钢琴教学技巧探讨

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钢琴教学技巧探讨:钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧分析

摘要：在钢琴的学习中，弹奏技巧是重点也是难点。为了提升学生弹奏钢琴的技巧，本文从实践出发，使得钢琴演奏与音乐教育相连接，在理解音乐内涵的情况下出发，使学生德智体美劳得到全面发展。本文将通过实践分析钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧。

关键词：钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功

随着我国教育事业的发展，我们的教学理念开始发生变化，我们更加注重学生德智体美劳的全面发展，学习音乐可以陶冶情操，培养专注和勤奋学习的精神。但是在实践中钢琴是一们非常枯燥的功课，钢琴教学很难实施，因此教师如何将音乐和技巧有机结合融入到教学当中，是我们首先要考虑的难题。

一、奏鸣曲的弹奏技巧从基本功抓起

（一）音阶的演奏技巧

弹奏音阶除了五个指头相互独立外，还要考虑音阶的连贯流畅和连贯性，使人在上下衔接之时听不出蛛丝马迹，那么音阶的训练成为摆在我们面前的首要难题。具体做法是：拇指弹完了自己的音，用二指弹下一个音时，拇指尖就已经悄悄地钻进二指的后面，这样拇指就很自然地抵达了下一个音的位置上，音阶就能保持声音平稳，并且弹奏出来的音乐连贯，听不出衔接的痕迹。由此可以看出其问题的关键就是拇指的提前、预约工作。任何钢琴曲都是从音阶开始，因此我们要做好音阶的预备工作，平时要勤加练习，在教学过程中下意识培养这种动作，并且把这种动作形成一种习惯。

（二）弹奏的基本技巧

我们的弹奏能力都不是与生俱来的，都是通过平时的勤加练习得到的，正确弹奏方法是学习的前提和基础，因为我们要培养学生正确的弹奏方法。钢琴最基本的弹奏方法有：连音、非连音、跳音奏法二种。音乐教师在讲课时应当仔细认真分析这三种弹奏方法，根据学生的习惯，找出适合学生弹奏的方法，这样才能起到事半功倍的效果。这些学好音乐的基本功，我们必须掌握，只有这样我们才能接触到音乐的灵活深处，提升自己的弹奏技巧。

（三）准确的节奏感和音乐感

音乐是有节奏的，而这种节奏是我们必须要掌握的。每一首音乐都要不同的节奏，不同的旋律，节奏无时无刻不体现在音乐教学中，节奏的训练中，首先要搞清楚拍子，其次拍子数要准确，最后要速度统一。在平时的学习中我们要培养学生打拍子和数拍子的习惯。例如：我们在唱歌时，开始的前奏我们经常采用数拍子的形式，在唱歌的过程中，我们也经常采用打节拍的方式来进行互动或者加油，打拍子并不是机械的拍打，而是要融入到节奏感中，这样才能使音乐达到内心，从根本上提升弹奏音乐技巧。

二、培养学生对音乐的深入理解

我们常说天赋，这就说明有些人的音乐感是与生俱来的，是学习音乐的可造之才，肯定也有人不适合学习音乐。教师在教学的过程中要有针对性地进行，对音乐感一般的学生，我们要先做好基本功课，例如：贝多芬的《第一交响曲》，教师要讲述创作的背景、作者当时的处境、作者的生平经历，了解作者的创作基调，逐步培养学生的音乐感。

（一）演奏心理训练

演奏心理指演奏时的心里活动，每位演奏者都有不同的心理状态，有些人没有系统的音乐知识，但是有丰富的表演经验，可以自如应付突发状况和临场应变能力，甚至能够创造性地发挥。但是如果没有表演经验，在表演时就会出现紧张甚至手抖或脚抖的情况，在出错时甚至可能不知所措地停止演奏，这就是演奏心理差的表现。在现实生活中，学生常因为紧张而记不住音乐谱，有的记住了乐谱但是却因无法自如发挥，而弹奏的曲子没有感情，教师应当通过以下几个方面进行心理辅导：首先要有强烈的表现欲望和自信心，在演奏的过程中，观众难免会出现不感兴趣等现象，这时教师要进行适当的心理辅导，提升学生自信心；其次，积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。

（二）了解作品的背景和风格

在演奏音乐之前，我们应当充分了解音乐背景以及作者在创作时的处境，只有这样我们才能更好地体会作者的思想感情，融入到音乐中。例如：《第一交响曲》是在贝多芬耳朵失聪的条件下创造的，耳朵失聪对一个音乐家来说是一个如同失去生命的打击，但是贝多芬不服输，此曲就充分表现了这两点。教师在日常的教学过程中，要带领学生多听曲子，体会曲子中不同的思想感情，日积月累我们不但可以体会出作者的思想感情，而且可以提升我们的音乐素养。

（三）掌握作品的音乐旋律

音乐中最具有感染力的应当是高潮部分了，要想充分体会音乐就要找准音乐旋律，人的声音、不同乐器的声音都是非常具有感染力，人的声音是最具有感染力的，因此在音乐的学习中，通过人的声音的高低起伏来找准作品的音乐弦律，提升音乐的演奏技巧。

（四）合理的想象

在音乐作品的学习过程中我们应当有合理的想象，当旋律轻快明亮时，我们可以想象作者特别的高兴与兴奋；当旋律悲伤沉重时，我们应当想象作者的悲伤与压抑情绪。通过合理的想象，了解作品表达的思想感情，只有这样才能吸引观众。

三、结语

新课改以后，人们越来越重视孩子的全面发展，音乐的学习不但可以陶冶情操，而且可以素质，但是音乐的学习基本功是关键，本文阐述了如何提升学生音乐学习，如何提升演奏技巧，希望对学生的音乐学习有所帮助。

钢琴教学技巧探讨:分析钢琴演奏技巧及教学要点

【内容摘要】在现如今的社会中，音乐已经成为人们不可缺少的一部分。而与音乐息息相关的钢琴也是人们学习的主要乐器，从非专业到专业，有很多学生选择到大学深造自己的钢琴技能。钢琴的演奏，是整个钢琴教学的一个重点，也是目标。文章分析了钢琴演奏所需要具备的技巧，以及在教学过程中需要注意的事项。

【关键词】高校 钢琴 演奏 技巧 教学

一、钢琴演奏过程当中的基础技巧

1.钢琴音阶的演奏技巧

在钢琴练习中，音阶的弹奏是一项基本功，这项基本功的程度是从是否流畅、连续，音质怎样等多种角度来判断的。①比较优秀的音阶弹奏是不管从低音到高音还是从高音到低音，一点都听不出来手指转换的停顿。这就要求学生在弹奏的过程中一定要注意手指是否灵活，之前就要把拇指练得非常熟练。教师在进行音阶教课的过程当中应该时刻提醒学生，要按照正确的指法进行练习，这样在训练的熟练了之后才可以在以后的钢琴演奏中熟练的运用。

2.钢琴演奏的基础技能练习

要学好钢琴，就要掌握正确的钢琴弹奏方式，而且这些弹奏方式都不是先天就可以掌握的，都是通过以后的学习和练习，最后才能够正确弹奏的。因此，想要提升学生的钢琴演奏水准，教师一定要保证所教授的演奏方式是正确的。对于钢琴来说，最基础的弹奏方法包含：连贯音阶、不连贯音阶和跳跃音阶的演奏。连贯的音阶对于学生的弹奏来说要有很好的独立性，大多数学生在弹钢琴时，一般会发生前一个音阶还没有全部抬起，后面的音阶已经弹下去的情况。导致这样的状况有两种可能的因素，第一个是还没有训练出手指的独立性，第二个因素是没有对力量进行很好的控制。②钢琴连续音阶的弹奏方式重点在于力量的传递，也就是说在弹每一个音阶的时候，要把手臂放到琴键上的力量从一个手指上传递到另一个手指上。在这个过程当中，能够感受到音阶有向下传递的倾向，在一个音阶弹奏完的时候，手指要留住比较微小的力量在琴键的底部来当作第二个音阶的支撑点。而非连续音阶弹奏的方式，要格外注重先把手臂慢慢地抬高，比钢琴键盘稍微高一些即可，手指回弯、手自然下落，手臂缓慢地放到琴键上。把正在弹奏的手指缓慢地按在钢琴的键盘上面，手指的顶端需要站立好，手掌和各个关节都不可以有塌下来的地方，手指的尾部的一端也不能塌陷下来。训练这种音阶弹奏的方式，一旦学生不能掌握的话，就有砸到琴键的情况发生。因此，力量的教学是非连续音阶的教学的重点。③

3.音乐的感觉和节奏的感觉需要掌握好

节奏对于音乐来是非常重要的，节奏也被人们形容成是音乐的心脏，不一样的音乐都与不一样的节奏存在关系，不一样的节奏放在同样的音乐里面都会产生不一样的效果。教师在进行节奏练习的时候，应该对学生有着一些要求，比如说，要明白节拍、数清楚节拍、让速度一致等，在教学的初期就应该让学生养成在弹奏的过程中自然而然的进行数拍子。然后，让学生自己能够感觉到节拍是否准确和打拍子是什么样的感觉。之后，再让学生进行对于节奏的练习，让学生能够感受到节奏。因为，有些学生能因为打拍子而打拍子，像个机器一样，而不是去感受节奏的特殊的性质、分组的情况，这样的学生并不能够掌握音乐当中的节奏的感觉，也不能正确的表达出弹奏里面的技能和感情的表述。④

二、钢琴教学中的注意事项

1.钢琴教学中要注意根据学生的特点教学

在进行钢琴的教育过程当中，教师应该首先了解学生的想法，从这方面入手，进行钢琴的教育。因为，不管是演奏钢琴的人，还是听众，都需要用心去沟通，好的音乐是不需要言语的交流的。假如在钢琴的教学过程当中，教师只是让学生像个机器一样练习技能的要点，而且还把这种练习当成了最后的训练目的，而不去要求学生做感情的投入和交流，那么弹奏出来的乐曲也是不带感情的，更不会打动人。学生只有在知道了乐曲中饱含了怎样的感情之后，才能够在心里琢磨，并且在技巧上持续的训练，最后才能够进行很好的演奏，从而让听众达到满意的效果。在这一过程当中，教师一定要监督学生的演奏的心理，在某种程度给予指导。⑤

对于所有事物的教学都是不可以脱离需要教育的人而单独存在的，因此，教师作为种育人者应该在教育中总结出一种切实可行的教育方法，并且这种方法一定是正确的。不仅要关心学生在音乐上的需要，而且还要注意他们在音乐心理和自身特点上的进步，更要根据不同学生的不同心理和素质等特点进行教育。

2.要注意钢琴创新性素养的教学

音乐从其本质上来讲，是一种创造并且开创的新意过程。就好像这个地球上从来没有过一模一样的树叶一样，不一样的人弹奏同样的一首乐曲给人的感觉也会是不一样的，或者是同样的乐曲一样的人但是在不一样的时间弹奏的时候也会有着不一样的感觉，因为人的心态和阅历是会变化的。音乐永远吸引人的地方就在于其本身所具有的永恒和人们所赋予其新的含义。人们在写作音乐和乐曲的同时，也是对于人类自身的重新认识。

面对不一样的音乐应该进行不一样的理解，不同的人对于音乐也会有着不一样的理解。教师应该让学生大胆地进行创新，对于遇到的问题自己进行解决，这样才能通过自学的方式学好钢琴，并且对于钢琴保持着良好的兴趣。

作者单位：哈尔滨师范大学音乐学院

钢琴教学技巧探讨:基于音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用研究

【摘 要】在钢琴教学中，音乐元素是必不可少的基本乐理知识，同时也是提高钢琴教学质量的重要手段，作为钢琴基础内容，音乐要素是学生弹好钢琴的关键，对钢琴教学的顺利开展有着导向的作用。本文主要对融入了音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用进行了研究和探讨，以期为钢琴教学提供建议，进而促进学生钢琴演奏技巧的提高。

【关键词】音乐要素；演奏技巧；钢琴教学

一、引言

钢琴演奏追求的是在演奏中准确的对音乐进行诠释，这就需要学生熟练地掌握演奏技巧，分析作品中的技术手法，并且要想体现音乐的艺术，过硬的技术永远都是不可缺少的关键要素。但是在实际教学中，钢琴教学方法显得杂乱无章，学生也不容易掌握演奏技巧，而作为基础的音乐要素怎样渗入到钢琴教学中，又怎样突出演奏技巧，这些都是当前钢琴教学中值得研究和讨论的问题。

二、钢琴演奏中融入音乐要素的教学训练

在钢琴教育家卡尔・莱默尔的钢琴教学中，对钢琴的教学方法提出了很多的建议和要求，在钢琴演奏中学生需要放松，例如手指和手臂要处于自然状态，而且肌肉也应该是处于放松状态，这里强调的就是让学生用意识去控制身体状态，同时还强调了一点，就是利用一切可能的触键方式，也就是演奏技巧，同时节奏需严格，但也要自由，才能让演奏变得游刃有余。

（一）放松训练。学生只要具备了放松的状态，钢琴演奏才会更自然，因此，学生首先需要进行放松训练，在训练中要注意训练学生指尖的敏捷性，尤其是手指的第一关节。可以先让学生学习手指的站立，逐渐过渡到五个手指都能自如的交换和连接，先锻炼每个手指的独立性，然后锻炼学生五个手指的合作协调性。在实际教学中，教师可以先让学生反复练习1212 1313 2323 1414 2424 1515 2525 3535。对于颤音的练习，教师可以让学生先慢弹两个音，并弹响，熟练之后就逐渐加快速度，一直到音色均匀、清晰、快速，动作也要干净利落。双音和和弦的练习，教师则需要引导学生将手指一个个分开进行单音练习，当控制好之后再合起来练习，进而要满足清晰整齐的弹奏要求。

（二）技巧训练。钢琴演奏技巧训练是属于有针对性的技巧训练，主要是实施和推广演奏技巧，包括节奏、触键方式、力度和踏板等方面。触键方式有多种，其基本要点涉及演奏的姿势、断奏、半连奏、非连奏以及连奏等，触键技巧的应用是钢琴教学中最基本的内容之一，教师必须要严正以待。触键技巧的运用可以从不同角度帮助学生体会和感受钢琴技能，手作为人体重要的一个组成部分，在钢琴演奏中同样重要，例如当学生将手指的第一关节和琴键之间的关系了解并掌握之后，在实际演奏中就能逐渐掌握音色的好坏，所以，手指尖敏感度的训练非常重要。例如贴键技巧，无论学生对演奏技巧掌握到何种程度，我们都提倡“低指”的触键方式，也就是需要在下键发出声音之前将手指贴在键盘上，尤其是在进行和旋的演奏时，手指要有一定力度，将每一个和旋弹完以后手指都不能离开键面，用该种方法进行和旋的演奏，会让手指落键更加有把握。但是有些学生在连续弹奏和旋的时候出现缺音和漏音的情况，这主要是因为用力不均匀，采取这样的方法更容易使学生对手指进行控制。

（三）听音训练。在教学中，还需要训练学生的听力，使其听得见一切的音乐要素，这样学生才能自己判断音乐的好坏，同时也能更加容易掌握并控制自身演奏中节奏的准确性、声音的质地和色彩等。听力的训练首先要从对曲调意义的理解开始，而曲调的理解则需要先掌握好音乐的语法。因为只有了解并深刻理解句法之后，才能进行“听音”的训练，进而让学生逐渐形成乐感，为之后的演奏奠定好的基础。而听音训练应该是基于严格和自由的节奏，节奏首先是由心生，然后存在于全身，最后由指尖体现。在实际教学中，可以让学生用手拍桌子的方式来训练打节奏，或者采取指挥图形引导学生打拍子，根据具体需要选择强弱拍，也可以选择用手打大拍，用口打分拍，从一分二直至一分八的方式。

三、结语

总而言之，在钢琴基础教学中音乐要素、乐理知识是尤为重要的，两者相互依赖，相互促进，在钢琴教学中，教师需要掌握钢琴基础学科的特点及其教学客观规律，秉承着初级教学的教学规律，帮助学生掌握基础乐理知识和基本演奏技能，并形成良好的学习习惯，进而为之后深入学习钢琴演奏技巧奠定良好的基础。

钢琴教学技巧探讨:浅谈钢琴教学中踏板的运用技巧

【摘 要】文章在简要梳理钢琴踏板发展历史的基础上，系统分析了钢琴踏板的种类、正确使用方式与踩法等，并结合笔者的钢琴训练与表演经验，总结了钢琴踏板运用过程中应注意的问题等。这一方面帮助我们深化对钢琴踏板应用重要性的认识，另一方面也能够为钢琴踏板训练提供必要的指导与借鉴价值。

【关键词】钢琴踏板 运用技巧 注意问题

俄国著名钢琴演奏大师安东・鲁宾斯坦曾说过：“钢琴音乐中有些段落就是这样的，踏板意味着一切，我从事演奏的时间越长，越感到踏板是钢琴音乐的灵魂。”这充分彰显出踏板在钢琴演奏过程中的重要性，尤其是近年来伴随着我国钢琴设计水平与演奏技术水平的不断提升，更是极大地凸显出踏板技术的有效掌握与应用在钢琴训练与表演过程中的重要性。

钢琴踏板的种类

1.左踏板

在不同的钢琴上，左踏板的作用方式也各不相同。在立式琴上，当左踏板被踩下的时候，推动琴槌向前整体移动，使其与琴弦之间的距离被缩短，由此减少冲击力，从而弱化了其声音；而在三角钢琴上，当左踏板被踩下时，整个键盘便会向左或向右移动，由此使琴槌仅仅击中其中的两条琴弦或者是一条琴弦，从而减小击弦的声音，呈现出个性化的音质效果。

2.中间踏板

在立式钢琴上，中间踏板主要是用来减少共鸣，从而实现消音的作用；而在三角钢琴上，当中间踏板被踩下的时候，既可以产生持续低音的效果，也可以实现多声部音响的效果。

3.右踏板

在钢琴演奏过程中，当右踏板被踩下时，其中的制音器便会同时离开钢琴中对应的琴弦，从而使与弹奏出的音相关的泛音能够形成一定的共振效果，产生一个系列的泛音效果，即便是手指离开琴键，仍然会保持一段时间的余音并逐渐趋于消失。如果在松开琴键的同时，弹奏者又松开了右脚的制音器，使其迅速返回到原来的位置，从而使音乐立刻停止。这便充分彰显出制音器在钢琴弹奏过程中的作用。

钢琴踏板的正确使用方法

1.脚的位置

在使用钢琴踏板过程中，脚的位置不仅影响踩踏的位置、踩踏的深度与踩踏的精确性，由此影响到踩踏的质量，还直接影响脚部踩踏时的灵活性以及与手部之间的配合效果等，是使用钢琴踏板应首先明确处理的一个动作。我们在训练和应用钢琴踏板之初便应注意这一问题，由此形成良好的习惯，为接下来脚部动作、灵活与深度的处理奠定基础。

2.脚的动作

在实际钢琴演奏过程中，由于很少意识到钢琴踏板动作的规范性，也没有进行相关的学习与训练活动，由此造成很多人都是按照自己的习惯进行钢琴踏板活动，从而形成了多样化的动作样式，包括斜着踩、用整个脚掌盖在踏板上面踩、用脚掌心踩或者是脚跟离地来敲击踏板等。然而，正确的钢琴踏板动作应当是在脚后跟着地，脚掌的前半部分贴在踏板上面的基础上，适度地用脚掌贴着钢琴踏板进行上下运动，一定要提高脚腕的柔韧性与灵活性，由脚腕带动小腿自由地进行上下运动而不需要其发力。基于此，我们在日常训练过程中，一定要有意识地加强对钢琴踏板的训练活动。

3.脚的灵活性

在钢琴训练与表演过程中，踏板的应用必须要与手部击键形成有效的配合，既要保证踏板的位置、动作、深度、速度与节奏的准确性，同时还必须与手部击键形成有效的搭配，由此才能形成准确而良好的音准与音质效果。基于此，我们在日常训练过程中一方面要加强对钢琴踏板的应用，通过大量的训练活动，从而掌握钢琴踏板应用的感觉，由此能够根据曲谱的要求游刃有余地应用钢琴踏板；另一方面则要有意识地锻炼自己脚腕的灵活性、小腿的控制力以及脚掌、脚腕与小腿之间的运动协调性与一致性等，从而为钢琴训练与表演过程中灵活地应用钢琴踏板奠定基础。

4.脚的深度

脚的深度即踏板的深度，指的是脚掌将踏板从原来位置踩到底端的距离。不同的踏板深度所呈现出的音色效果也各不相同。在实际操作过程中，右脚踏板应用最为频繁，我们以右脚为例，根据脚的深度可以将其分为“全踏板”“半踏板”“四分之一踏板”和“四分之三踏板”等。其中，“全踏板”即右脚将踏板踩到底，往往应用于增加音量或者是延续时值之间的钢琴演奏活动。“半踏板”则是右脚将右踏板踩下一半深度，或者是抬起右脚时仅仅放掉一半的踏板深度，主要是为了在追求一个和弦或者是一个音的延续的同时，呈现出明澈、洁净的音响效果等。除此之外，“四分之一踏板”和“四分之三踏板”也被称为是部分切换踏板，即在实际钢琴演奏过程中，“四分之一踏板”要求演奏者踩动踏板达四分之一深度，轻轻点动而产生效果即可，往往适用于表现温和、轻柔的音质效果；而“四分之三踏板”则是要求演奏者踩动踏板达四分之三的深度，但又不是将其踩到底，往往适用于丰润音响效果的快速乐段等。

钢琴踏板的踩法

1.节奏踏板法

节奏踏板法在实际演奏过程中技术比较简单，但其不仅可以加强钢琴弹奏的节奏性，还可以增强钢琴演奏的音乐色彩，增强其音乐听觉审美特征和情感表达效果，由此成为钢琴演奏过程中重要的踏板方式之一。具体来说，采用节奏踏板法只需要确定需要加强或者是需要润色的音，随后脚部踏板与手部按键同时进行即可。比如波尔迪尼的《跳华尔兹的洋娃娃》是一首音色单纯、节奏明快的3/8拍圆舞曲作品，我们在实际演奏过程中，可以在第1小节至第21小节的每一小节第一拍部分运用一个钢琴踏板，由此增强此首舞曲给人所带来的舞蹈感，并突出其音乐律动性，由此淋漓尽致地展现木偶娃娃跳舞时活泼可爱、憨态可掬的形象特征，从而给听众带来独特的音乐形象审美体验。不仅如此，我们在演奏肖邦的《辉煌的大圆舞曲》的过程中，在第23小节至32小节的各个小节第一拍在踩下钢琴踏板的过程中，可以保持几秒钟不松开，随后再配合以左手第一拍的力量下沉，由此呈现出一个活泼欢快、充满激情的音乐形象，营造出一种热烈奔放的音乐色彩。这正是此首大圆舞曲作品所呈现出的主体情感特征。

2.连音踏板法

连音踏板法的钢琴踏板动作主要是在各个拍子之后被踩下，类似于切分音，因此又叫做切分踏板法或者是音后踏板法等，其核心功能主要是为了能够把乐曲作品中不同的音很好地连接在一起，由此在使用连音踏板法的过程中一定要呈现出和声准确、层次分明、旋律协调一致的效果。具体来说，在实际钢琴训练与演奏过程中，演奏者的脚部踏板动作和手部按键动作是相反的，即手指在按下某一音的同时，脚部立刻松开，并随后再马上踩下去，难点就在于必须通过大量的训练使脚部松开踏板的动作与随即踩下踏板的动作连贯一致、一气呵成，一定不能出现停顿或者是松开与踏下深度不到位的问题，而必须轻柔自如而又干净利索等。在此过程中，演奏者一定要处理好“听辨”、“感受”与“调整”三个方面的问题。

3.抖音踏板法

抖音踏板法也叫做颤动踏板法或者是碎踏板法等，主要是将“快速”、“轻巧”与“持续”之类的动作进行协调搭配，由此增强制音器的抖动速度与节奏，有效地避免音质不清晰或者是不完整的问题，使各个音节清晰自然、完整流畅，最终呈现出独特的韵律效果，往往是用来减少声音洪亮程度或者是增强音色节奏性与分割性而选用此种踏板方式。在实际训练过程中，我们一定要加强脚部动作的灵活性，使脚掌、脚腕与小腿之间进行有效的协调与搭配，从而顺利地进行抖音踏板活动，呈现出其应有的抖音效果。基于此，我们在日常学习过程中，一定要加强腿部协调性与抖音技巧的训练，为实际的钢琴作品演奏活动奠定基础。

总体来说，踏板是在长期历史发展过程中，伴随着人们对于钢琴音乐持续不断的追求以及钢琴乐器不断的变革与创新过程中而形成的钢琴乐器的一个重要组成部分。基于此，我们在日常钢琴踏板训练与应用过程中，一定要提高对钢琴踏板重要性的认识，加强这方面技巧的专项训练活动，并一定要注意和声变化与作品风格特征，加强对钢琴踏板的处理等，由此展现其应有的使用价值。

作者单位：陕西学前师范学院 陕西西安

钢琴教学技巧探讨:钢琴演奏与教学中的触键技巧之管窥

【摘 要】触键是钢琴演奏重要的内容之一。触键技巧决定了钢琴演奏发声的优美程度，表现了演奏者对钢琴作品的表现能力。笔者结合教学经验，立足钢琴演奏中触键的重要性，探讨触键技巧。

【关键词】钢琴演奏；触键方法；技术

触键技巧是每一位钢琴演奏者需要掌握的基础能力，其关键之处并不是形式上的可丁可卯，而是在情感理解和技能训练的基础上利用适合的演奏方法进行作品的表演。钢琴教师可以借鉴钢琴家的技术手段，帮助钢琴初学者们掌握触键技巧。

一、钢琴演奏中触键的重要性

周广仁老师在讲座中明确指出：“为了更好地理解音乐作品，就必须对作品的音乐风格有深入、正确的把握，如果不能对音乐风格特点做出准确的判断，就谈不上对音乐作品有深刻的理解。”我们只有根据演奏者在演奏过程中对音乐风格的把握程度判断其对音乐的理解程度，但是音乐作品风格不尽相同，这种情况下，我们可以通过分析演奏者的触键方法来判断演奏成功与否，该演奏者的触键方法恰当无误、与音乐作品的风格相适应，那么演奏就是成功的，换句话说，钢琴演奏中触键在音乐风格上的表现占有重要地位。

无论是从历史发展角度研究，还是国家民族方面入手，或者是针对性地对个体进行研究的角度来讲，地域不同、时期不同和风格不同，在音乐演奏作品的速度、装饰音、声音、奏法、演奏方式等方面都是不相同的。钢琴音乐作品的数量逐渐增加，相应的对钢琴演奏水平的要求也越来越高，这就提高了对钢琴演奏训练的要求，推动钢琴演奏技巧的不断发展。同时，钢琴触键的多样性，要求必须熟练掌握钢琴触键技巧，每首音乐作品的钢琴演奏需要多种不同形式的触键技巧共同完成，保证钢琴演奏的完美性。

二、钢琴演奏教学中的触键技巧

（一）掌关节塌陷需要的训练。手指和手掌两者之间的连接部位就是掌关节，掌关节控制着手指的动作，钢琴初学者掌关节表现为支撑力较弱、稳定性较差。对此，可以先练习非连奏，实现手指支撑力的训练。“提起手，落下去”训练时，首先要保证手指完成支撑动作，支撑好所训练手指的掌关节，再依次对手掌、手腕、手臂、肩等部位进行依次调整，上述部位均要放松，自然下垂，慢慢感受掌关节受到的支撑力，或者利用另外一只手，对训练手指支撑着的掌关节进行轻抚动作。完成掌关节的自然撑起后，立即检查手腕、手臂、肩等部位是否放松。在训练掌关节和十个手指的过程中，不要急于求成，要耐心、细致地对十个手指进行练习，很快就能达到加强掌关节支撑力和稳定性的目的。

（二）手指第一关节“塌指”需要的训练。所谓的手指支撑力，就是手指三个关节在承受重力时保持稳定状态，其中手指的第一关节是其中最难保持稳定性的关节，在承受压力时很难保持自然状态。针对这种情况，在弹奏基本练习过程中，钢琴教师要引导学生先尝试用较小的力度弹奏，在保持手型稳定后方可进行弹奏训练，可以使手指第一关节及其他关节承受越来越大的重力。除此之外，家长可以帮助孩子进行一些辅助练习，练习手指第一关节的支撑力，比如“勾指练习”，具体操作为：家长勾住孩子手指的第一关节和孩子玩拉钩比赛，利用孩童爱玩的天性，有效地激发孩子的学习兴趣，有效、快速地解决“塌指”问题。

（三）小指问题需要的训练。在训练小指的过程中，尤其需要注意支撑力。在钢琴曲目的立体音响中，通常弹奏最低音的是左手小指，弹奏最高音的是右手小指，需要注重加强这两个声部线条，而关键就是小指是否坚实，由此可见，训练小指十分重要。不同人的小指不尽相同，在粗细、长短以及形状上都存在很大差异，因此，触键技巧不会要求姿势完全一致，小指问题相关的训练需要注意以下两点：第一，小指单独练习中，手要平正，手型要舒展，在小指弹奏过程中，手要向小指一侧倾斜；第二，小指由于无法自主地完成抬起或弹下动作，通常情况下用翻动手掌代替小指动作，但是，当小指独立触键时，注意不要用翻动手掌的方式代替，要让小指自己动起来。

（四）大指第二关节需要的训练。大指通常情况下呈现的特点是力量足够，但是缺乏灵活性，在钢琴弹奏中大指几乎没有抬起动作，弹下动作也不是单独完成的，指型通常表现为第二关节紧贴手掌。因此，在大指的训练过程中，不要让手掌、手腕参与到训练中，训练大指独立完成抬起、弹下动作。大指的第二关节为大指提供独立动作的动力，加强对第二关节的活动，注重第二关节的运动技能，大指就能在最有效的时间内实现灵活性和独立性。大指第二个关节的训练可以在二指的辅助下完成，让大指和二指的指尖互相捏住，呈现大O型，用大指和二指指尖相互捏住的点进行钢琴弹奏，待大指的第二关节渐渐稳固之后，再慢慢分开大指和二指，直至二指放在自己的键上。

只有结实的手指指尖与手掌关节充分发挥灵活性，以及手掌充分发挥相应的稳定性，才能实现肩到臂、臂到腕、腕到手指的重量，再由指尖触碰键盘，进而演奏出优美动听、变幻无穷的音乐作品，钢琴初学者在钢琴教师的帮助下，经过长期不懈的努力和练习，尽快掌握钢琴演奏中的触键技巧，一定可以演奏出完美动听的音色。