绪论:写作既是个人情感的抒发,也是对学术真理的探索,欢迎阅读由发表云整理的11篇音乐表演论文范文,希望它们能为您的写作提供参考和启发。
二、共性的作用
(1)审美共性和整体性
真挚的情感是一部优秀作品不容忽视的重点和关键,大部分的演奏家善于找寻到作品中的本质美与深层价值,都是因为对作品赋予了深刻的感情,依托表演方式让听者能够从听觉上了解到作品内在的表现内容与诚挚的情感。其实本质上这种审美的追求是依托于演奏家自身体验的基础上,演奏家在自身和观众之间搭建了一座无形的沟通桥梁,而让听众能够同步感受演奏家的情感表达。这种审美观念在音乐表演层面就是演奏家所必须具备的共性特点。
(2)尊重一度创作
音乐表演艺术家进行表演诠释的过程中,不可忽视作品创作过程中的原创性与创作性要求,不能够忽视创作本意与创作主体。音乐艺术表演家需要站在作曲家的角度上,对艺术作品做深度理解,而不能单纯地凭借自己的兴趣和想法随意更改之前的作品。在这方面要求演奏家基本功要扎实,了解清楚作品产生的背景,并且详细全面地理解和探究作品产生的背景以及作曲家所处的生活环境、当时的社会环境等等各个方面的特点。不但要从外部进行作品的分析,也要从作品里做深入讨论,进而全面有效地了解作者和作品表达的意图。
目前,音乐院校普遍存在音乐表演教学与音乐理论知识学习严重脱节的现象,即音乐表演学生只注重专业技能、技巧的学习,而轻视音乐理论知识的学习;教师也只在演唱、演奏技能、技巧方面严格要求学生,而不能将音乐理论知识全面贯穿于教学之中。致使学生只学到一些演唱、演奏方面技能、技巧,但却不能真正把握音乐作品内涵,更无法正确表达音乐作品的思想感情。怎样把音乐表演专业技能技巧的学习与音乐理论知识的学习在教学中交融起来,通过师生共同努力,让音乐的价值和功能得到外化,让音乐作品的内涵能淋漓尽致地呈现给观众呢?此文就如何处理好音乐表演专业技能、技巧学习与音乐理论知识学者之间的关系,进行一些初浅的探讨。
一、音乐表演与音乐理论知识交融的必要性
音乐院校的理论作曲科目和声、复调、配器和曲式经常被称作曲理论学科的四大件,是创作音乐作品的重要知识与方法。作曲家创作出来的音乐作品表达了丰富的思想情感和深刻的内涵,是音乐的本质美的呈现。这种内容和情感必须通过表演(二度创造)得以表达,听众才得以赏析。
不管是声乐专业的学生,还是器乐专业的学生都要具有一定的作曲理论知识,用理论指导表演实践,这样表现出的音乐(不管是声乐还是器乐)的思想才可能鲜明准确,情感才可能丰富多彩,才可能感染听众,音乐也才真正发挥它的功能与作用。因此,音乐表演学生的综合素质的提高只体现在音乐表演的技能技巧方面是远不够的,必须理论和实践相结合,二者相辅相成缺一不可。如何才能将音乐表演技能技巧教学与音乐理论教学整合起来呢,处理好两者的交融呢,或者说如何用理论知识去指导音乐表演实践呢?还是值得认真研究探讨的问题。
每一个音乐作品中音乐的创作手法各异,主题的呈现,旋律的发展,和声的进行,结构的布局,作品的格调等千差万别。音乐表演学生只有具备了扎实的音乐理论知识才能很好的去理解音乐。音乐是时间的艺术,流动的艺术,情感的艺术,《中国大百科全书.音乐舞蹈卷》中对音乐的解释:“乐是凭借声波振动而存在,在时间中显现,通过人类的听觉器官而引起各种情感反应和情感体验的艺术门类。”这充分说明音乐是通往心灵的情感艺术,是构建心灵与外界交流的桥梁。音乐作品的深刻内涵需要表演家去揭示,去实现音乐作品的功能和价值。这也就说明音乐表演的学生需要有好的理论基础才能更好的去诊释音乐。作品中除了旋律音调外,作曲家对音乐的力度、速度、表情等有着许多提示,这都需要演唱(演奏)者去细心的体会和处理。一切音乐表演的技能技巧都是为表现音乐作品内容服务的。因此,要求对音乐表演生必须实施与音乐理论知识的交融教学,这是音乐表演专业教与学的基本原则。
二、音乐表演专业教学重技能轻理论的成因
虽然在音乐院校教学中音乐表演技能技巧教学与音乐理论的授课手段和方式方法在不断的改进,虽然很早就喊着要提高学生的综合素质,但对很多音乐院校音乐表演学生来讲,普遍存在着学音乐就是单纯学习歌唱的技巧或者学习乐器演奏的技巧的思想。认为一个声乐专业的学生只要有一幅好嗓子,有了很好的歌唱技巧,能够演唱高难度的歌曲就可以了,就算是有演唱水平了:学习乐器的学生则认为只要把乐器的演奏技能技巧学好,能够演奏高难度的乐曲就算学好了。这种狭隘的、错误的认识,导致学生对音乐理论知识学习不够重视,影响了对理论知识的认真学习。有的声乐专业学生不但连基本的伴奏都无法完成而且对歌词和旋律的结合的基本规律,对歌曲的曲式结构,歌曲的音乐形象与表达的思想都不是很清楚。器乐专业的学生具有了一定演奏技巧,同样存在对作品的历史背景、结构,主题思想等不明确,不能很好的去诊释作品的内涵。这种现象有越来越严重的发展趋势。
本来在各音乐院校中,音乐表演专业的培养方案,都较全面的开设了音乐史论、作曲理论知识课程来提高学生的综合素质,但关键是对音乐表演专业方向技能课与其他音乐理论学科之间的关系认识不够,协调不好。不但没有很好衔接,造成严重的偏科,有的甚至厌恶对音乐理论知识的学习。对于师范类音乐专业培养的学生更应该是一专多能,多能就是较全面地学习掌握各种音乐知识和技能。笔者通过观察,对身边同学的了解是音乐表演技能与音乐理论知识无法融会贯通,而是脱节,违背了师范院校的培养目标。音乐表演技能课教师也普遍存在自身音乐理论修养不高,无法将音乐理论知识融入技能教学之中。在极端重视技能技巧教学的情况下,忽视或轻视音乐理论的融入。由于学生和教师双方面的种种原因,产生了音乐表演专业学生的学习不能够与音乐理论知识很好的融合。这样培养的音乐表演学生没有良好综合音乐素养,学生没有理论知识的支撑,也难于多元发展,更成不了高素质的表演人才。
三、音乐表演教学与音乐理论知识交融的思考
要想在教学中把音乐表演技能技巧教学与音乐理论教学很好的协调统一起来,首先必须提高学生和教师的认识,即认识到音乐理论知识对音乐表演学习的重要性。完成一个音乐作品的演唱或演奏,首先应对音乐作品进行认真的分析研究,全面认识和掌握作品的思想内涵是表演的前提。设想如果让表演的学生在演唱、演奏作品前,用学生掌握了的音乐理论知识,去分析研究作品的主题,理解音乐的情绪和内涵,再通过试唱、试奏进行初步体验,我相信学生会有不同的感受和收获。同时还能激发学生的积极性,让兴趣成为最好的老师。通过这种学习方式,打消音乐表演学生对学习音乐理论知识感觉枯燥乏味的认识,使各科目知识在学习中相互内化和迁移。在教育心理学中强调学习迁移的重要性,所谓迁移是已经获得的知识、动作、技能情感和态度等对新的学习的影响。简单地说是一种学习对另一种学习的影响。
二、以人为本,改良教学手法
1.将情感融入舞蹈组合表演
舞蹈不单单是动作,它是有生命的,是在感情的驱动下进行表演的艺术方式。情感是舞蹈的灵魂,但在往往教师在舞蹈训练中,注重技能技巧的训练,忽视了情感,使得90%的音乐不愿意学习舞蹈。在教学中,我用主题形象明确的动作,配以相适合的音乐,参考各班学生程度、动作难度、节奏速度等元素,进行组合编排。在学生一开始进行动作学习时,不强调动作的规范,要求动作与音乐相符,带着情感,通过眼神,将动作表达得更情绪化。在教学内容编排上,我关注学生的兴趣点,只要她们喜欢,我都会将素材编入组合,如爵士舞、街舞等节奏强烈的元素,由于组合编排难易适中,又是学生感兴趣的,适当降低了学习难度,极大地提高了学生的学习主动性和艺术表现力。
2.通过项目化教学提高学生的专业技能
项目化教学最直接的方式就是剧目排练,在课堂中通过排练,学生的舞蹈表现力得到提高,培养了自信心,增强了自信,为了跳好舞蹈,学生开始利用课余时间进行舞蹈练习。在教学中我常常遇到这种情况,不论如何启发和演示,学生也尽力按要求去表现,可是感觉还是达不到要求,事倍功半,但换一种方法,让学生通过思考想象,把舞蹈动作进行二度创作,往往这种情况下,学生的感情投入了,表情到位,一下就找到了舞蹈感觉。因此,项目化教学的开展,不同舞蹈剧目的排练,给学生提供了表演的机会,表演者对舞蹈的思考,使舞蹈从外在表演转换为内化表演,达到了质的飞越。
高校音乐表演专业的学生从钢琴专业技能基础的角度讲相对较弱,专业素质良莠不齐,这种欠缺在非钢琴专业的学生身上体现得更为明显,针对这种情况大多数高校在4年学制的基础上对非钢琴专业的副修生开设了2年的钢琴表演课,钢琴专业主修生开设3到4年的钢琴表演课。由于受教育经费及各科课程安排等因素的影响,非专业学生一周的钢琴课时一般为20———40分钟,钢琴专业学生则为80分钟。结合学生的情况与专业课程种类来看,这样的专业课程显得单一化,专业小课课时量也可根据学生具体情况做适当调整。
(二)课程设置与培养目标的距离
高校音乐表演专业的培养目标依据学校层次的不同存在一定差异,但大都建立在培养应用型人才为目标的基础之上,要求其毕业生能够在学校、艺术团体、文化馆等工作单位上担任表演、教学、组织管理等工作。具体到钢琴课的培养目标则细化为主修生应具备一定的独奏能力与较好的钢琴配弹伴奏能力,副修生要求除了具备一定的钢琴基本演奏技巧以外更着重培养钢琴伴奏与视奏能力,说到主修生的独奏能力,不同层次的学校对其界定也不同,有的更为专业化,有的则更注重培养学生的综合能力。再者,同一专业的学生在专业素质上存在的差异也会影响对课程的需求,例如专业水平相对较好、程度较深的的学生往往对专业课的课时量有更大的需求。在培养目标设立之初或多或少忽略了在教学过程中面临的教学对象、专业化要求上的诸多差异,其培养目标只能通过每周一次的钢琴专业小课来实现。这样的课程设置与其对应的基本的或者跟高层次的培养目标来看,存在着不合理性。
二、对改革现状的思考与建议
(一)课程设置的多元化
首先,从课程设置上讲,针对不同专业水准的主修生在原有专业小课的基础上可增设钢琴专业选修课,此课程可对程度较深,专业素质良好的学生开放,学生可结合自身的课程安排以及学习需求自由选择。这样做既能达到对于主修生有一定独奏技能的一般教学目标,又能为肯深钻的学生提供更高的平台,教师也有更大空间对不同专业水准的学生因材施教,是促成更多教学成果形成的重要条件。对于副修生可开设伴奏实践课,虽然有些学校也开设钢琴即兴配奏课,但大部分学生甚少有舞台伴奏的实践机会,学生通过钢琴小课学习的基本演奏技巧在伴奏实践课中得以体现和巩固,同时增加其舞台伴奏经验。
(二)加强学科间的联系
要演奏好一首作品除了要有能胜任作品难度的钢琴技巧以外,还需了解作品的创作背景,作曲家的创作意图,时代的风格特征,作品内部的和声音响,曲式结构等等,因此,钢琴课绝对不能是纯粹的技能教授课,要求学生对其在音乐史、复调、曲式分析、和声等相关课程中所学到的知识进行整合,对演奏曲目做力所能及的分析与理解。在钢琴课上强调学科间的联系不仅能让学生将所学的理论知识运用到钢琴课这门实际操作性极强的学科中,更能培养他们对音乐整体性的感悟力,从而使其能合理运用科学的办法独立把握和展现钢琴作品。
(三)优化师资队伍
钢琴教学是一项专业性与实践性极强的工作,除了注意调整课程设置与加强学科间的联系等客观因素,教师本身的专业技能与教学经验是影响教学成果及教学质量的主观因素。优化与建设师资队伍是学科建设中的重要工作之一。一方面学校可根据师资情况引进富有教学经验、有学术权威的高职称教学人员,另一方面可对现有师资进行整合,结合办学条件为在岗教师提供继续教育与钢琴专业技能进修的机会,以及完善合理的教师教学水平及专业技能测评的考核机制,帮助及监督在岗教师提高自身的专业素质,从而提升办学质量。
二、高职音乐表演专业毕业生自主创业中存在的问题
1、高职音乐表演专业毕业生综合素质不足
所谓的综合素质在这里主要指的是学生在年龄、资金、社会经验、综合知识等方面的原因,在刚刚毕业的几年中很难将这些突破。比如说在创业初期的资金,对于一个刚刚毕业的大学生,他很难筹集到自主创业所需的启动资金;再比如学生的综合素质方面,因为中国的教育方式,学生在毕业前几乎都没有涉足于社会,在创业思路上不够开阔,创新的意识不强;还有学生在创业方面没有经验,所谓的经验都是一些教课书中的知识,在创业中不能将理论运用到实践中去,遇到问题时会不知所措。对于音乐表演专业的学生而言,在校期间主要专注于专业技能的培训,学生平时的学习主要是一些象声乐、器乐、舞蹈等等的专业课程,对于综合素质方面可以说是非常缺乏的,比如管理、投资等等方面的知识几乎不知道,在毕业的创业中这些都要从零开始学习了解,所以这就大大制约了他们的自主创业。
在学校中设立了一些关于学生就业的相关课程,但是对于自主创业的专项课程并不是很多,这样导致少数自主创业的学生都是在自我摸索中进行着,没有目标性。学校应该开设专门的自主创业培训课程,配备有经验的就业指导教师,系统地对学生的创业能力、思维意识、创业方向等等进行培训,使学生在自主创业中不再盲目。同时学校应该设置一些创业实践活动,让学生在学校期间就能够有一个创业的空间,培养和锻炼学生的自主创业能力。为学生毕业后进入社会自主创业打下基础。
三、推动高职音乐表演专业毕业生自主创业的对策建议
1、树立创业意识
对于高职音乐表演专业的毕业生,因为他们在专业技巧上不及本科毕业的学生,那么进入一些专业团体的就业几率较低,大部分学生在毕业后都放弃了所学的专业从事了其他专业。其实,在社会上还是有许多事业单位需要高职音乐表演专业的毕业生。比如:艺术培训机构、演艺公司、婚庆公司等等,这些都是比较好的创业方向,那么对于高职音乐表演专业的学生在校期间就应该让学生树立一些创业的意识,做一些创业规划,通过几年的学习为此而奋斗努力,在毕业后逐步去实施。
(二)有利于陶冶学生情操。通过教学模式创新,能促进音乐表演艺术各项活动有效开展。为学生提供丰富的情感体验,陶冶学生情操。促进学生综合素质提升,也有利于学生身心健康和全面发展。(三)有利于提高学生审美能力和综合素质。合理组织相应的教学活动,能带给学生审美体验,让学生更好领悟音乐表演艺术的美,增强学生审美情趣,提高学生审美能力。另外还能提高学生人文素养,促进学生综合素质提升,这对学生今后学习和就业都具有重要作用。
二、音乐表演艺术教学模式的创新与实践的探索
(一)创新教学方式方法,激发学习热情。教学中要根据教学内容,结合教学目标和任务,创新教学方法,引起学生学习兴趣。还可以在多媒体辅导下,让学生对动作要领有更为全面、深刻的了解,引导学生进行实际表演,熟练掌握演奏技巧。条件允许的话,可以组织学生到艺术院校观看表演、彩排等,让学生对基本功和教学内容有更为深刻的认识,提高学习效率。教学中要注重合作学习法、情境教学法、参与式教学法等方法的应用,调动学生学习兴趣。让学生在这些活动中掌握动作要领,更好表达情感,促进教学效果提升。
(二)合理组织课堂活动,提高参与程度。教学中为学生提供上讲台的机会,让学生展示自我,在展示自我的同时认识不足,不断进步和提高。要根据音乐表演艺术教学具体内容,合理组织课堂活动,提高学生参与程度,让学生在参与活动中得到锻炼。活动的形式是多种多样的,例如,让学生单独表演,将学生分成不同小组进行分组表演,班上同学集体表演等。通过这些活动,让学生接受锻炼,明确自己的不足,并根据同学和任课老师的建议,改正自己的缺点,促进学习效率提升,也为以后表演和参加实践活动奠定基础。
(三)注重实践锻炼,提高学生表演技巧。进行实践锻炼,加强音乐表演艺术的交流与合作是十分必要的。任课老师要调动学生学习热情,组织学生进行表演,参与实践锻炼。在这些活动中加深对教学内容理解,掌握动作要领,提高教学效果。要注重加强与其他学校的交流,相互学习和相互进步,不断提高表演技巧。鼓励学生参与音乐表演艺术学习兴趣小组,定期对组员进行培训,并开展演出活动。在学院和学校组织大型音乐艺术表演活动,扩大影响力,让学生在实践中得到锻炼,促进教学质量提升。
(四)重视教材编写,更好指导教学工作。任课老师开展教学时,也要注重教材编写工作,加强科研,对教学理论进行探讨,以更好指导课堂教学。教材要注重紧跟时展步伐,更新和完善内容,加入少数民族音乐表演艺术、国外音乐表演艺术等内容,完善教学内容设置,为教学工作顺利进行奠定基础。可以开设选修课,将理论学习、音乐艺术欣赏、音乐艺术表演等实践教学联系起来,让学生更好感悟到音乐表演艺术的魅力,提高学习效果。
(五)提高教师素质,注重师资队伍建设。引进专业基础扎实、思想观念先进、表演技巧强的高素质教师队伍,提高任课老师素质,为顺利开展教学工作创造便利。重视对任课老师的培训,让他们以对外交流学习、进修、访问等方式,更新教学思想观念,接受新的教学方式方法,有效指导教学实践。另外,任课老师也要加强学习,不断充实理论知识,提高表演技能,课堂组织能力,科研能力等。促进自身综合素质提高,更好开展音乐表演艺术教学工作。
表演者的情绪状态是一项非常复杂的综合心理活动。其中,情感与理性认识的有机统一,表演时的感受、当场想象力的发挥以及临场心理素质等方面的把握、调节与控制,在这个复杂的表演过程中,情绪状态无疑起着非常重要的作用。所以充分地认识和理解音乐表演的心理活动的特点,能够增强表演者的音乐表演实力。
表演实践,是表演技巧及感情相结合的具有创造性的音乐活动,它是以表演者的心理活动为基础并受这种心理活动的支配的活动,除了需要饱满的状态、良好的身体状况和系统细致的专业训练、生理肌能外,更重要的是要有稳定的心理素质,即:情绪状态。作为表演者,他起着桥梁作用(是音乐作品与听众之间沟通的桥梁),音乐作品进行二度创作者。音乐表演的实践与表演者表演时的情绪状态有着重要的关系。需要涉及到表演者临场表演的表演时的感受、当场想象力的发挥以及临场心理素质等方面的把握、调节与控制。下面就这几点谈谈自己的心得体会。
1 投入的情绪状态
任何的演唱或演奏过程都是一个审美的过程。音乐是流动的,表演者当时的情绪状态直接作用于实践的效果。表现的好的表演者能使听众在欣赏过程中感受音乐之美、获得听觉意象,从而引起人们的形象思维。使人身临其境,心灵与音乐沟通。表演者的表现最终体现于音乐表演实践。要想有很好的实践效果就必须有很好的情绪状态。因此这次写作得目的是从音乐表演者的心理人手,分析表演过程中的心理活动与音乐表演实践的关系,从而提高音乐表现力。音乐是一种表情的艺术.只有单纯的音乐是不能够感染人的,给音乐加上感情然后通过情感把它表现出来会有美的感觉。也可以说:音乐本身是骨架,而饱满的情绪状态才是灵魂。情绪状态是看不见的、抽象的,它只能通过听觉来感受;通过表演者的有情绪的音乐表现力来引起听众与表演者的共鸣。作为音乐表演实践,目的是为了表现完美的音乐思想和情感内涵,表演者只有投入自己的真实感情,将这种感受融入到音乐表演中去,才能真实、生动地表现和再现音乐思想和情感内涵;情绪状态不够,作品显得没有生命力,但情绪状态表现得过分冲动,失却了理智,又影响音乐表演的完整性。这二者互为矛盾.在音乐表演中就存在有“形式派”和“激情派”之分。“形式派”则往往只对乐谱感兴趣,而“激情派”对作曲家、时代背景、自身感受等都非常关注。这两种表演者各有所长,又略显极端,应相互吸收,取长补短,那必将大大有利于音乐表演的成功。
作为表演者,我认为应该在音乐表演中投入自己的真情实感,并且把这种情感与音乐作品中的情感内涵融为一体,先打动自己,便能打动听众,引起与他们的共鸣。正如德国音乐家巴赫所主张的“音乐家除非自己也受感动,否则就不能感动别人,他必须感觉到他想要在他的听众中引起的一切效果……”。可见,表演者必须把自己的真实感情投入到音乐表演中去.才可能真实、生动地表现所演唱或演奏作品中的情感内涵,并使听众也受到同样的感动。当然,音乐表演的情感投入,是建立在对作品有充分理解的基础上的。
2 音乐表演中的形象思维
形象思维是音乐表演过程中的一个重要因素,它是一种敏感的、直接的、不依靠语言概念而领悟音乐的能力,也就是我们通常所说的音乐感觉。著名的大提琴演奏家卡萨尔斯就曾说过:“据我所见,直接感觉是,而且永远是作曲和表演的决定因素,而理解和技术也起着重要的作用……。然而.直接感觉才是创作的决定因素,真正赋予音乐以生命力的是音乐的本能。”他所讲的,正是音乐表演中的感觉,这是一种对处于运动形态音乐的直接把握能力,也就是运用内心听觉,构想音响运动图像的能力。音乐表演中所体现的这种本能我想把它叫做直觉,就是能够感觉到声音的美,直觉是获得美的音乐表演的基础。有了这个基础,在音乐表演的实践过程中有意识地去培养、锻炼、发展、提高,进行严格的基本功训练,真听、真看、真感受这样才可能全面提高音乐表演者的表现能力。
学生姓名:
系别:音乐系
专业:音乐学
指导教师:
年月日
一、综述国内外对本课题的研究动态,说明选题的依据和意义:
音乐表演是音乐存在的活化机制,无论在任何音乐行为方式中,音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动,而是通过内在的情感动态形式的注入,引起深层心理体验,赋予无生命的形式以生命的活力,给人以人性的体验。音乐表演的二度创造,就是通过表演者对音乐的理解、投入感情,再次赋予音响的动态结构以生命的形式,即充满着丰富情态意味的音乐运动。
二、研究的基本内容,拟解决的主要问题:
主要内容:
音乐是一种表演艺术,在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同,他必须通过表演这个环节,才能把艺术作品传达给欣赏者,实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要,使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出,挥之即去,达到挥洒自如、变化有序的境界,真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子,同时它又是经过提炼,升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说,只有这种艺术化了的情感,才是音乐表演所需要的。
主要问题:
1、什么是音乐表演艺术及意义。
2、音乐的表现与精神性内涵。
3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。
4、音乐表演的情感体验——投情。
5、音乐表演—赋予情感以生命。
6、音乐表演中审美情感的体验。
7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排:
步骤:
1﹑大量阅读古筝方面的文献和著作;
2﹑找出有价值的课题;
3﹑依据论题精确寻找相关资料;
4﹑论文撰写;
5﹑在老师的知道下进行修改;
6﹑定稿并准备论文答辩。
措施:
1﹑在图书馆和上网查阅相关资料文献;
2﹑真理原有资料;
3﹑请教知道老师,与同学交流探讨本论题。
进度安排:
1﹑XX年11月-12月初:查阅相关的资料;
2﹑XX年12月中旬:确定选题;
3﹑XX年12月底:写开题报告并准备开题答辩;
4﹑XX年1月-3月:开始正文协作,完成初稿;
5﹑XX年3月-4月:修改完善文稿;
6﹑XX年5月:论文答辩。
四、主要参考文献:
[1]王次沼著:《音乐美学通论》人民音乐出版社
[2]修海平罗小平著:《音乐美学基础》上海音乐出版社
[3]苏珊郎格:《情感与形式》中国社会出版社
五、指导教师意见:
签名:
学生姓名:
系别:音乐系
专业:音乐学
指导教师:
年月日
一、综述国内外对本课题的研究动态,说明选题的依据和意义:
音乐表演是音乐存在的活化机制,无论在任何音乐行为方式中,音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动,而是通过内在的情感动态形式的注入,引起深层心理体验,赋予无生命的形式以生命的活力,给人以人性的体验。音乐表演的二度创造,就是通过表演者对音乐的理解、投入感情,再次赋予音响的动态结构以生命的形式,即充满着丰富情态意味的音乐运动。
二、研究的基本内容,拟解决的主要问题:
主要内容:
音乐是一种表演艺术,在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同,他必须通过表演这个环节,才能把艺术作品传达给欣赏者,实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要,使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出,挥之即去,达到挥洒自如、变化有序的境界,真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子,同时它又是经过提炼,升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说,只有这种艺术化了的情感,才是音乐表演所需要的。
主要问题:
1、什么是音乐表演艺术及意义。
2、音乐的表现与精神性内涵。
3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。
4、音乐表演的情感体验——投情。
5、音乐表演—赋予情感以生命。
6、音乐表演中审美情感的体验。
7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。
三、研究的步骤、方法、措施及进度安排:
步骤:
1﹑大量阅读古筝方面的文献和著作;
2﹑找出有价值的课题;
3﹑依据论题精确寻找相关资料;
4﹑论文撰写;
5﹑在老师的知道下进行修改;
6﹑定稿并准备论文答辩。
措施:
1﹑在图书馆和上网查阅相关资料文献;
2﹑真理原有资料;
3﹑请教知道老师,与同学交流探讨本论题。
进度安排:
1﹑XX年11月-12月初:查阅相关的资料;
2﹑XX年12月中旬:确定选题;
3﹑XX年12月底:写开题报告并准备开题答辩;
4﹑XX年1月-3月:开始正文协作,完成初稿;
5﹑XX年3月-4月:修改完善文稿;
6﹑XX年5月:论文答辩。
四、主要参考文献:
[1]王次沼著:《音乐美学通论》人民音乐出版社
[2]修海平罗小平著:《音乐美学基础》上海音乐出版社
[3]苏珊郎格:《情感与形式》中国社会出版社
五、指导教师意见:
签名:
1.音乐专业毕业论文的选题可以根据自己的实际情况,结合自己的专业所长,选择适宜自己完成的论题。
2. 音乐专业毕业论文的选题一定要具有一定的理论意义和实用价值。符合本学科的理论发展解决学科建设、科学发展的理论或方法问题,要有一定的科学意义
3. 音乐专业毕业论文的选题一定要难易适度、大小适中如果论文题目的研究范围太大,将不适宜学生在短期内完成
4. 音乐专业毕业论文的选题在确定过程中,既要考虑论题的创新性、严谨性还要考虑论题完成的可行性。
下面为大家推荐几个音乐专业毕业论文的题目,希望对大家有所帮助。
1. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力
2. 作曲技术理论与音乐表演理论研究
3. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系
4. 通俗音乐现状及发展趋势研
5. 论钢琴演奏中的放松问题
[Abstract] No matter perform music or appreciate the music, all of us need a musical image to rely on . Every melody have it specific picture, these " picture" what mean is musical image, these images are all abstract, the imagination of persons who must depend on appreciating depicts the touching , concrete image in the heart, key lie in performance of performer, turn can look at the audible imaging direct into indirect image music book offer. The performance, which produce the resonance between player and audience, can be called the real art.