感丰富性和风格多样性，常常使它成为一个生气勃勃的社会。这种丰富性和多样性，在艺术中表现得格外强烈，因为它们所反映并使之不朽的文明的宏伟成就，赋予它们内在的生命。”⑥因此，人们总是对“古典艺术”表现出趋之若鹜的向往情怀。

沃尔夫林对于文艺复兴时期艺术的研究，不仅仅是关于艺术风格的，也是关于我们如何观看这个世界的。通过沃尔夫林的古典艺术理论，我们将清晰地意识到科学作为一个文化过程，既负载了人类对真理的永恒追求，也负载了人类永无止息的批判精神。

如果把文艺复兴艺术的全过程归纳为一个观看造型艺术历史发展的基本图式，那么通过上文的分析，可以这样说，艺术的进程既是连续变化的，又是循环发展的，在连续变化中，存在草创期、成熟期的渐次发展。无论如何，无论是15世纪早期优雅、轻盈、娇柔的艺术表现，还是16世纪盛期庄严、稳重、厚重的艺术形式，对于今天的我们而言，都是珍贵的艺术体验。

注释：

①沃尔夫林，潘耀昌译.古典艺术[M].北京：中国人民大学，2004 ：2.

②同上：第270页. ③同上：第275页. ④同上：第281页. ⑤同上：第312页.

⑥[英]肯尼斯・麦克利什，查常平等译.人类思想的主要观点――形成世界的观念（上）[M].北京：新华出版社，2004：71.

参考文献：

篇（7）

一、评剧表演中的民本意识

评剧表演中所蕴含的第一种艺术审美为民本意识，顾名思义，“民本意识”就是评剧表演是以观赏者的感受为重。由于评剧的前身是乞丐行乞时表演的莲花落，作为一种行乞时的说唱形式，莲花落必然要顺应人们的心理，讨好人们。因此，脱胎于莲花落的评剧表演，其艺术特点之一即为民本意识，而且评剧表演如果能够吸引更多的观众也就意味着能够有不少的收入，因此评剧表演一直都在寻找观众们最能接受的表演形式，顺应群众审美，真正做到了站在人民的角度构造戏剧，进行表演，以寻常百姓的真实生活作为评剧表演艺术创作材料，贴近群众生活。

评剧表演的内容大部分都是反映百姓命运的，例如《杨三姐告状》《刘巧儿》等，通过剧中仅有的几位演员的表演来反映百姓生活中能见到的事件。相比于京剧，评剧在表演形式上更加自由化，在表演中展现出了巨大的艺术张力，评剧表演采取的是以线性结构为主的文本形式，其表演往往都比较乡土化，将丰富的生活实际浓缩成为简练的舞台表演，让观众们感受到真实的生活气息，从而吸引人们的注意。

二、评剧表演中的民俗意识

评剧表演艺术能够在一百年的发展时间里有如此高的知名度，与其民俗意识密不可分。评剧表演注重叙事，为观众展现情节曲折的故事，引发观众的共鸣，吸引更多的观众关注评剧。评剧表演中的民俗意识不仅体现在内容上，还体现在语言的运用上。评剧表演使用了多种民间俗语，灵活运用各种惯用语和歇后语，比如“哑巴都想叫个好”“笨鸭子上不了鹦鹉架”等，让观众们在观看评剧表演的过程中感受到民俗气息，将其民俗化的特点淋漓尽致地表现出来。

评剧《刘姥姥》，是以《红楼梦》中刘姥姥这个角色的部分经历改编而来的，作为劳动人民，刘姥姥平时接触的都是社会最底层的小人物，为了使这个角色更加符合人民群众的审美观念，在评剧表演中，刘姥姥所说的台词也都是俗语，让观众深刻感受到其角色的“俗”，在通俗的语言中体现了深刻的道理，表演自然受到观众们的喜爱。

三、评剧表演中的游戏精神

篇（8）

引言

相较于其他艺术形式，环境艺术设计是一种更能让人赏心悦目的大众化、实用性艺术，它在实现人类居住环境的改善的同时还要满足其审美需求，现今社会的多样化、多元化，价值观的差异直接引导了不同了审美观。环境艺术的设计理念与其审美特征之间存在着辩证关系，一方面，设计理念对于环境艺术设计有着引导性的作用，良好的理念可有效地促使设计师改进环境艺术设计的观念，在提升人们审美水平陶冶情操的同时还能增强其环保意识，从而达到可持续发展的目的；另一方面，审美是环境艺术设计存在与发展的必要条件，审美特征的生命力在依靠科技手段的同时还应紧贴文化的背景，因此环境艺术设计的研究还应注重审美的品质水平。本文主要针对环境艺术设计的理念与其审美特征进行探讨与分析，以期为环境艺术设计提供参考。

1影响传统设计理念和审美特征的主要原因

1.1地理环境因素的影响

古代中国的地理位置和环境气候都决定了中国人的审美特点，中国人习惯把环境设计理念与大自然相结合。在布局设计中追求自然美，把建筑和大自然中的山水和植物巧妙合理的结合到一起，在一定的空间范围中根据自然因素设计出大自然中的景色，再进一步的加工处理，把自然美和人工美融为一体，创造出人与自然相结合的艺术体。人们对大自然充满了温和，更容易贴近大自然。

1.2生产力与经济基础的制约

生产力和经济基础一也对环境设计观念产生了很大的影响。在古代，生产力水平比较低，大部分依靠农业和手工业的生产。农民希望大自然风调雨顺满足人们的愿望，来收获更多的生产。在环境观念中，人们更多的希望将自己和大自然理想地结合在一起，享受大自然给人们带来的一切。当人们以为通过自己的智慧和能力一定能够战胜一切的时候，工业生产所带来的一系列污染问题使人们意识到了环境的重要。在工业先进的国家，对环境的治理开始逐步走向可持续发展。随着生产技术水平的提高，人类对自然的态度从消极慢慢地转向创造自然。

1.3社会制度和社会文化的影响

环境设计理念和艺术特征是受多方面的原因影响的，除了以上因素外，社会制度和文化对其一也有着重要的影响。大自然本身就是一种美，它的美不需要刻意地去追求去创造，而是自然而然地形成的美。中国园林的美一也是如此，并不是在复制大自然的美，而是将自然内在的精神表现出来。

2现代环境艺术设计的理念

2.1环境设计的人性化理念

古代，由于科学技术落后，环境设计要么为神效力，要么为君权服务。工业时代，人们围绕着机器生活，城市公园也成为收费场所，市民难以享受自然美。21世纪，人类进入信息时代，生活方式和环境意识也随之变革，互联网使家庭办公成为现实，人口老龄化使得人们更加重视居住环境，进入真正的“以人为本”的时代。因此，对于人性化设计的理解，不能停留在过去简单的城市绿化或人机工程的功能性上，而应认识人本身的社会需求、生理需求以及人和自然的关系。包括尊重人的生活习俗，尊重地方文化和历史，尊重土地与自然的历史，而不仅仅是设计师个人的“审美理想”。

2.2环境可持续发展的理念

1970年联合国教科文组织16届会议上通过了第2313号决议“人与生物圈计划（MAB）”，提出生态城市建设规划的五项原则：制定生态保护战略、建立生态基础设施、重建居民生活标准、把自然融入城市并且保护历史文化。 1999年北京召开了UIA大会，通过《北京宣言》 ，明确提出了“人类生存质量及自然的人文环境的全面优化”的科学观念。环境设计生态理念，其内涵是对资源和环境的关注，是整体多样、有机结合的环境观。目标是改善和提高人的生态环境、生命质量，并根据自然界生物学原理，利用气候、阳光、动物、植物、土壤、水体等自然和人工材料，研究如何保护或创造人与自然协调、舒适、良好的物质环境，也只有在此基础上才能实现人类生存环境的可持续发展。

2.3环境规划需要多方参与

环境设计是一门综合性跨学科的社会活动，需要建筑、雕塑、规划、环境设计各行业人员共同完成。如何组织多学科的协作，成为环境设计实际操作的难点。不久前日本水户艺术馆采用一人主持多方参与的方式，其间涉及的业主意向和财力，使用者的意愿等诸多因素，取得了很好的效果。尽管不够完善，但这种做法的进步性表现在：改变了过去那种建筑师、规划师各行其是，留下的地方就由环境设计师来装点的做法。

3环境艺术设计的审美特征思考

3.1风格美

不同的环境艺术设计作品之中都蕴含着设计师的审美思想与审美观念，因此每一个环境艺术设计作品都富有其自身独特的风格。环境艺术设计中风格个性化的审美特征要求设计师们重视人文与环境之间的相互融合，针对不同的环境背景设计出别具一格的环境艺术作品。例如，在城市化的环境艺术设计之中，北京、青岛、西安等城市是我国境内富有典型特色的城市代表，而巴黎、威尼斯、罗马、雅典等则是欧美城市之中具有独特风格的代表，其各自的风格都以浓厚的自然风情与人文内涵作为铺垫，从此可看出城市环境艺术设计的审美特征主要建立于人类历史背景、文化风俗的基础之上。

3.2动态美

由于环境艺术设计来源于人类日常的生活环境，因此环境艺术一直处于运动的状态之中，而并非孤立静止的，设计师则需要根据特定环境与人群的生活特征、审美心理来进行符合动态审美的艺术设计。由于受到审美角度与审美观念的制约，环境艺术设计动态美的审美特征在主观以及客观之中都会有着不同的表现：首先，随着空间与时间的逐渐变化，环境艺术设计作品会使人产生不同的审美看法；其次，即便处于相同的空间、时间与地点之中，不同的人对于相同的艺术作品也会有着一定程度上差异的审美观念；再者，同一个人若通过不同角度来观赏同一件艺术作品也会有着不同的审美效果。

3.3和谐美

新时代的背景之下，现代环境艺术的设计无法脱离整体的意识，设计素材之间的和谐关系是艺术设计表现力的重要保证之一。无论是一个大城市还是一个小型的艺术馆，其环境术的设计都需要建立在实现整体和谐美的基础之上，尽量避免混乱无章、差异冲突艺术设计作品的出现。

结语

总而言之，在科技快速发展的时代背景下，环境艺术设计的实现方式并非从形式上过多借鉴国际流行风格或是运用数字化的高科技手段，而是从根本上考虑在特定时代的条件下，环境艺术设计的理念及其审美特征的相互补充与相互融合。因此，在多元化的时代背景下，环境艺术设计者在设计过程中应将自身观念与大众的立场、时代的特色相互结合，尽量以大众的审美观念来界定自身的设计理念，并在此基础上进行艺术的再设计与润色，如此才能进一步地促进审美想象与审美情感的升华。

参考文献

[1]周长亮.环境艺术设计之审美取向―以建筑科技为设计基础，以艺术创意为表现形式[J].

篇（9）

中图分类号：J616 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）06-0119-01

生活中自然呼吸是与你的生活状态及思想、情绪、情感全然一体的，是无意识的。歌唱虽是有意识的强呼吸，但必遵循其自然性，训练歌唱呼吸为的是加强呼吸肌力量，使其在自然基础上有更强更自如的适应性如。呼吸与歌唱形成一种关系运动，这种关系便是呼吸支持歌唱，而歌唱又锻炼了呼吸，歌唱中锻炼出来的呼吸状态才是真正自然的行之有效的歌唱呼吸状态。不能为呼吸而呼吸为气而气，单纯练气是气功学的事而歌唱锻炼呼吸是歌者要确立的思想。根据对自然呼吸的体验，歌唱呼吸要始终注意以下基本点。

一、十分明确地将呼吸主动部位放在肋下的横脯膜部位

膈膜主动既可扩充胸下围，又可促动腰腹，这是一种最自然而没有强制的呼吸。腰腹横膈膜而动的这种呼吸方法不是局部着力，它能使整个身躯呈现出下稳上松的歌唱状态，身躯舒展，重心稳定，能有效地防止气浮气浅气短。

二、吐字发音和声音延续要保持吸气状志

吐字发音和声音延续要保持吸气状志，像吹唢呐，声音延续很长，鼻腔却一直在吸气。有人说吸着唱，吸着唱是控制气息的好方法。

三、要把声音负荷的支撑力放在横膈膜的腰肌部位

把音管松开，把肩松开，把胸松开，气是贴着松弛的发音部位与共鸣腔件流动的。这就是人们说的“贴开”唱法。歌唱的气力像划船，船身投放水上，船的负荷山水承受，而不是出撑船者承受，撑船者的力量在于划浆，在于船桨对于水的拨动。这是声音放在气上保持在气中的感觉。

四、气息是声音运动的动力线

支配呼吸为的是歌唱，因此气息受歌唱的吐字发音和声音延续、扩充、通达意念的支配。这与生活中的劳动、体育运动自然支配呼吸的感觉一样，只有树立以字、声、气、情、腔融合的意识支配歌唱呼吸，才能促使呼吸与歌唱的协调统一。才能使气息运作有明确的目的性。

五、歌唱呼吸训练主要是对吸气肌肉群

以膈膜为主动的深吸气时被拉紧的肌肉训练，准确的歌唱呼吸概念，应该是呼气和吸气状态的保持。没有吸气肌肉群的充分运动，空气就不会充分进入，因而就不会有充裕的气量：没有吸气肌肉张力的稳定和保持，就不舍有与呼气肌内收缩排气相抗衡的力量，呼与吸是一对矛盾，但吸是矛盾的主导方面。吸气状态稳定是肘呼气的牵制，气由此变长。储存腰腹，吐字发音只用很小的气量，吸气的充分，用气的节省就是一种歌唱技巧。发音咬字的部位是气的出口，在出口处支配气流是最合理、最节省，也是最灵活的控制呼吸的方法。口咽咬字吐字的阻抗力与喉头向下的挡气是对歌唱呼吸控制的方法，气的储存与有效的支配与控制是歌唱状态内在动力、活力。下方储存，上方使用，储存与使用的部位要垂直对应。

六、低音撑起，高音放松

唱低音时，往往松懈，唱高音时又往往过于紧张，这两种倾向都会导致喉头逼紧和声腔不开，为此，唱低音气要撑得起撑得住，唱高音时要有意松弛，松弛为了缓冲，缓冲会更有气力。歌唱呼吸是长久训练过程，是以歌唱锻炼的过程。歌者要始终把握三点：一是膈膜这个基础部位的主动性、灵活性、坚定性：二是要注重以膈膜为推动力的腰胆扩充向下的动作；三是把握气息下沉腹底，上贯额眉的通达感觉。

共鸣腔及其使用：一个物体震动引起近旁其他物件或本物体内部空间震动，它物体和本物件空间震动又加强了原物体蛙动，这种现象叫共鸣，也称“肋振”。共鸣的条件是物件之间基音或泛音的震动频率相同或互为倍数。这就是共鸣的原理。我们追求共鸣声音效果时必须遵从这一原理。根据实践的体会，无论是高音还是中低音，均要以高音焦点加以控制，有了高音焦点牵制，中低音就不会脱落散落，尤其是声音由高至低的行进时更要注意头腔焦点不要失掉。歌唱共鸣有高、中、低三个层位，高音明亮穿透，中音刚强有力，低音浑厚宽广。

决定音管调控的关键部位是喉口和咽腔，即喉头后上方发音的管口，这个部位伸缩扩张调控着整个的发音和批鸣机制，牢牢把握这个部位，锻炼这个部位肌肉的灵活和坚韧性是非常重要的。这个管口的肌肉是括约肌，它可以伸张很大，也可以收缩很小，对声音需求有极大的适应性。

篇（10）

关于体育的本质归属问题，历来是我国体育界辩论的一个焦点，并形成了几种不同的认识流派，一直没能达成共识。随着体育科学的发展和我国“全民健身计划纲要”的实施，大家对体育本质的研究与认识正逐步趋于统一。体育是一种“增强体质，健全人体的教育活动”的本质界定已被广大体育工作者所接受。

体育的本质特点规定着体育美的本质特点和内容，也决定着体育美的欣赏和创造的方向。由于体育是以人为对象，以人体运动为表现形式的健身教育过程，那么，体育美的本质应该是人的本质力量在体育运动实践中的感性体现，它反映的是人与体育运动的审美关系。它不仅是一种抽象的概括，同时具有丰富可感的形式。它是体育运动实践的产物，既是审美主体，又是审美对象，离开了人，离开了人体运动，体育美也就不复存在了。

艺术美则是艺术家在社会生活中感受现实美的基础上，融人审美情感和审美理想，按照美的规律创造出来的，是美的理想化的形态。

艺术形象是主观和客观高度融和统一的产物，是感性的东西经过心灵化了的结果，是再现和表现的统一。从主观上看，艺术美是按照本人的审美理想，对已感受到的现实社会生活进行筛选和加工，再把个人的情感融人进去，从而使艺术美带主观性和表现性的特点。从客观上看，艺术美来源于人类的社会生活，是对现实中各种美的事物的真实反映和再现。因此，笔者认为，艺术美是艺术家在感受现实美的基础上，经过审美理想的过滤和情感融化，按照美的规律创造出来的，它集中体现在艺术作品的艺术形式中，反映着一定社会生活的某些本质方面，包含着一定的客观真理。因此，艺术美的本质应该是:人的审美意识的集中化了的物态化形态，是艺术家对现实生活的审美理解的感性体现.也是人的自由在艺术作品中的形象体现。

2体育美与艺术美的特征体现

事物的本质必然会由现象表现出来，从而构成审美属性，成为审美对象。体育美和艺术美的基本特征就明显反映出了各自本质现象的特征。

创造性是体育美与艺术美所共有的一种特征，但它与体育美有着更加特殊的意义。因为体育运动的创造是实践的直接产物，而不像艺术作品那样带有艺术家主观精神的外射。体育美一旦创造出来，就能与社会的进步和体育运动的发展相适应，反映出一种积极、进步和肯定的趋势。另外，体育的创造主体即是创造者，又是审美对象;即主体、客体都是运动者本人。这与艺术美的创造特征有明显区别。

形象性是体育美的又一特征。虽然艺术美也讲究形象性，但体育美的形象性主要是由人体表现出来的。在体育实践中，人体通过不同形式的运动，以匀称的体型、健美的肌肉，正确的姿态充分展示出体育美深厚的内涵。如:一套刚劲有力的健美操;一套优美双逸的自由体操;足球守门员一次飞身跃起扑球的空间造型;跳高运动员腾身过杆的英姿，这些具体生活并富有感染力的形象充分显示了人的本质力量。

体育美具有变易性和易逝性的特点。它受时空的局限，它始终处在不同的时空中，不可能被人们自由地观赏。如跳水运动员一连串高难动作转眼即逝，留给人们的是瞬间之美和极大的振奋。艺术美则能把现实美和人们的审美意识凝固在艺术作品中，使不同年代和不同地域的人都能够欣赏它。如:许多古代的优秀绘画和音乐及雕刻艺术作品，至今仍能带给我们艺术上的享受，它们并没有因时代的变迁而失去其审美价值，这反映出了艺术美具有永久魅力的特征。

艺术美的另一个特征是典型化，也就是说，艺术美是艺术家审美创造的产物，虽来源于现实美，但高于现实美;它集中和概括了现实美，从而表现出更加深刻的思想内容和感人的力量。

另外，艺术家在创造艺术美的时候.不仅真实地再现了现实中的美，并在集中现实美的基础上进行加工和改造，融人了个人的审美情趣和审美理想，所以，理想化是艺术美的又一主要特征，这与体育美有着根本的区别。

3体育美与艺术美的关系确认

3.1同出一源，相互联系

无论体育美或艺术美，探索其根源，都离不开人类社会实践和物质生产劳动。美学观认为，美既不是人的主观精神意识的产物，也不是纯自然进化的结果，美是人类社会实践改造客观世界的产物。从摆脱自然生产开始，人类社会就朝着物质生产实践和精神生产实践两个方向发展，并具有审美属性。在古代宗教礼仪中形成的原始艺术和体育萌芽，二者之间是没有区分的，甚至在很长一段时间里，劳动与体育、舞蹈、音乐之间没有界限。随着人类社会实践活动的发展和劳动生产的发展，体育和艺术才随着社会分工而分离，并逐步发展成为相对独立的社会活动形式。

纵观历史，体育与艺术有过密切的联系和结合。古希腊奥运会的竞技场，为艺术家的创美活动提供了源泉，并由此创作出了许多流传百世的艺术珍品，如:《掷铁饼者》、(短跑者》等力与美、雄与健、韵与律融合的英雄形象。而艺术发展的规律，艺术的技巧、风格的演变，又为体育美的创造和欣赏提供了丰富的营养，从而进一步发展了体育审美的价值。今天，在现代体育运动中，许多项目对艺术性的要求越来越高，如:竞技体操、艺术体操、健美操、跳水、花样游泳、花样滑冰、技巧、武术等。所以，正确地借鉴艺术，深人了解艺术，不断加强艺术修养，对现代体育创美活动意义重大。

3.2本质迥然，不可替代

篇（11）

    于美的沐浴中,让学生感受到美其实到处都有!

    综上所述,再音乐教学中进行多层次多渠道的美育渗透,可充分发挥音乐的美育作用,使学校成为音乐摇篮,为培养“四有”新人作贡献,为提高全民族的精神气质、文化素养作贡献。

    正文:

    学生接受审美教育面临着来自两方面的影响:社会和学校,学校教育是主要的。音乐与其说是一门声音的艺术,不如说是一门情感的艺术,它的震撼人心的力量,使其比别的艺术更能直接地作用于人的情感、人的心灵。同时音乐更是一门美的艺术。它用情感陶冶美的心灵,培养美的情操。这种美的陶冶,虽然需要漫长的积累,持久的滋润,需要潜移默化,但它的效果却是刻骨铭心的。所以应重视再音乐教学中进行美育渗透。

    一、从育人出发,进行审美教育。

    我在教学中,都要让学生充分理解歌曲内容,体会歌曲所表达的思想感情,达到审美教育的目的,如教学《儿行千里》我先从谈话引入,再进行歌词学习,让学生找找哪些词要读重些,通过这样,再进行小结:妈妈爱我们,她平时为我们操了很多心,所以我们要自己能做的事自己做,为妈妈多分担。

    二、培养审美趣味,获得美感体验。

    美好的音乐作品是能带给人以的,其中包含了生理的成分。音乐不仅对人类,对动物也是这样( 国外有给奶牛听音乐以提高牛奶产量便是一例)。但这毕竟不是音乐审美的本质表现。我们有的教师看到女孩 喜欢跳舞,男孩子喜欢打击乐,在还没有听完全曲,学会新歌,感受音乐所要表达的内容、表现的情绪时便让 学生盲目地跳起来,敲起来。还有教师对音乐欣赏这一重要的教学内容,采取了形式主义的教学方式,粗粗一 听,简单一讲:“这首歌曲表达的音乐情绪是欢快的”,“这首乐曲是优美、抒情的”便草草了之。以为这就 是音乐审美教育。其实音乐审美的本质应是美感。法国作曲家圣桑说:“音乐不是生理满足的工具。音乐是人 的精神最精致的产物之一。人生其智慧的深处有一种独特的神秘的感觉,即美的感觉,借助于它,人才能领悟 艺术……”因此,我们在培养学生审美趣味时,不能满足于对感官的刺激,生理的快乐。以上老师的片面做法 ,究其根源还是对审美教育认识不足。

    三、根据听觉来逐层深入感受美。