音乐心理学论文大全11篇

绪论：写作既是个人情感的抒发，也是对学术真理的探索，欢迎阅读由发表云整理的11篇音乐心理学论文范文，希望它们能为您的写作提供参考和启发。

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二、音乐表演中的想象

想象是音乐表演中的另一个心理要素，它使人在音乐原有的理性和感性的认识上，经过重塑而构成新的音乐形象。这个过程给予了作品崭新的生命力，它不仅将原作再现，而且还将其创作给予独特性，使音乐作品有了新的色彩。表演者想象得越丰富，作品中心思想就会展现得越清楚，观众的感受也会越深刻。音乐表演中的想象包括对场面环境的想象，也包括对作品所持有的精神气质和内在情感的深刻领悟。例如在歌剧《原野》中，有一首声乐作品是《啊！我的虎子哥！》，在表演过程中表演者要以金子的身份融入到剧情之中，展现出对虎子哥敢爱敢恨的情感，将作品完美的展现出来，引起观众的共鸣。想象是音乐表演心理要素中的关键，我们要充分发挥这一重要要素并运用到音乐表演中，使音乐表演富有生命力，感化观众。

三、音乐表演中的临场心理调控

（一）全神贯注的投入

音乐表演的时候不需要我们再考虑什么地方该改动，攻克哪些技术难关，此时要做的事情就是全身心的投入到音乐表演本身，将自己平时练得东西发挥出来展现给观众就可以了。临场表演时我们平时对作品的研究和所获得的各种感受都已经潜移默化的印在了我们的脑海中，是这种潜在的东西支持着表演过程。全神贯注是保障音乐表演顺利完成的重要心态之一，如果左顾右盼只会给音乐表演现场带来消极的影响。训练全神贯注最方便的一个方法就是，音乐表演者把平时的每一次训练中都当成演出对待，这样在正式演出的时候，做到全神贯注也就不是那么难了。

（二）情感的自然流露

情感的自然流露要求表演者在表演过程中把音乐情感发自内心的自然而然的流露出来，使听众或观众的感觉很舒服，而非刻意模仿。情感的自然流露可以使表演者和听众达到水融的状态。要做到音乐表演的自然流露，需要表演者具有一定熟练的表演技巧、至高的精神境界和艺术修养，真正的把音乐融汇于心，使音乐从心中自然的流淌出来，最终使音乐作品的演绎达到一个更高的境界。

（三）调节和克服怯场心理

音乐表演在上场前通常会出现紧张和怯场心理现象，而临场表现恰恰是决定音乐表演质量的最关键时刻，克服怯场心理，我们需要做到以下几点：

1.客观的态度。根据自己的实际情况，摆平自己的位置，不要想着一鸣惊人，这样不但无形中给了自己巨大的压力，而且还有可能导致发挥不正常。我们应把心态放正，音乐表演不仅仅是表现自己，更重要的是表现音乐，只有这样才能使自己全身心的投入到音乐表演中，竭尽所能的表现音乐作品，争取最好的表演效果。

2.自信。自信在音乐表演中尤为重要，是充分表达情感和演唱效果的前提。表演中面对台下的观众应做到“眼中无人、心中有人”的境界。自信是做任何事情成功的前提，如果连自信都没有，又何来勇气去完美的展示自己。当然建立自信也是需要一定基础的，对于表演者来说需要对作品进行充分的练习和熟练把握。另外还要看到自己的优势所在，扬长避短，将自己优秀的地方淋漓尽致的发挥出来，从容的完成作品表演。

3.娴熟的技巧。表演者要做到熟练掌握相关技巧，表演时便可水到渠成。古人说“艺高人大胆”肯定有其中的道理。我们只有在具有充分的实力的前提下才能做到无所惧怕。所谓“台上十分钟，台下十年功”，我们要在演出前反复的练习作品，这样在表演中就不会害怕，可以更好的做到用表演取悦观众，用情感感染观众。

4.经常的演出实践。经常的演出实践可以使表演者不再畏惧台上和台下的感觉，不再畏惧观众多与观众少的落差，演出的次数越多，表演者在舞台上整体形象和演出效果就会越好。另外，音乐表演和人体的生理也有一定的关系，经常演出可以学会如何在演出中处理自己身体的不适，将演出的负面效果降到最小化；经常的演出实践还可以帮助我们学会及时应对演出中的突况，这也是减少和避免临场紧张的解决方法。如果音乐表演者能够做到以上几点，那么在表演时的紧张和怯场心理会减弱，这对于确保音乐表演的完整演出是至关重要的。

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二、利用音乐课堂培养小学生正确的人生观和价值观

大多数人对音乐天生就有兴趣，小学生也是一样，他们爱唱歌、爱跳舞，对一切充满好奇和希望。音乐老师抓住这些特点，在音乐课中选取一些能激发学生热爱生活的歌曲，或者开展一些有意义的音乐活动，让小学生在快乐的歌声和趣味盎然的音乐活动中，形成活泼开朗、积极向上的健康的心理素质。例如，在教唱《让我们荡起双桨》这首歌曲时，在教会学生如何识谱、如何打拍子的同时，我还通过这首歌醉人的旋律和令人奋发向上的歌词，去激发他们对生活的热爱、对理想的追求，进而培养他们树立正确的人生观和世界观。在低年级学生中，边用音乐伴奏，边让学生做游戏，老师带领学生玩捉迷藏、老鹰抓小鸡，甚至是玩过家家，营造一种快乐而又和谐的氛围，既让学生们感受到了音乐活动的趣味无穷，又让他们觉得集体生活的无比快乐，从而形成健康良好的个性，树立起正确的人生观和价值观。

三、利用音乐课堂培养小学生的自尊心

具有强烈的自尊心和自信心同样是小学生健康心理素质的一个重要表现。它不仅关系到小学生自身的健康成长，还会影响到整个民族素质和国家形象。现在的孩子大多是泡在蜜罐中长大的，为了满足自己的需求不择手段，甚至打诨耍泼的事都做得出，不达目的不罢休。音乐教育可以帮助小学生懂得什么是廉，什么是耻；哪些事可以做，必须做，哪些事不能做，不该做。每一级学生，我所教的第一首歌曲就是《中华人民共和国国歌》。我把这首歌的旋律、歌词的内涵详尽地诠释给他们，告诉学生一个民族、一个国家、一个人都要自尊自爱自强，才能立足于世界。现在，科学技术飞速发展，国际竞争更加激烈，为了捍卫祖国的尊严，首先自己要有良好的心理素质，要有强烈的民族自尊心。

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二、高校声乐心理课程的教学性质

现阶段的专业音乐教育被分为了三类，一类是师范院校的音乐教育，一类是学院的音乐教育，还有一类是综合性大学的音乐教育。通过对三种类型的比较我们可以知道，音乐教育的特点就是每一个学生的音乐教育，音乐院校的教育理念就是培养专门从事音乐的专业性人才，而师范院校的影月教育理念则是为了培养中小学的音乐教师而定的，综合性大学的音乐教育则是面向非师范类的音乐专业学生，其实不管是哪种院校的音乐教育，其最终目的都是为了能够有效地提高大学生的整体素质，培养学生的审美能力。

三、高校声乐心理教学实施的意义

（一）能够满足大学生自身的需求

随着人们对声乐教育作用的不断加深，学校的教育也从应试教育转变为了素质教育，使得声乐教育呈现出了快速发展的势头，校园的艺术文化活动也随之出现，比如说在校园中出现的校园歌手之类的声乐比赛，这些比赛的出现让大学生参与声乐教育的积极性变强了，歌唱成为了高校学生音乐活动的主要形式，但是我们在实际的参与中发现，能够真正参与声乐教学的学生是很少的，基于此种情况，在高校中开设声乐课程是非常有必要的，这一课程的开设可以让大学生更加深刻地了解自身内心的需求。

（二）能够提高大学生的审美能力

大学生都是积极乐观、激情四射的。他们对很多事物都是抱着好奇的心态，可以说这一阶段正是培养学生审美观最关键的阶段，而声乐艺术则是通过聆听来实现学生的审美感知的，当人在欣赏音乐的时候会将自己精神融入其中，充分地感受音乐带来的魅力，欣赏音乐是审美的前提，而欣赏音乐这一活动也正是人心里活动的一个体现，高校的声乐心理教学正是从心理因素这一方面去引导大学生，从审美的角度来塑造不同的学生音乐性格，这样不仅能够培养学生对歌唱的审美能力，而且还能够促进审美的外部感受。

（三）能够提高大学生声乐的学习能力和表演能力

歌唱的情感表现是声乐学习的有效途径，我们可以根据大学生学习前和学习过程中的心理变化来及时有效地调整学习的方法和技巧，调动学生自身的学习能力，与此同时，声乐心理教学的应用对高校大学生的学习是有很深影响的，表演的过程需要声音和表现能力的有效结合，也是一种内外部力量的结合，这个结合的过程其实就是声乐心理教学的心理过程。

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二、在音乐教学中创设有利于培养学生创新能力的适宜环境

在音乐教学中教师应该创设生动有趣的创新活动，可以充分挖掘学生的艺术创新潜能，可以让学生根据自己平时在课堂上学到的音乐知识和技能，来对作品进行分析和理解，充分调动学生的学习兴趣和创新潜能，使音乐课堂更有学习氛围和活力。在实际教学中，教师可以根据教学内容，对教室进行精心设计，使学生很自然地融入到了音乐的海洋里，激发学生的想象力，让学生进入音乐创新的状态。丰富多彩的课外音乐活动，为每一位学生提供了自己喜爱的课外音乐活动项目的机会，满足了学生进一步学习音乐的欲望，发展了学生学习音乐的兴趣，促进了学生的身心健康，使学生的课余文化得到了充实，所以音乐教师可以拓展音乐教育空间，组织课外活动。通过课外活动可以让学生根据自己的特长和爱好参加自己喜欢的活动类型，让学生没有了课堂的束缚，使学生可以大胆的、自由的、自信的进行自我展示。因此，音乐课外活动更能激发学生的创新潜能，更能彰显学生的个性创新魅力。

三、在音乐教学的创作活动中培养学生的创新能力

教师在给学生选择创作内容时，教师一定要根据学生的学习特点、生活经历和学生的心理特点来适量的给学生选择创作的主题。如果学生创作的主题为学生所熟悉的内容或素材选自学生们的生活，这样就会很容易的激起学生的思维，激起学生的灵感，这样才可以很容易的让学生找到创作的思路，更加容易的激起学生的创新思维。学生在进行创作之前，教师准备一些作品为学生进行示范和作品分析，从而让学生学习到更多的创作表现手法。音乐创作不是凭空想象出来的，只有灵感是不够的，学生必须掌握创作的技巧，这样学生的思维才能更广阔。比如，教师再给学生讲解“重复”创作的手法时，教师可以列举出这种风格的音乐作品，然后为学生进行分析，让学生在作品分析的过程中学习到“重复”的创作手法。如《走进新时代》（旋律节奏重复）、《映山红》（旋律重复）等，学生通过作品分析来掌握“重复”的创作手法，学生学会了这些创作技巧后，才可以自由的进行音乐创作和创新。

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音乐新课程的核心目标是通过音乐教学丰富学生的音乐情感体验。而当情感体验积累到一定程度时，便会上升为审美情趣，最终通过审美达到育人的目的。因此，教师应善于从情感的视角，创设音乐审美情境，融情感化与审美化为一体，使学生在最短的时间内进入音乐课堂教学的最佳状态。

一、新课程音乐教学理念

我国站在音乐学科本体这个角度，按经济合作与开发组织教育研究中心的精神将音乐教育课程定义为包含教学目标、教学内容、教学方法、教学活动及评价方式等等在内的各种范畴的总和。我国21世纪基础音乐教育课程改革主要是以这个定义为逻辑起点进行各方面的展开研究的，是一次从理念到实践、从宏观到微观、从管理到实施的彻头彻尾的深入式改革。它反映了新世纪我国社会发展和人才培养的需求，融会了多年来广大音乐教育工作者在教学和课程理论方面研究和总结的新理论、新成果。一方面，教师在教学活动中实行的礼仪及符合审美规范的仪表、姿态、举止等应恰到好处，充分展示音乐教师的审美修养，给予学生优雅感，另一方面，教师亲切真诚的问候，简洁而具有启发性的谈话，激励性的话语，富有感染力的语调，精巧规范的乐谱，自信、幽默、真诚的气质，热爱生活、充满爱心、童心未泯、兴趣广泛的心理品质，以及学识基础，都会使学生在和谐愉快的氛围中产生音乐审美的渴望。因此，音乐新课程不仅指时间上的“新”，更是指一种“新”的课程理念和“新”的课程实施方式。

二、新课程音乐教学方法的创新

1、在合唱教学中培养学生的创新能力

合唱以它特有的美的方式，表达出丰富、生动的思想内涵。在普通高职的合唱教学训练中，教师首先抓好课堂上视唱练耳、节奏等各种基本功的训练，为合唱教学提供先决条件。在合唱教学的训练中，应坚持教师为主导、学生为主体、训练为主线、发展能力为目标的指导思想。合唱艺术有着极为丰富的艺术表现力和感染力，它能表现如诗如画的意境或史诗般的气魄，以及深刻的思想内涵，能培养学生的独立感、协调感、均衡感等综合音乐感觉，以及集体观念与协作精神，能让学生亲身感受多声部丰富美妙的音乐，体验音乐的无穷魅力，提高审美能力。合唱还能使学生最直接、最简便地走进音乐世界。参与合唱活动，既是合唱者欣赏感受音乐，又是合唱者(二度)创作音乐的过程，从而能够得到多层次音乐思维能力的培养。

2、利用电脑音乐培养学生的兴趣与创造力电脑音乐系统进入音乐教学领域必将对现行音乐教学的教学目标、教学内容、教学方式等诸多方面产生全方位的冲击，不仅可以激发学生的学习兴趣，还可以帮助学生更好地感知音乐。

传统的歌曲教学往往是教师弹琴、伴奏、范唱，学生跟唱、模唱的方式。尽管目前课程改革的大力推行让死板的教学方式有所改观，现在的歌唱教学可以有统一的教学参考磁带和教学用光盘课件，但并不足以吸引学生的眼球和冲击学生的听觉神经。利用Soundforge母带处理软件的音频采集、变调、速度变化等功能就可以轻松地解决这个问题。例如音乐教师可以利用课件进行二次创作。经过电脑音乐制作加工的音乐课件，丰富多彩，学生很快就能学会、学好，而且每次播放都有变化，给学生新鲜感，让学生的学习兴趣总保持在高涨的状态，对每一次的练习都很期待。

3、在声乐教学中培养学生的创新能力

声乐教学是一门复杂的艺术，也是一个不断变化发展的过程。声乐教学中，“创新”因素起着十分重要的作用。如何把创新因素融人“教”与“学”的过程培养学生的创新精神和创新能力，是每一位声乐教师肩负的重任。在声乐教学中。教师可以让学生为歌曲重新填词；可以让学生根据自己的想象，用不同的方法处理歌曲；可以由学生自己决定采用不同的演唱形式；甚至可以指导学生把某些歌曲加上少量对白。改编成有情节的音乐小品，等等。

在某种意义上，歌与舞是相互融合的，学生通过对舞蹈的视觉接触能认识和理解乐曲所表达的深远意义，学生还可以把自己置于舞蹈的氛围中，亲身体验音乐的美丽、歌舞的结合。欣赏歌舞也是理解音乐意义的重要部分，在音乐课堂上教师可根据乐曲内容需要，伴随音乐教学生一些动作，让他们在欣赏和被欣赏中融人音乐意境之中。:

4、在配器和表现形式上创造力的培养

为歌曲配上打击乐器，不仅可以烘托课堂气氛，更能表达歌曲气氛及内心情感，再通过几个简单的动作。更会把歌曲的情绪表现得惟妙惟肖。这样做也符合学生好奇好动的心理。对于一些情绪优美、抒情的歌曲，可先要求学生选适合歌曲伴奏的打击乐器，如三角铁、碰钟、铃鼓等，然后请学生为歌曲设计伴奏，并请他们考虑为什么这样设计。这样设计有什么好处等。《过新年》一歌，表现了过年时热闹、喜庆、祥和的场面和氛围。笔者先是询问学生每年的春节是怎么过的，学生马上想到了放鞭炮、踩高跷、扭秧歌、逛庙会等活动。加上歌词中出现了“咚咚咚”词语，学生听出这是锣鼓声，马上就想到《过新年》这首歌用打击乐中的锣、鼓伴奏再合适不过了。于是，他们便随着歌词中“咚咚咚”的出现，敲响了手中的锣鼓。笔者进一步启发学生，能否再创设一些过年的气氛。许多学生便主动要求到教室前面进行秧歌舞表演。他们手中拿着笔者事先准备好的彩带，边唱歌边随着节奏做着动作，仿佛是身着节日盛装的秧歌队正在翩翩起舞，生动地表现了歌曲的内容。

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一、正面影响

通常我们的教育者看待流行音乐多持否定态度，认为流行音乐对中学生的影响主要是负面的。事实上，流行音乐也有自身的优势，如果正确对待并稍加利用就会成为不可多得的教育资源。

1.丰富了中学生的音乐感知体验

中学生听音乐就是感知音乐的过程。音乐感知分为音乐感觉和音乐知觉。音乐感觉是音乐及其相关事物直接作用于人的各种感觉器官，在人脑中产生对音乐及其相关事物的个别属性的反映。音乐感觉使人能够认识到音乐的基本属性，如节奏、音高等。音乐知觉是直接作用于感觉器官的各种音乐信息刺激在人脑中的整体的反映。音乐知觉是在音乐感觉的基础上形成的，没有对音乐及相关事物的个别属性的反映，就不能形成对它的整体映像。在现实的音乐体验中，孤立的音乐感觉很少出现，人们总是以音乐知觉的形式直接感知音乐，音乐感觉只是作为音乐知觉的组成部分存在于音乐知觉中。音乐实践是形成音乐知觉先决条件，也就是说音乐知觉能力的形成有赖于多听、多体验音乐作品。在中学生日常生活的音乐体验中，流行音乐占有很大比重。流行音乐为学生们感知音乐提供了大量的素材，从与流行音乐的频繁接触中，学生们在感性的直观上获得了对音乐基本属性的认识。比方说，有些学生不太会识谱，也不能正确表述节奏节拍、音高的含义，但是他们却能较准确地唱不少流行歌曲，节奏把握得也不错。有些流行歌曲如R&B、摇滚等曲风的歌曲，音高和节奏都有相当大难度，但是学生在兴趣的引导下，通过反复模仿和练习也能够在整体音乐感觉上把握它。流行音乐还在相当大的程度上激发了学生们学习音乐的热情，让他们认识到了音乐的重要性，使音乐成为他们生活中不可缺少的一部份。可以这样说，流行音乐在很大程度上增加了中学生们接触音乐的机会，同时也为学生感受音乐、理解音乐、热衷音乐提供了丰富的感性材料。

2.为形象思维提供感性经验的支持

形象思维是以直观现象或表象为支柱进行的思维。艺术家进行创作的艺术思维中大量的是形象思维。文学家描述的栩栩如生的人物形象、画家描绘的逼真画面、音乐家塑造的动人场景，都是形象思维的结果。艺术思维是人类思维中的一种较高级和复杂的形象思维形式。

欣赏流行音乐是运用形象思维理解音乐的初级阶段，流行音乐可以唤起学生的感性经验，调动他们的形象思维，这些感性经验和思维能力的积累和整合又可以迁移到高雅音乐的欣赏中，由初级阶段向高级阶段发展。再者，欣赏流行音乐本身就是一个经验或体验积累的过程，当经验积累到一定程度听众会有意或无意地形成音乐要素与音乐形象或音乐内容之间的联结，比如强音让人感觉力量大或距离近，弱音让人感觉无助或遥远;欢快节奏与轻松活泼的情境相关;缓慢的速度与抒情、悲伤、沉思等情境关联:还有音色对塑造音乐形象的作用等。这些经验都有助于欣赏内容丰富、内涵深刻的高雅音乐。

3.有助于情绪情感的调节

为什么流行音乐可以帮助中学生调节情绪情感呢?其原因有四点。第一、流行音乐本身就是十分情绪化的音乐类型，绝大部分的流行歌曲都是以抒情为主要内容的。这是流行音乐能够和中学生产生心灵共振的根本原因，也是流行音乐有助于调节中学生情绪情感的前提条件。第二、流行音乐的题材贴近生活，特别是有些校园民谣写的就像是发生在身边的事，比如《朋友》、《相亲相爱》、《童年》等等。这些作品使学生感到亲切，能够与他们的心灵相通，可以释放他们的心情。第三、流行音乐通俗易懂，相对于高雅音乐，欣赏流行音乐无需付出太大的精力，所以在繁重的学习之余，它成了中学生们的消除紧张疲劳的“轻松剂”。第四、流行音乐形式丰富多样且琅琅上口，中学生们喜欢用唱流行歌曲的形式来表达自己的感受:有对友谊的珍惜，也有对生活的热爱;有幸福之情的流露，也有伤感的抒情;还有对神圣爱情的羡慕和向往。有些同学出于自尊或自信心等方面的原因，羞于用语言直接表达自己的情感，流行音乐更成了他们表情达意的好工具。另外，中学生的情绪情感还具有内隐性的特点，所以流行音乐在某些时候还被用来掩饰他们的内心活动。基于上述四种原因，我们可以这样认为:流行音乐有助于中学生情绪情感的调节。

二、负面影响

1.内容过于简单直白，不利于创造力的培养

在音乐欣赏的过程中，欣赏对象类型不同，想象的程度也会有差异。对于那些内容相对具有确指性的音乐作品来说，如歌剧、舞剧、影视配乐以至一般的歌曲，这类作品由于艺术构成中的场景、画面、情节及歌词等种种因素，给聆听者的想象提供了某种程度的规限性。这种规限性一方面给聆听者的想象指引了方向，另一方面又圈定了想象的内容和范围。材料越具体、内容越直白的音乐，对于受众的想象指向性就越明确，规限性也就越大，受众的想象空间就越小。反之，材料越抽象、内容越含蓄的音乐，对于受众的想象指向性越模糊，规限性越小，从而受众的想象空间就越大。

另外，想象还与欣赏者的欣赏水平、审美经验、文化素养等因素相关，要根据欣赏者的具体情况选择适合的作品。对于中学生来说，选择过于简单或过于复杂的作品作为欣赏对象都不利于想象力的发展。流行音乐大多配有歌词，还有很多根据内容制成了MTV作品，这些视听因素无疑能给欣赏者理解作品提供方便，但同时也在很大程度上限制了想象的空间。中学生正处于各种能力蓬勃发展的关键时期，长期偏爱流行音乐、忽视其它音乐类型的欣赏，不利于音乐领域中想象能力的培养，更不利于音乐欣赏能力的提高和创造力的发展。

2.某些作品容易加剧中学生情绪情感的不稳定和极端化

在流行音乐中，也有部分音乐表现了对社会的不满和反叛情绪。客观的说，这是一种社会现象，是某些成年人情感的宣泄，但对于情绪情感本来就不稳定、容易走极端的中学生来说，这些歌曲就成了“假恶丑”的诱因，成了情绪情感极端化的催化剂。有些同学在学习上遭受了挫折，学习成绩老上不去，同时还面临着家长、老师和班级环境的压力。在这种情况下，他的情绪情感开始动荡不安，意志力也经受着考验，如果他能及时调整变压力为动力，勤奋刻苦地学习，一段时间后，成绩进步了，不但精神愉悦，还获得了战胜困难的成就感。但是如果他意志不够坚定，同时又受到外界不良因素的影响，这时候就可能造成学生情绪的不稳定和极端化。

3.流行音乐的“文化效应”不利干中学生心理的健康发展

文化效应举例:近几年来类似于《超级女声》等平民选秀活动特别火爆，无论是参赛者还是观众，学生都是活动的主体。不少中学生逃课去参加比赛，希望有机会圆自己的歌星梦……

影响:中学生追星的原因除了发自内心的喜爱以外，还有个重要原因是歌星们幸运地过着他们梦寐以求的生活:前呼后拥光彩照人、金钱地位

名利双收等等。而且这一切似乎不需要付出太大的努力，往往是被星探相中然后重金包装就行了。同学们在羡慕的同时也会感叹:“我要能那样多好啊!”现在机会来了，各种媒体不失时机地推出了《超级女声》等娱乐栏目，同学们当然不能错过良机，从海选到总决赛，就算没实力参加看着别人从平民变成公主也有替代性满足感。事实上

，每个人的成功都要付出艰辛的努力，但是流行音乐带来的这种文化现象容易让人误解了成功的真谛。学生们会认为成功更多来自于运气，成功有捷径可寻，不必经历艰苦与漫长的奋斗。中学生处在为自己将来的人生打基础的阶段，这些不劳而获的侥幸心理极不利于中学生的成长。

在这篇文章章的论述中，笔者从正反两个方面剖析了流行音乐对中学生心理的影响，力求全面和具体。任何事物都有两面性，每个问题都是矛盾的对立统一体。我们在强调流行音乐的负面影响的同时，也要看到它的积极面。流行音乐的文化属性还提醒我们，看待流行音乐对中学生的影响问题不能局限于音乐本身，还应该扩展到其文化属性带来的效应。只有全面深刻地认识流行音乐给中学生心理带来的影响，我们才能对流行音乐的教育价值做出正确判断，并提出正确合理的教育策略。

参考文献：

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一、中职音乐课乐理教学的重要意义

音乐理论课程是为学生打下良好基础的课程。它可以让学生认识到运用音乐学习的各项必须能力，从而能够更好地借助外部方法不断提高自己，从而达到心中的目标，同时为学习其它音乐理论课程打好牢固的基础，所以在中职教育中有着重要的意义。

1.为未来的教育而蓄积能力

中职音乐教育为社会输送了大量的老师和音乐人，而基础音乐理论是一科必须的指导性课程，它将有益于他们在工作岗位上的表现，做一名合格的音乐教师或者是音乐从业者，不仅自己的专业理论知识要过硬，还要学会怎样把自己的所学能系统、科学的传授给学生，因此，中职音乐专业的学生拥有良好的基本乐理知识不但能促进自身发展，而且还关系到此后能否胜任音乐教学工作的重大问题。

2.加强中职生的逻辑能力培养，发掘学生音乐天赋

音乐理论的教学不仅可以锻炼个人学习素质，还能为更好吸收相关知识提供动力。它是一门初级必须课。基本乐理课的最终教学目标是提高中职生的逻辑思维能力，开发学生的音乐才能，培养音乐审美。对于中职音乐教育专业的学生，一方面需要掌握乐理的基础知识和基本技能，另一方面还要培养其具备良好地音乐素质养，为以后的和声、趋势分析等课程打下坚实的理础。

二、中职音乐乐理教学的创新策略

大部分中职的专业器材都配备齐全，但音乐教育很大程度上由乐理知识传授组成，传统的乐理教学模式比较单一，其教学效果并不显著，对音乐专业学生能力的提高作用有限。因此需要对其进行创新，以此改善中职音乐乐理教学的现状。

1.从外而内地使知识内化于学生

如今，中职音乐教育发展不太理想，这里面有学生的问题，但是这个现象还主要是教师水平有限和传统教育理念根深蒂固引起的，只会沿用传统的教学模式或者只对乐理方面有所研究，而不了解其他音乐方面的知识，能力单一，这使得其在教学过程中不会采取渗透式的方式，进行学科的转移的教学，过于死板，这对现代音乐专业的中职生来说，显然满足不了其发展要求，因此中职在音乐乐理教学方面，应该投入大量的资金，培养复合型教师人才采取渗透式教学的方式。所谓渗透式教学模式，主要包括以下几点：第一，在音乐乐理教学过程中，可以渗入视唱练耳的技巧，理论与实践相融合，提高学生理论素养的同时更好，还能够提高学生听觉审美能力；第二，在音乐乐理教学过程中，教师可以融入钢琴演奏，以此来提高学生钢筋演奏以及和声的水平配；最后，在乐理教学过程中，教师适当的留出一部分课堂时间，来让学生演唱各种风格的音乐作品，以此来提高学生立体音乐的感知。

2.调动各感官，默契配合训练

目前我国各大中职在音乐乐理教学中，并没有将其与视唱练耳向结合，这是乐理教学效果不显著的主要原因，如果能够将两者有效的结合，并且采取交叉教学的方式，教师在讲解乐理时会更有针对性，学生通过教师形象化的讲解，对学习的乐理知识印象会更加深刻。比如教师在讲解某种唱法时，如果只是单纯的进行书面讲解，学生无法对其进行感知，而如果在讲解过程中，教师采取边讲解边试唱的方式，学生们借此会更深入的了解该唱法。以视唱为例，教师理论知识讲解结束之后，可以对其旋律进行深入的分析，以此让学生们了解音乐中塑造的形象，并且让学生们掌握其表现手段，进而使得学生对音乐作品有更深入的感知，这样既能够掌握相关的乐理知识，同时还能够锻炼学生的感知以及逻辑思维能力。

3.多维度教学的尝试

音乐立体化教学方法是指老师在教授的过程中，可以尝试各式各样的教学方法，以发掘学生的潜力，激发学习兴趣。比如说可以多尝试现代化的教学手段-多媒体教学，在学习的过程中，学生们既能听又能看，音乐形象更加直观的表现出来，从而加深学生对所学内容的印象，培养学生的感知能力。当然，每个老师在教学的过程中都会形成自己独有的教学方法，但是不管是什么方法，都应该对症下药，要针对不同的学生进行不同的训练，将乐理知识与视唱练耳有机地结合起来，让学生在欣赏音乐作品的同时能够感受和运用乐理知识。

4.增强优秀教师群体力量

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音乐新课程的核心目标是通过音乐教学丰富学生的音乐情感体验。而当情感体验积累到一定程度时，便会上升为审美情趣，最终通过审美达到育人的目的。因此，教师应善于从情感的视角，创设音乐审美情境，融情感化与审美化为一体，使学生在最短的时间内进入音乐课堂教学的最佳状态。

一、新课程音乐教学理念

我国站在音乐学科本体这个角度，按经济合作与开发组织教育研究中心的精神将音乐教育课程定义为包含教学目标、教学内容、教学方法、教学活动及评价方式等等在内的各种范畴的总和。我国21世纪基础音乐教育课程改革主要是以这个定义为逻辑起点进行各方面的展开研究的，是一次从理念到实践、从宏观到微观、从管理到实施的彻头彻尾的深入式改革。它反映了新世纪我国社会发展和人才培养的需求，融会了多年来广大音乐教育工作者在教学和课程理论方面研究和总结的新理论、新成果。一方面，教师在教学活动中实行的礼仪及符合审美规范的仪表、姿态、举止等应恰到好处，充分展示音乐教师的审美修养，给予学生优雅感，另一方面，教师亲切真诚的问候，简洁而具有启发性的谈话，激励性的话语，富有感染力的语调，精巧规范的乐谱，自信、幽默、真诚的气质，热爱生活、充满爱心、童心未泯、兴趣广泛的心理品质，以及学识基础，都会使学生在和谐愉快的氛围中产生音乐审美的渴望。因此，音乐新课程不仅指时间上的“新”，更是指一种“新”的课程理念和“新”的课程实施方式。

二、新课程音乐教学方法的创新

1、在合唱教学中培养学生的创新能力

合唱以它特有的美的方式，表达出丰富、生动的思想内涵。在普通高职的合唱教学训练中，教师首先抓好课堂上视唱练耳、节奏等各种基本功的训练，为合唱教学提供先决条件。在合唱教学的训练中，应坚持教师为主导、学生为主体、训练为主线、发展能力为目标的指导思想。合唱艺术有着极为丰富的艺术表现力和感染力，它能表现如诗如画的意境或史诗般的气魄，以及深刻的思想内涵，能培养学生的独立感、协调感、均衡感等综合音乐感觉，以及集体观念与协作精神，能让学生亲身感受多声部丰富美妙的音乐，体验音乐的无穷魅力，提高审美能力。合唱还能使学生最直接、最简便地走进音乐世界。参与合唱活动，既是合唱者欣赏感受音乐，又是合唱者(二度)创作音乐的过程，从而能够得到多层次音乐思维能力的培养。

2、利用电脑音乐培养学生的兴趣与创造力电脑音乐系统进入音乐教学领域必将对现行音乐教学的教学目标、教学内容、教学方式等诸多方面产生全方位的冲击，不仅可以激发学生的学习兴趣，还可以帮助学生更好地感知音乐。

传统的歌曲教学往往是教师弹琴、伴奏、范唱，学生跟唱、模唱的方式。尽管目前课程改革的大力推行让死板的教学方式有所改观，现在的歌唱教学可以有统一的教学参考磁带和教学用光盘课件，但并不足以吸引学生的眼球和冲击学生的听觉神经。利用Soundforge母带处理软件的音频采集、变调、速度变化等功能就可以轻松地解决这个问题。例如音乐教师可以利用课件进行二次创作。经过电脑音乐制作加工的音乐课件，丰富多彩，学生很快就能学会、学好，而且每次播放都有变化，给学生新鲜感，让学生的学习兴趣总保持在高涨的状态，对每一次的练习都很期待。

3、在声乐教学中培养学生的创新能力

声乐教学是一门复杂的艺术，也是一个不断变化发展的过程。声乐教学中，“创新”因素起着十分重要的作用。如何把创新因素融人“教”与“学”的过程培养学生的创新精神和创新能力，是每一位声乐教师肩负的重任。在声乐教学中。教师可以让学生为歌曲重新填词；可以让学生根据自己的想象，用不同的方法处理歌曲；可以由学生自己决定采用不同的演唱形式；甚至可以指导学生把某些歌曲加上少量对白。改编成有情节的音乐小品，等等。

在某种意义上，歌与舞是相互融合的，学生通过对舞蹈的视觉接触能认识和理解乐曲所表达的深远意义，学生还可以把自己置于舞蹈的氛围中，亲身体验音乐的美丽、歌舞的结合。欣赏歌舞也是理解音乐意义的重要部分，在音乐课堂上教师可根据乐曲内容需要，伴随音乐教学生一些动作，让他们在欣赏和被欣赏中融人音乐意境之中。

4、在配器和表现形式上创造力的培养

为歌曲配上打击乐器，不仅可以烘托课堂气氛，更能表达歌曲气氛及内心情感，再通过几个简单的动作。更会把歌曲的情绪表现得惟妙惟肖。这样做也符合学生好奇好动的心理。对于一些情绪优美、抒情的歌曲，可先要求学生选适合歌曲伴奏的打击乐器，如三角铁、碰钟、铃鼓等，然后请学生为歌曲设计伴奏，并请他们考虑为什么这样设计。这样设计有什么好处等。《过新年》一歌，表现了过年时热闹、喜庆、祥和的场面和氛围。笔者先是询问学生每年的春节是怎么过的，学生马上想到了放鞭炮、踩高跷、扭秧歌、逛庙会等活动。加上歌词中出现了“咚咚咚”词语，学生听出这是锣鼓声，马上就想到《过新年》这首歌用打击乐中的锣、鼓伴奏再合适不过了。于是，他们便随着歌词中“咚咚咚”的出现，敲响了手中的锣鼓。笔者进一步启发学生，能否再创设一些过年的气氛。许多学生便主动要求到教室前面进行秧歌舞表演。他们手中拿着笔者事先准备好的彩带，边唱歌边随着节奏做着动作，仿佛是身着节日盛装的秧歌队正在翩翩起舞，生动地表现了歌曲的内容。

篇（9）

随着经济的不断发展，中小学生因学习压力等因素导致的心理健康问题日益严重，愈发受到学界的关注。据国家教育部的调查，有心理和行为问题的小学生约为13%，初中生约为15％，高中生约为19%，其中4。5%的人有严重的心理健康问题。为此，政府陆续出台了诸如《中小学心理健康教育指导纲要》等一系列规范和指导中小学生心理健康的政策。从心理治疗的角度看，情绪改善是解除患者心理障碍的重要条件。因在情绪调节方面具有独特的优势，音乐教育作为一味“处方”越来越受到重视。本文试图以音乐教育为主线，探讨音乐教育与中小学生心理健康的诸多问题。

一、中小学生常见的几种心理障碍

因中小学生处于脆弱敏感的生长发育期，在生活中极易受到周遭环境的影响。成长中，中小学生的心灵如一张白纸，又处于发育的黄金时期，往往心理对外界影响“免疫力”不高，同时他们敏感脆弱但又叛逆，因此容易受伤害。一般而言，中小学生常见的几种心理障碍包括焦虑症、恐怖症与强迫症三种。其具体特征如下：

1、焦虑症

焦虑性是神经症中一种较多见的临床类型，以发作性或慢性情绪焦虑、紧张为其主要特征。在情绪障碍方面，往往因一点小事而苦恼、自责、夸大困难、烦燥、敏感、对自己的健康忧虑重重等表现。

2、恐怖症

恐怖症是指对特定的事物或境遇具有一种强烈惊恐为特征的一组神经官能症。最早由卡特·F·韦斯特法尔提出，当时为“广场恐怖症”，意指有人害怕在公共场所集会。对中小学生而言，主要为一些特殊类型的恐怖症，如学校恐怖症，他们往往害怕上学，勉强上学就会出现一些诸如恶心、呕吐、头痛等睡眠和饮食上的障碍。[1]

3、强迫症

又称强迫性神经症，是以重复出现患者并不愿意出现的某些观念、意向和行为作为特征的一种神经官能症。患者为这些重复出现的强迫现象所苦恼，虽努力克制，但无法摆脱。

二、中小学生心理障碍形成机理及音乐教育的摄入

心理学上，儿童心理发展过程是一个连续、渐进的过程，既受遗传素质和生理发展的影响，又受环境和教育的制约。其中，遗传素质是儿童心理发展的自然前提，生理发展是儿童心理发展的物质基础，而环境和教育在儿童心理发展中起决定作用。

通常，儿童心理发育表现出一定的阶段差异性。少年时期，生理急速发育，但心理发展迟于生理发展，具有半成熟、半幼稚的特点，整个少年期充满着独立性和依赖性、自觉性和幼稚性错综复杂的矛盾。青年时期，是个体在生理上、心理上和社会上向成人接近的时期，因智力接近成熟，抽象逻辑思维从“经验型”向“理论型”转化，能客观地看待和表现自我，形成了理智的自我意识。同时，该时期对未来充满理想，但又往往出现理想与现实的冲突，导致自我肯定与自我否定常发生冲突。可见，青少年时期，心理矛盾的突出、行为的多元化和复杂化是其重要的特征，导致心理健康问题多频发生。

在心理学的启示下，德国科学家赫尔姆霍茨等将音乐学与心理学结合的基础上，开创了音乐心理学。其以心理学理论为基础，同时汲取生理学、遗传学、美学等众多理论，研究人由原始到高级的音乐经验和音乐行为。研究中，较多侧重于知觉、音乐记忆和音乐想象等方面。在他们看来，人对声音的知觉包括音高、强弱、音色和时值四个要素。这些要素基于人对声音的频率、波形和时程等物理特征的感受而形成。决定某种知觉的物理特征并不是单一的，它往往受其他因素的影响。此外，人对四个要素的感知能力并不平衡，有些人某种能力发展有所偏长而成为某种类型。

由此，针对心理健康问题的中小学生，可以通过分析他们在音乐知觉上的不同类型，给予侧重点不同的施教。如针对音调型，可以侧重于旋律优美、富于变化的音乐。通过有针对的选择给听者最大的知觉共鸣，将他们的注意力转移到乐曲之中。同时，通过对听者音乐记忆的研究，可以在音乐知觉的基础上辅以情感浓郁、鲜明的音乐，让听者的情绪随着音乐的起伏而融入其中，渐渐调整心理问题带来的不良情绪。此外，也可以通过教师对学生的诱导，把他们带入音乐想象的世界，给他们以丰富的音乐体验，从而培养他们高雅的审美情趣，使他们的心理得到健康的发展。

三、音乐教育对治疗中小学生心理健康的功能

音乐在调节情绪方面的作用与优势，这一点古人早就认识到，无论是孔子还是贝多芬，都对音乐陶冶人们心性的功能表示出巨大的赞赏。音乐教育通过美的内容、美的形式使受教者得到美的熏陶，提高审美修养，并通过作品蕴含的积极向上的思想内容和生活态度陶冶受教者的情操，启发他们的心智，从而可以促使中小学生心理健康发展。由此，音乐疗法被视为是有效的心理治疗手段，越来越受到重视。

就功能而言，因为“教育过程首先是一个精神成长过程，然后才成为科学获知过程”[2]，同时，“儿童的发展不是单向的，…感知、情感、想象等感性方面的成展也是儿童发展的重要方面”[3]。因此，作为教育方式的一种，首先，音乐教育的审美教育功能促进中小学生心智协调发展有重要作用。通过音乐教育，可以陶冶学生精神情操，提高学生的思想觉悟有重要价值，在感官和心理的美的教育基础上，实现心智协调发展。

音乐的治疗作用主要是通过心理、生理两条途径实现的。心理学的作用机理是通过特别选辑的音乐、语言，最大限度的调动病人的积极性，调整病人的情绪，引导患者将内心的幽怨寄情于乐曲中，以起到移情和疏散的作用。

生理学的作用机理是基于不同的音乐可以对人的生理产生不同的反应，通过利用音乐的节奏达到影响人的行为节奏和生理节奏的目的。例如，音乐可以通过刺激网状结构，提高或降低中枢神经系统的活动水平，对特殊、非特殊投射系统、警觉和注意力等发生影响，实现消除干扰网状结构的不良因素影响。

四、对中小学生实践音乐治疗的意义

通过以上分析，发现对中小学生实行音乐教育治疗不仅在理论上可行，在实践中亦是一种必然。当前，对中小学生实施音乐教育治疗具有重要意义。

1、有助于缓解学习压力，减轻心理焦虑

目前，中小学生学习压力普遍较重。音乐教育的实施，可以放松大脑，调整情绪，达到有效地缓解学生学习压力，减轻心理焦虑的目的。

2、有助于情操的陶冶与心灵的净化

因中小学生正处于心理结构形成与发展的关键时期，此时的教育对他们的影响是深远的。音乐教育通过选用一些优秀的音乐作品，会对学生产生潜移默化的影响，有助于精神情操的陶冶与心灵的净化。

3、有助于健康心态的形成

因多数音乐取材现实生活，因此音乐教育有助于在听的过程中达到体验生活冷暖的目的。同时，音乐教育的一些合唱等集体行为有利于中小学生养成合作与群体意识。此外，优秀音乐的积极、向上的主题对于中小学生正确人生价值观的养成具有重要作用。

参考文献：

[1]贝内特·雷默著,熊蕾译《音乐教育的哲学》.人民音乐出版社,2000年..

[2]张凯.《音乐心理》.西南师范大学出版社,2001年.

篇（10）

作为人类有意识的精神活动的产物，音乐与人类的生理、心理和行为息息相关。情感是音乐艺术中最为重要的特征，也是心理学领域十分关注的问题。对音乐情感的研究，将心理学的研究方法和研究思路与音乐学的专业知识结合起来，当今已成为一种趋势。

音乐情感一直以来是国外音乐心理学的一个研究重点，这也应归功于19世纪中叶实验心理学派的努力，该学派促使了现代音乐心理学的萌发。我国音乐心理学起步较晚，在这之前的研究重点偏向于从专业性的音乐角度进行思辨性质的分析，而没有实证研究的支持，理论略显空泛。在音乐心理学引入我国后，音乐情感的研究更多地与心理学的实证研究紧密地结合，展现了良好的研究局面。本文就此对国内关于音乐情感的研究进行了概括性的梳理。

一、音乐情感的相关概念和研究方法概述

（一）对音乐情感的定义

音乐情感是人与音乐的交互过程中所产生的包括各种人类感情因素的心理过程（刘涛，2006），这个广义的概念包括与音乐实践活动有关的情绪、心境、偏好、趣味和态度等，是一种特殊的心理模糊量。

扬州大学的周新叶在《音乐情感剖析》（2005）中提到，“音乐情感”应等同于“音乐的情感”，它既包括由音响直接引发的情感成分，同时也包含主体对社会生活内容联系思考而产生的情感成分，是两个源头合成的一股流。

（二）音乐情感的特征

结合音乐理论、音乐心理学、艺术情感学的研究，刘涛（2006）总结了音乐情感在信息的表现、传递与认知行为过程有一些典型特征，主要包括：主观性、层次性、客观性、模糊性、整体性、运动性、观照性、选择性等；甘露则认为音乐情感具有典型性、概括性和易感性的特征，她是从音乐存在的意义的层面出发的。

音乐情感自身的复杂特点给研究者提供了广阔的研究视野，也带来了极大的挑战。它或许不能让研究者从只言片语中推出结论，也不能从部分得知整体，流动的音符所带来的情感是复杂的，这就给多种研究方法结合、多个学科联盟提出了迫切的要求。

（三）研究方法及思路

国内外研究者对于音乐情感的研究虽然各自的出发点不同，涉足的领域也较为广阔，但不难总结出研究方法大致分为两类：实证性的研究和思辨性的研究。

美国心理学学会前主席布鲁斯特·史密斯曾概括提出心理学研究的两种方法（模式），分别是因果模式和阐释模式。前者历来都是立足于外部来看待行为着的人，沿袭的是物理与生物领域的各种自然科学方法；而阐释模式则从来都是从内部来看待人，即在情感、意义和价值的领域中研究人，强调人的特殊性。

根据刘沛的阐述，使用因果模式使音乐与情感的研究大受限制，因为基于该模式的研究的基本假设是：孤立的，外部的，听刺激能够对情感行为产生一种直接因果式的影响。可惜的是，事实证明，这种假设在各种验证和考验面前遥遥欲坠。“实验音乐心理学者逐渐认识到，实验设计对变量的严格控制，获得的少量的音乐心理定量研究结果非常有限。即使某一相同或相近课题的量化研究获得充分的积累，情形依然如此。有时相同的研究课题，由于变量、被试及测量工具的差异，研究结论也会有所不同甚至相反。”阐释模式在这时便显现了必要性。

音乐情感是一个复杂的过程，它并不是简单的刺激反应过程，中间介入了人脑对声学属性的排列组合，对音乐符号的加工过程，因此，对于音乐情感的研究需要将因果模式和阐释模式相结合，将因果模式的手段作为研究的基础和根基。有了实证研究的支持，经验性的分析将能够走得更远，正所谓根深而叶茂，对于任何一方面的偏重都会导致研究局面的营养不良。

二、音乐情感的研究成果探讨

（一）音乐情感的认知心理学角度的研究

根据蒋存梅所阐述的斯洛博达的观点：认知阶段是情感阶段的先行，没有认知的基础就不可能产生情感。张前在《音乐欣赏心理分析》中也持相似观点。张前认为，人们从音乐中所直接接触到的不是任何别的东西，而是音响；音乐的一切表现内容都要由音响引发，音乐欣赏中的一切感情体验与形象联想都要以音响感知为基础。综上所述，要研究音乐与情感的关系，对中间的认知过程的深入探讨是至关重要的。国外学者塞拉芬在很早以前就提出了一般认知过程发展的理论建构，主要以实验法作为研究方法，但因为被试为欧美人种，得出的研究结果是否适应于我们东方人的特点，目前还没有相关的实验依据，尽管如此，塞拉芬的研究也为我们指明了一个研究的方向，即探寻中国被试对音乐情感的认知的过程和发展水平，这在我国的研究领域中可以说还是近乎空白的一块，有待于开拓。

另一方面，对音乐情感的认知在我国已经受到了大脑神经科学研究的关注。由于认知心理学以大脑中的认识过程为研究对象，犹如像自然科学的研究方法一样，采用精密仪器，通过对大脑收集到的信息进行测试，从中找出一般的规律，即得出音乐能激感的论据。因此通过认知心理学研究音乐就更加合理、更加科学、更有说服力。

根据有关学者的最新研究，音乐活动对大脑心理具有诸多复杂影响，如对青少年大脑“认知诱发电位”（事件相关电位）有显著影响，对皮质慢电位、神经细胞与分子活动也有一定的影响，并且能够促进青少年的感觉皮层、联合皮层和前额叶新皮层的生理心理性发育，并使它们之间的双向交互式连接获得较早和致密的结构性塑造。

综上所述，认知科学和脑神经科学对音乐情感的研究的贡献的确不可小觑，但是，这里有两点问题值得探讨：

第一，电脑是人脑思维的产物，它只能根据人脑中已有的信息进行实验、推理，人脑的思维是极其活跃的，当测试完毕后，人脑中可能又有新的思维信息，用电脑固定的程序或人工智能等纯逻辑化的工具来测试人脑认知的心理过程，是不是过于主观？第二，就音乐认知科学的实验效能及其解释力和预见力价值而言，同一个欣赏者在不同的时间欣赏同一首乐曲时，如果欣赏者的感受不同，两次测试的结果可以反映出来，如果欣赏者的感受完全相同的话，测试结果会不会也完全相同？这些问题涉及人脑的信息加工机制，也涉及电脑及还原性实证结果如何与人类的艺术心理、审美创造性体验和思维相互贯通并耦合互补等复杂内容，因而有待更深入地思考与探究。

（二）音乐情感的社会心理学角度的研究

人的心理机能及其复杂心理结构的形成，都离不开人的社会性活动。不同的个体，以及不同个体在社会上的身份定位、性别差异所带来的不同要求等，而造成的不同的社会认知，不同的文化经验、社会背景、结构、处于人生不同阶段的个体，社会阶层中不同的群体，对于音乐的情感、情感的认知是否都是有差异的呢？个体的情感体验和群体的情感体验是否有差异，当二者相互作用时，结果是相互抑制，还是相互包容，还是产生叠加效果？这些问题向我们呈现了面对“音乐情感”的不同视角：从社会心理学、发展心理学的角度对音乐情感认知进行研究。

将音乐情感的研究范围缩小到特定的群体，目前的相关研究还是较少的。邢红梅的《聆听音乐与大学生情感的联系》（2007）对大学生这个处于人生特定阶段的特定的群体的音乐情感进行了分析。作者主要采用了访谈法，对大量的大学生进行了在聆听音乐时情感的反应的访谈调查。该文章细致分析了大学生的音乐情感，但也引发了更多值得探讨的问题，如音乐如何被使用？聆听者如何在聆听活动中建构自我身份，进行各种不同的情感陈述？个体如何在社会情境中以音乐为中介体验和创造情感，以便自己更好地成为一种社会规律化的存在？这些问题仍旧值得深入去探讨。另外，在研究方法的运用上，仅仅使用访谈法略显单薄，如果能够结合上实证研究的实验和数据支持，或许能够在研究深度和广度上得到进一步提升。

三、结束语

在相关文献中，国内相关实验论文的数量和国外相比差距较大，国内的实证研究仅仅是集中在个别音乐治疗和音乐心理学的实验研究报告方面。显然，国外在实证方面的历史和经验比国内要雄厚，但是，国外实验研究的被试都是白人或黑人，他们的数据结果是否能够代表中国被试的情况，是需要考虑和解决的。

随着近几年我国心理学的快速发展，对于音乐情感的研究也更加趋于实证化、科学化。在2005年11月25日召开的第二届全国音乐心理学学术研讨会上，会议收到的论文以及会上宣读的论文都显示了这一趋势。重视应用性研究，采用实证性研究方法的学者明显增多。此外，2005年10月召开的第一届情感计算与智能交互国际会议（ACII2005）共录用论文118篇，然而，音乐情感研究的文章仅有两篇，但这方面的研究在国外已经形成一个热潮。不过，我们可以看出，计算机科学、脑神经科学、生理学与心理学的结合对音乐情感的研究在我国正在逐渐萌发，并显现了强大的生命力。从与浙江大学的计算机科学与技术学院的一个集中研究音乐情感的队伍的联系交流中得知，目前我国对于音乐情感的研究是相当重视的，投入了大量的物力和财力，与国际接轨，在一群卓越的科研工作者的努力下，音乐情感的认知模型的计算机程序已经初具规模，这将使情感的识别、表达和转化实现数字化、程序化，更好地促进音乐情感的深入研究。

通过对音乐情感的研究的回顾和梳理，对于该领域的研究是需要计算机科学、脑神经科学、生理学、物理学、美学、心理学、音乐学等多学科的交叉背景作支撑的，并且，在实证研究的根基上结合思辨性的分析思考，将因果模式与阐释模式融会贯通起来。

此外，音乐是人类伟大智慧的产物，随着音符的流动展示着人类与大自然的精髓。音乐是灵动的，音乐是有灵性的，音乐可以激发人类的丰富情感，让人达到一种“天人合一”的境界。音乐的博大精深与大自然的精髓不谋而合，或许音乐的本质也是自然灵性的体现。音乐的这些特征是与人本主义的思想相通的，尤其与倡导灵性的回归、重视精神层面的被称为“心理学的第四势力”的超个人心理学一拍即合。如果能够在今后的研究中增强音乐情感与人本主义心理学的联系，再结合中国特殊的文化背景，相信音乐情感在我国的研究必将具有广阔的前景。

参考文献：

1、王沛,苏洁.音乐知觉的神经基础研究[J].心理科学,2007(6).

2、周新叶.音乐情感剖析[J].艺术百家,2005(4).

3、甘露.论音乐的情感特征[J].吉林艺术学院学报,2004(4).

4、赵冬梅,刘志雅.音乐心理学研究的历史与现状分析[J].星海音乐学院学报,2006(2).

5、蒋存梅.国外音乐认知发展研究的回顾与反思[J].音乐研究,2007(3).

篇（11）

本文即试图在研习相关学术文献的基础上，结合自身多年来的教学和演奏经验，对音乐技能课教学，尤其是钢琴演奏的教学中反映出来的教育心理学问题，做一初步的探讨。

我们知道，音乐方面的能力属于人的特殊才能，它包括了乐器演奏或声乐表演中眼、耳、口、手、脑等诸多方面的精细肌肉动作和神经系统的协调。尤其是器乐中如钢琴和小提琴，向来以其演奏难度、表现力的复杂程度等被称为“乐器之王”、“乐器之后”。仅仅是克服为成熟演奏所需的熟练技术，就往往需要花费从四五岁到十七八岁间长达十多年的学习时间。在这个漫长的学习阶段中，学生对于旋律、节奏、指法、力度、音色、分句等要求从陌生到熟练掌握，不只伴随着肌肉技能的高度发达，更重要的是其中长期贯穿着心理活动的不断复杂化和系统化。

在教育心理学中，所谓学习迁移，“是在学习者已经具有的知识经验和认知结构、已经获得的动作技能、已经形成的态度的基础上进行的，”“是一种学习对另一种学习的影响。”③因此，我们在对各种程度的钢琴学生进行指导的时候，就特别需要注意到既有知识对新学内容的影响。例如，在教初学者演奏车尔尼钢琴练习曲作品599号中的曲目时，因为许多乐曲右手的旋律框架是琶音和五指音阶音型，左手的伴奏音型则是阿尔贝蒂低音，由此，学生学习进度的快慢，很大程度就取决于他之前对于琶音、音阶及分解和弦的熟悉程度。所以说，在初步的钢琴演奏学习中，我们通常会非常重视密集的各调音阶、琶音的练习。往往那些在上述两种技术类型方面经过较多练习的学生，他们在学习左右手配合的技术类型组合时，就更加容易形成自动化的动作路线和条件反射。这种较复杂的配合动作经过从分手练习到合手练习、从有意识到下意识的动作过程时，起先的技术经验就会对新的技术组合学习形成心理学上所谓的“顺向迁移”。所以，在日常教学活动中，我们通常提倡钢琴学生花大量的时间在音阶、琶音、和弦等“基本功”的训练上，这几乎成了程度较低的学生的主导学习方式。

此外，在器乐学习中，有时候也会发生“逆向迁移”――即新的学习内容对旧的内容所能产生的影响。例如，一般钢琴学生，往往在学到第二三年的时候，都会开始接触巴赫的作品，如《初级钢琴曲集》和《二、三部创意曲集》等比较简单的多声部乐曲。由于多声部乐曲要求将隐含、交织在每个声部中的主题很有性格地呈现出来，同时，还要尽可能地做出音色、音量、速度、表情等方面的合理变化，所以，在经过一段时间的训练以后，一般学生在掌握这些基本要求的同时，左右手、左右脑的平衡协调能力和多维的音响空间感受能力也就相应地得到了提高。这样的结果是，当这些经过简单的多声部音乐训练的学生再去弹奏起初即已开始学习的音阶、琶音等常规技术练习时，就能够很轻易地在演奏中做出左右手声部音色甚至情绪方面的变化来，从而，在音乐性较强的乐曲演奏中，技术性和音乐性的协调表现就成为了一种自然而然的表演习惯。可以说，这就是心理学学习迁移理论中“逆向迁移”所发挥的作用。这种情况，并非仅仅发生于处于入门阶段的少儿初学者身上，在其他年龄层次与学习阶段的学生身上，也存在上述迁移现象。

那么，怎样才能更为系统有效地利用这些理论为乐器演奏服务呢？尤其是对于那些非钢琴表演专业的高等师范院校音乐系科学生来说，怎样才能充分发挥迁移理论对音乐学习的有益影响，使得高师音乐专业学生起点较低、基础薄弱和练习时间短、技能要求相对较高之间的矛盾得到缓解？

具体而言，笔者有如下几点体会：

一、强化练习内容之间的关联度

如前所述，与音乐学院演奏专业的学生相比，高师音乐专业学生由于基础训练开始普遍较晚，加之练习时间等因素的影响，因而，基本技术的掌握相对来说也不太全面。诸如难度较高的快速八度进行、远距离大跳、快速轮音等技术，对大部分学生来说，可能都是一种难以逾越的技术障碍。而这种技术障碍，又随之会影响到高年级学生对高难度乐曲的掌握。如黎英海先生改编的古曲《夕阳箫鼓》中，在中段的快速变奏中，就有快速轮音和双手分解八度相结合的主题陈述手法。通常情况下，由于技术的原因，有些学生在演奏该段时会将速度放慢下来，从而大大影响了音乐的情绪刻画和情绪张力。究其原因，轮音技术障碍是最大的负面因素。又如，李斯特的“帕格尼尼练习曲”第三首《钟》，其中几乎包含了常见的几种高难度技术：远距离大跳、快速轮音、快速八度进行及其震奏等，一般学生想要连贯地演奏下来都存在相当的困难，更不用说以乐曲所要求的相应速度、音色、性格、情绪来进行表演了。那么，怎样才能尽可能地让程度或年级较高的学生较为顺利地掌握这些乐曲呢？根据对心理学传统迁移理论的理解，笔者认为首要的任务是要在学生已有的相同或相近技术基础上，增加一些中等难度的有关技术练习，从而，为学生在已有技术和待学习技术之间，建造一座官能和动作记忆的“桥梁”，笔者尝试性地称之为“记忆锚（memory anchor）”。这个记忆锚的特点就在于，它必须能勾起学生对既有材料的回忆，但又有一定的新鲜刺激度。在内容构成的难度上，它必须要比学生已有经验要高，而低于待掌握的技术难度。

以上述技术训练中的八度技术为例，根据学生的身体机能、技术倾向等条件，笔者通常会采用难度较为适中的车尔尼练习曲作品299号或740号中的几首八度练习曲（或者片断）作为顺利完成上述较高难度乐曲的专门性技术准备。经过一段时间的训练，学生就可以逐渐将已经掌握的经验和动作技能，通过官能与动作的回忆、强化与再学习，形成新的技术基础。这样，当他再向更新材料、更高难度的技术方向进行努力时，前一次的“已有经验/难度新经验/难度”的学习经历，就会成为他新一轮的学习基石，新技术的掌握就从概括性的难度具体化为对旧有材料的回忆、强化并扩充的过程，从而在某种程度上降低了待学技术的学习难度。这一点，正是我们在选择学习内容、调整学习进度时，经常需要加以考虑的方面。

二、对形式训练和要素训练的合理借鉴

传统的迁移理论中，“形式训练说”曾风行一时。认为特定的官能（如记忆力、想象力、注意力等）可以通过相当难度的特定训练来针对性地加以强化。虽然目前还没有证据表明音乐技能的训练也曾经受到过这种理论的影响，但实际的钢琴教学当中，确实存在着类似于“形式训练说”这样的观念。认为孤立的、针对性很强的技术练习，可以在经过较长时间的重复后，达到掌握特定技术或提高具体某项技能指标。例如，一般钢琴学生，尤其是钢琴非主科学生在进行技术练习时，往往会将哈农《钢琴练指法》作为首选。其中一个重要的原因，大概就是因为其中的六十条练习曲，每首乐曲之前都有简短的训练提示，如“用作训练3―4指的独立性”、“用作训练震奏的力度”等等。应该说，作为其他练习曲的补充内容，这种针对性的练习具有一定的机能强化作用，对那些手指、手臂的某方面机能相对较弱的学生来说，是有价值的。但是，有的学生为了求得更“扎实”、“速成”的学习效果，有时会以缓慢且笨重僵硬的弹奏动作逐条反复练习，试图达到以慢求快、以笨重求得手指独立的效果。而实际上，在应用到其他练习曲或乐曲时，这种盲目专注于形式训练的意图，经常是事倍功半的：练习是一回事，实际演奏则是另一回事，乐曲所需的机能并没有因为这种针对性的练习而立竿见影地提高起来。所以，针对性的形式训练，必须以当前阶段乐曲所需技术为出发点，辅之以练习内容的多样化穿插，在目标明确的前提下，将新旧材料的差异度通过反复的记忆与比较，实现最大程度的关联并稳定下来。这样的形式训练，才是真正有意义的。

除了形式训练以外，“相（共）同要素说”在学习迁移试验与其他学科的教学实践中也曾经得到广泛的采用。这种学说的主旨是认为“只有当两种学习情境有相同要素时，迁移才会产生，而且两种情境中的相同要素越多，迁移越大。”④经过近百年的研究与改进，共同要素说在教学中的指导意义得到了明显的体现，尽管这种理论本身还存在着忽视学习者主动性作用的缺陷，但直至今天，这种学说仍然有它相当的影响力。就乐器演奏训练而言，笔者认为共同要素说的价值在于提示我们注意日常训练和上台演奏之间的情境异同。乐器演奏学习的最终目的，是为了上台或当众演奏，这一点，对专业音乐学院和高师音乐专业学生来说，都是同样的。但是，由于公开演奏机会多寡的不同，高师学生大多数情况下，仍然只能以琴房练习作为主要的学习情境。真正到了考试和音乐会等公开场合进行演奏时，往往产生多个方面的不适感。如对声音回馈、琴键重量、踏板深浅以及钢琴音色的陌生感等，而这种种不适感势必会影响到学生演奏水平的正常发挥，有的学生甚至因此而忘谱，平时游刃有余的演奏到此时则断断续续，当然更谈不上艺术上的表现了。所以，教师如何在平时的教学中，尽量为学生争取或创设公开演奏的情境，就显得相当重要了。比如，同门内部之间的观摩，交换不同的教学琴房和演奏场地等等，都可以在平时的教学中为学生提供一种类似于考试与公开音乐会的情境要素，这样，经过较长时间的训练，教学情境和公开演奏情境之间的共同要素就会越来越鲜明，到真正的现场演奏时，学生的适应时间就会大大缩短，真实的演奏水准也就可以得到正常的表现和锻炼。

三、对顿悟的理解与利用

学习乐器的学生经常会有这样的体验：某些技术难点，经过一段时间的集中练习，仍然无法克服，但是有一天再去尝试时，那些原本不可逾越的技术壕堑似乎在一夜之间就消失得无影无踪。其中到底存在着什么奥秘？难道是集中练习达到一定的量时，自动就会形成“质变”吗？难道是第二天的练习方法较之第一天更为有效吗？

实际上，这种情况并不仅仅存在于乐器演奏的学习过程中，根据教育心理学的研究成果，在其他类型的学习中，也存在着类似的现象。格式塔心理学家称之为“顿悟”，即学习者突然发现两个学习经验之间存在的关系。他们甚至认为，顿悟是实现学习迁移的一个决定因素。⑤笔者认为，这种发现有的时候是以下意识的方式进行的，它可能会以肌体动作记忆“快速回放”的方式呈现出来。对学生来说，无法克服某种技术障碍，多数情况下不是因为这个技术片断在机能上有多么艰深，而是因为学习者无法在既有技术经验和新的任务之间建立稳定的必然联系。因此，当他对新旧技术之间的关系无法实现可靠沟通时，顺利弹出某个技术片断，就只能是一种偶然的情形。

那么，在音乐演奏的教学中，对困难音乐片段的“顿悟”，也是可教可学的吗？就这个问题，有的学者从实际经验的角度，对乐器演奏中的灵感现象（以笔者看来，其内涵即本文所指的顿悟）进行了分析和讨论，认为灵感可以通过几种途径来“激发”：在有意追求中无意得之，在长期积累中偶尔得之，在不寻常思索中反常得之，在卸重时刻轻而得之。⑥认为经过技术上的充分准备和强烈的主观意识控制，是可以实现灵感的激发的。笔者认为，上述经验之谈，还不足以对教学环节中的顿悟实现形成具体而实质的帮助。还必须从循序渐进的角度，以环环相扣的教学手法，来切实提高学生实现“顿悟”、跨越音乐片段障碍的能力。因此，笔者认为，基于上述原理，遇到这种经刻苦练习仍无法进展的情况时，我们可以建议学生尝试技术上暂时的“回退”――即降低技术难度，将困难的段落进行织体上的分解：如去掉装饰音、暂时去掉附加声部或非骨干音型、放慢速度练习等。这样，原本令学生感到望而生畏的陌生材料与需要高度集中注意力的练习，就转变成了他所熟悉然而又只需要通过一定的努力就可以达成的任务。经过一段时间的练习，当旧有技术和待解决的技术困难之间的必然联系得到放大与强化之后，顿悟的出现和困难的解决就会更快地实现。在这个角度看，教学的实质意义也才得到了彰显。

以上所述，只是笔者在初步研习过一些教育心理学及音乐教育心理学文献之后，结合音乐专业教学的实践经验所体会到的粗浅认识。在实际的音乐技能教学实践中，仍有着大量超越音乐技巧进展本身的问题需要我们进行不断的思考和研究。通过上面的讨论，我们可以看到，在学科交叉、多元视角的启发下，许多原本停留在奥妙难测的“意会”层面，或按部就班的“机械训练”层面的技能训练课题，都可能在具体教学手法上，给我们带来新的思考。不仅如此，这种多角度研究的音乐教育心理学方法，还能够“促进整个音乐心理学理论的发展，并从音乐教学实践的角度，……揭示学生与教师心理活动和心理发展的本质属性。”⑦所以，在音乐教育心理学外，学术界在音乐心理学元理论、音乐创作心理、音乐表演心理、音乐欣赏心理、音乐教育心理、音乐审美心理、内心听觉、音乐记忆、音乐治疗学等更加细化的分支学科上所取得的成绩，也同样能够继续拓宽我们在教学研究方面的视野，这也是国内音乐教育中的技能训练走向学术成熟的必然途径。

①张前《音乐心理学》，《音乐研究》，1981年第1期

②郑茂平、张大均《自上而下与自下而上及其互补――对第二届全国音乐心理学研讨会关于研究方法趋向的元认识和反思》，《中央音乐学院学报》，2006年第4期

③刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第97页

④刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第104页

⑤刘华山、程刚《高等教育心理学》，湖北人民出版社，2006年版，第106页