绪论:写作既是个人情感的抒发,也是对学术真理的探索,欢迎阅读由发表云整理的1篇钢琴教学初探范文,希望它们能为您的写作提供参考和启发。
论文关键词:钢琴 音乐教育 高师
论文摘要:高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”!
在高等师范院校音乐教育专业的科目中,钢琴课占有举足轻重的地位。随着高师音乐教育的迅猛发展,社会对音乐教师的需求加大,钢琴课也应紧跟时代步伐,在教学内容,方法,形式等方面做出相应的调整,以适应高师音乐教育专业学生未来的职业需要。对于音乐教育专业的师生,如何从事钢琴课的教学,,如何采取科学理性的方式,将这门复杂的功课做好,这是本文探讨的主要问题。
一. 教师要根据学生的程度因材施教,学会分级教学
随着国脚高校扩招政策的实施,音乐教育专业的学生入学率大幅提高,学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴,基本功扎实,音乐表现力丰富,他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生,老师们教学难度不是太大,除了采用《高师钢琴基础教程.》第三,四册之外,常常辅以肖邦部分练习曲,夜曲,圆舞曲,贝多芬早期奏鸣曲,以及巴赫平均律等技术与音乐艰深的曲目,其目的是丰富学生的技术面,提高其音乐表现力,锻炼学生的意志品质与耐力。
还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴,他们只是学习一到两首曲目来应付高考,其本身钢琴演奏的技能很薄弱,基本功不扎实,弹奏动作僵硬,识谱很慢,用数字来标示五线谱的学生不在少数。对于这类学生,钢琴教师应在教学中给予更多的关注,他们需要老师更多的细心,耐心与爱心。对于他们,老师在教学上进行严密的安排与部署,需要最大限度的去开发其潜能,加强他们的基本功训练,在有限的两年中,使他们除了掌握一定的表演技能以外,还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识,以适应其毕业以后得工作实际需要。
二. 教学中应贯彻融合性原则
高师音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标,走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力,同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解,并且有独立的研究能力和教学能力。高师音乐教育的学生,除了会演奏钢琴以外,还有会教钢琴,用钢琴为个唱,合唱伴奏,在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。
因此,要求钢琴教师在教学中应提倡综合式,融合式的教学,讲究课程的整合,按照音乐教育规律实现教学的协同效果,最终使学生综合素质得到提高。作为音乐科目的基础课,钢琴课与其他终点科目,比如视唱练耳,和声及作品分析,西方音乐史都有千丝万缕的联系,音乐科目中与钢琴没有任何联系的少之又少。这种情况就要求教师在教学中注重钢琴课与其他姊妹学科的联系,能够渗透其他学科的部分内容,拓宽教学视野。当然,我们的老师在教学中也应保持钢琴本学科的侧重点以及自身个性,绝对不能将钢琴课上成音乐欣赏课,这就要求老师们有一种驾驭全局的教学功底,在此基础上以点带面。
三 .教学目标要明确,要细致分析教材
钢琴教学的内容制定与教学目标,对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时,应重视理论的教学,二者是相辅相成的。对于具有独立思考习惯的“90后”学生,演奏与教学理论的研究可以使他们对钢琴技术的了解更加深入。学生通过老师的理论指导,会拓宽演奏与联系的思路,学会逻辑的分析自己的技术训练,最终突破技术的瓶颈。教师应明确的向学生阐述自己的教学目标,使学生学习的方向更加清晰,从而能够活学活用,学有所思,学有所用,为自己将来从事教学工作奠定坚实基础。一名负责任的钢琴教师应随时根据教学大纲制定并修整自己的教学纲要,这样才能使教学更加系统化。
作为工具,高师钢琴教材在实际教学中发挥着重要的指导性的方向作用。教师应该明确教材的的作用是:通过它系统的传授给学生演奏技能;通过它研究中外音乐大师的经典曲目促进学生人文素质的提高:通过学习它使得学生综合素质得到提升,心智得到发展等等。教师在明确其作用后,更应该研究教材的训练目的,明了教材所选曲目的艺术价值,能够准确分析所选曲目的曲式,和声特点。为了能够使音乐教育专业的学生能够胜任毕业后从事的中小学音乐教师的工作,部分高师音乐教材还增添了中外乐曲的钢琴伴奏曲,同时为了促进学生的协作能力,又编选了一部分四手连弹曲目,教师应对这两类曲目同样重视,这样才能使教材的应用性得到最大程度的发挥。
四.拓宽教学视野,提倡创新意识
教师在钢琴教学中,应大胆实践,不断拓宽自己的新的教学思路,不能拘泥保守,一成不变。钢琴课作为高师音乐教育的重要技能课,核心课,基础课,本身应该具备开放,多元,发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内,两耳不闻窗外事。他们应该更加关注我国高师音乐教育发展的大方向,关注国内外新的教育理念,通过学习再学习,使自己的教学与时俱进,不断创新。
高师培养出来的大部分学生,面临着社会整体钢琴教育的重任,他们身后是几千万的琴童,这就要求音乐教育专业的钢琴主科教师们迫切提高自己的教学水平,通过自身的努力,培养出更多优秀的教师。一方面,他们要立足本土,通过观摩,学习周先生等老一代教育家的教学法,另一方面,通过互联网等多媒体了解国外钢琴专家的演奏与教学,这样才能使自己的视野更加广阔,更加多元化。
以上是笔者在观摩部分高师音乐教育钢琴教学之后产生的一些思索。高师钢琴教学这一课题是一个发展性课题,还有很大空间去挖掘。随着高师音乐教育改革的深入,我们对此关注的视点将更加广泛,深入。笔者期望通过中国高师整体教育水平的提高,钢琴课的教学能够“会当凌绝顶”,“更上一层楼”!
内容摘要 :海顿早期钢琴奏鸣曲是古典奏鸣曲中包罗万象的微型世界,是巴洛克与古典风格演变的桥梁。文章从曲式、调性、节奏、装饰音和乐思五个方面分析海顿早期奏鸣曲的风格特点,并阐述其钢琴演奏的教学意义。
关 键 词 :海顿早期奏鸣曲 交响乐思 教学意义
海顿一生创作了62首钢琴奏鸣曲。历史上,音乐学家对于海顿全套钢琴奏鸣曲的分期各有己见。两位海顿专家布郎(a. peter brown)和拉森(j.p.larsen)分别将所有海顿奏鸣曲分为5期和4期。但关于早期奏鸣曲,两位专家的分期基本得到共识:从海顿最早的钢琴作品到1766年的作品。因为1766年是标志性的一年,这一年海顿供职的艾斯特哈兹家族(esterhazy)在纽锡德尔湖教区新建了艾斯特哈兹行宫。海顿随同艾斯特哈兹亲王住进了艾斯特哈兹,并在此走过了长达30年的音乐生涯。
海顿已出版的所有奏鸣曲中有18首是完整的早期作品,另外7首仅仅是主题部分。海顿本人对他自己的早期作品并不很欣赏。在给莱比锡出版商的书信中,他写到:“那些我年轻时的作品,不值得保存。”海顿所谓“年轻时的作品”,其实是写给学生们的习作,其中包含了多方面的教学细节内容。海顿没有想到这些早期作品中遗留的点点滴滴,已成为当今学生学习古典作品的最佳教材,并成为后人了解当时欧洲音乐风格不可缺少的宝贵钥匙。幸好出版商们仍保留了少量的早期奏鸣曲供后人欣赏和研究。
笔者发现,海顿的早期钢琴奏鸣曲并未广泛引起教师们的关注,尤其是年轻教师们的关注。学生经常在学习完少数小奏鸣曲后直接跳级到莫扎特或贝多芬等人的大型钢琴奏鸣曲。这样的跳跃性选曲常常给学生对作品的理解与演奏造成很大的障碍。根据作品难度的深浅、风格的演变而循序渐进地选曲,是钢琴教学的一大难点。而海顿早期钢琴奏鸣曲正是难度适中,连接于巴洛克与古典风格之间的最佳桥梁性作品
一、多乐章的奏鸣曲
纵观音乐历史文献,奏鸣曲这一曲式的形成是经过一个漫长的演变并完善过程的。最早的三重奏鸣曲(trio sonata)、巴洛克时期的二段体键盘奏鸣曲(sonata)和古典时期奏鸣曲,其结构都有所区别。就拿古典时期维也纳三杰的海顿、莫扎特和贝多芬的奏鸣曲来说,其三人的奏鸣曲结构风格也有着诸多不同,笔者简要称之为海顿的摸索、莫扎特的完善和贝多芬的演变。海顿早期奏鸣曲是间隔于巴洛克与古典时期的交接点。由于早期古典奏鸣曲曲式还未完善,海顿为此做出了诸多尝试和巨大的贡献。
海顿早期奏鸣曲虽也统称为奏鸣曲(sonata),但实质上仍是小奏鸣曲(sonatina)、帕蒂塔(partita)或嬉戏曲(divertimento)。相比于巴洛克时期的单乐章奏鸣曲,海顿大大扩充了奏鸣曲的乐章规模。早期18首完整作品中有三首是二乐章,两首是四乐章,其余的都是三乐章。在快板奏鸣曲式乐章中,海顿仍保留了巴洛克风格的二段体结构形式,但创新地加添了原本只在宫廷音乐中出现的小步舞曲(menuet)乐章,并使之风格更为朴实和民俗化。
奏鸣曲的乐章之间有着结构的平衡感,内容的完整性和乐思发展的逻辑性,因此在演奏时也应当被完整地呈现。让学生掌握一首完整的大型奏鸣曲并把它完整地演奏出来,若没有达到一定的水平是决不可能的。渐渐地,仅只演奏奏鸣曲中的某一乐章已成为学生学习奏鸣曲的一个常见现象。倘若仔细推敲作曲家对于乐章之间的安排,我们不难发现,乐章之间是一个决不允许断章取义的完整的整体。因此,海顿早期奏鸣曲各乐章的篇幅短小,内容简洁明了,自然就成为学生学习完整地演奏奏鸣曲,掌握对这一重要古典音乐曲式总体结构的最佳选曲,为今后完整地演奏大型奏鸣曲打下良好的基础。
二、明朗的调性
18首完整的作品中只有一首是小调,第19首e小调(作品号hob. xvi/47)。笔者推测,海顿在创作这些为学生而作的习作时也许考虑到调性及其音乐表现之间的关系。大调作品就其明朗、积极的感情内容来说更易被年幼学生们所理解和表达。例如,我国中央音乐学院钢琴考级一级的曲目中就选取了海顿奏鸣曲第1首(hob. xvi/8)的第四乐章,g大调。
三、人物化的节奏型
海顿的音乐风格以幽默而著称,他的幽默首先就表现在节奏特点方面。逐首翻阅其早期的奏鸣曲,即便是最短小的作品都有着丰富的节奏变化。笔者归纳海顿早期作品中出现较多、学生较难掌握的节奏型有三种:附点节奏、三连音节奏和连续的三十二分音符。海顿巧妙地运用这三种节奏型,并赋予它们生动的人物个性化特点,从而展现其幽默风格。例如,第1首第一乐章1至4小节中的附点与三连音的巧妙连接似乎呈现出了一个傲气却又立即转变为婉转神情的顽皮小孩的形象(见谱例1)。
虽然音乐的理解与表达并不能用语言也不是用具体的词汇所能完全表述的,但为了使学生能顺利地进入音乐的理解领域,笔者认为阶段性地适当地借助于语言形象化描述,有助于学生对音乐这一抽象化艺术的理解。以上举例中所谈到的节奏类型就其识谱来说,对于学生有一定的难度,但从音乐形象处理上却是很贴近学生(尤其是小孩子)们的情趣,是容易被理解和表达的。因此,海顿一系列的早期奏鸣曲有着钢琴教学中把声音与情感表达联系起来的重要的实践意义。
四、变化多端的装饰音
装饰音看似不起眼,却是一门深奥的学问。它是巴洛克、洛可可以及早期古典时期对旋律美化的具体体现。让学生们意识到装饰音的存在并感受每种装饰音的不同韵味将是海顿早期奏鸣曲中可挖掘的另一大意义所在。学习这些作品不仅让学生们消除了对装饰音的心理惧怕和疑惑,更加强了对早期古典主义风格的了解。
海顿的作品善用装饰音,其早期的奏鸣曲不但装饰音用得频繁且种类甚多,带有浓厚的巴洛克色彩,其中以回音(turn)[∽]和颤音(trill)[ tr ]最为常见。海顿还另外独创了两种符号[ ][ ]来表示他的回音,音乐学家们称之为“海顿回音”(‘the haydn turn’)(见谱例4)。在海顿的手稿中,以上三种回音符号可以代换使用。(以下谱例中的回音符号表示同一种弹法都是四个音符回音开始于上邻音。)
装饰音的使用一是美化旋律,但更实际的用途是与当时的乐器有着密切的关系。海顿喜爱在音色较为优美的维也纳式古钢琴(clavichord)上演奏。虽然其声音的延续相比于英国式大键琴(harpsichord)更有表现力,但还是需要装饰音来填补音的时值。海顿丰富的音乐想象力就表现在他丰富多彩的装饰音语言上。他的装饰音中除了回音和颤音两种装饰音以外,还有倚音(appoggiatura)、上涟音(inverted mordent)[ ]、下涟音(mordent)[ ]、溜音(slide),分解和弦(broken chord)等装饰形式。
海顿装饰音的种类写法之多是海顿学家们研究的重大课题,演奏家们也是凭借个人的音乐品位推测装饰音的实际弹奏方法。笔者在此特别要指出的是,装饰音最大的难点和意义不是死板地给每个符号规定弹法,而是在每种符号基本弹法的基础上能做到灵活变通。这就需要学生在学习装饰音的过程中不能死记硬背,而是要联系乐曲上下文、感受旋律内在的律动而决定装饰音的实际弹法。海顿早期奏鸣曲中装饰音之丰富是他本人后期作品以及任何一位后来作曲家所不能及的,这些对于建立学生对古典旋律中装饰音的品位是最佳的练习作品。
五、交响乐化的乐思
海顿早期钢琴奏鸣曲有着丰富的交响音色。众所周知,海顿是交响乐之父,一生创作了104部交响乐。早期交响乐主题创作手法中多采用了分解和弦、大跨度音程跳跃、音阶式音型以及爆发力较强的动机。并非偶然,这些因素在早期钢琴奏鸣曲中也都频频出现,由此可见,海顿钢琴奏鸣曲的风格发展基本上相同于交响乐。为了更好地开发学生对音色的想象力和表现力,海顿早期奏鸣曲在这方面也是很好的教材。在学习奏鸣曲的同时多聆听海顿的交响乐作品,感受交响乐中各个乐器的独特音色,如弦乐部分、管乐部分和打击乐器以及各种乐器音响的组合效果。记忆这些音响并在钢琴奏鸣曲中根据感情的不同、音乐织体的不同发挥对各个乐器的音色想象,这将会大大丰富演奏的表现力从而展示出作品的真正魅力。
结语
以上归纳了海顿早期奏鸣曲的五方面风格特点及其教学意义,但在这里更要强调的是这些作品的真正音乐价值远超乎其初级教学意义的范畴,是值得学生、教师和学者们作进一步研究与演奏的珍贵音乐作品。
内容摘要:针对幼师钢琴教学的特点,抓好基础教学,掌握钢琴弹奏的基本技能和技巧。根据学生的能力和特点,合理、科学、灵活地运用教材,以培养合格的从事幼儿教育的教师。
关 键 词:开发潜能 弹奏的基本方法 强化训练
钢琴课是幼师音乐专业班的必修专业课。无论是教钢琴,还是学钢琴的人都知道,钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间,将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海,大脑马上指挥手指在键盘上弹奏,耳朵还要同时对演奏的声音进行检查,不断地调整和改进。这是全面的训练过程,不仅要训练识谱、听觉,学习音乐知识以提高音乐理解能力,还要花力气掌握弹奏技能,把眼睛看到的、脑子理解的音乐形象得心应手地表现出来。作为一名钢琴老师,应该如何使学生演绎好每一部钢琴作品呢?笔者在教学中尝试了以下几点改革措施。
一、开掘学生潜能,提高学琴兴趣
爱因斯坦有句名言:爱好是最好的老师。也就是说,兴趣是人类潜能的“原动力”。钢琴是一种技艺性很强的乐器,它不仅涵盖的技巧和技术内容繁难,它积累的作品文献更是浩如烟海。在学习过程中,老师如果不能注意提高学生对音乐的兴趣,而是一味地强压,弹琴在学生的心中会渐渐变得枯燥起来,兴趣减退了,练琴的效率就会大大降低。
在传统钢琴教学中,老师注重的是课堂上的讲授教学,而对课下学生练习情况不大过问。事实上,课堂教学和学生课下练习是不可分割的两个方面,缺一不可,从某种意义上讲,后者更重要。在教学改革中,笔者常常布置一些既不是很难又有趣味的作品让学生练习,学生越弹越想弹,从而培养了学习的兴趣。老师在指导时要不断加强学生的信心,以鼓励为主,循序渐进,不断激发其练琴的勇气。利用和选择一些曲目来发挥学生的潜力,提高他们学琴的乐趣,切忌拔苗助长。
此外,要引导学生了解作曲家的经历、创作动机、创作背景、风格流派等,从而真正了解作品的内涵,这种指导学生主动学习的方法也是挖掘学生潜能的一个重要方面。
二、训练学生聆听与思考
音乐不仅仅是人类用音符、旋律、节奏创造出来的艺术形式,更是集理性、激情、秩序于一体的精神产品。丛林中鸟雀的婉转啼鸣、山间流水的浅吟低唱及江河大海的轰然澎湃,都会令人心醉神迷,而一部好的音乐作品,就更能直接打动人的心灵。可以说,音乐是通过“听”才可以掌握的一种艺术,而钢琴弹奏在“听”这一方面更是非常重要和必要的。笔者在教学中比较注重训练学生的听觉能力,并从以下两方面去加强、启发学生的音乐想象力。
1.听自己弹琴。通过“听”自己弹琴来逐渐强化、提高内心的听觉感受。
2.听录音。听录音是一种很好的学习方法。根据学生的实际承受能力和理解水平,笔者一般挑选一些浅显、优美、短小的作品录音给学生听,并且以中国作品为主,例如贺绿汀的《牧童短笛》《绣金匾》《共产儿童团歌——简易变奏曲》等等,让学生随着音乐在脑海中产生一些画面和想象,甚至产生共鸣,在潜移默化中提高欣赏水平。
此外,还要加强理解。在教学中要求学生对弹奏作品进行思考、分析,并展开讨论。幼师生比起少儿,在思考方面更有优势,如好好利用这一优势,便会受益匪浅。笔者建议学生采取“观想”的方法,把弹奏的曲目在脑中像实际演奏一样过一遍。然后,针对某一问题反复体会,找出“症结”。通过尝试,这种方法在实践中起到了作用,有些学生的“痛疾”就是这样医好的。
思考后就要进行分析,分析创作的时代背景、曲式结构、和声手法、演奏风格等。在分析过程中,笔者常让学生展开讨论,举一反三。例如弹奏《绣金匾》(王建中改编)时,笔者让学生讨论该曲是什么性质的歌曲(中国陕北民歌);旋律加花及变奏、高低音声对应,既保持了原民歌的质朴流畅,又发挥了钢琴乐器性能,弹出来的效果应是轻巧、声音干净、玲珑精致、亲切如歌。经过以上分析讨论,学生便可以主动、自如地发挥了。
三、歌曲伴奏和即兴伴奏有机结合
幼师班的音乐教学,培养目标是幼儿音乐教师。即兴伴奏是钢琴教学中的一个重要环节。据了解,以往的即兴伴奏都是在学生快毕业的那个学期集中学习的。笔者在教学中,尝试打破这一常规。布置学生弹奏《车尔尼练习曲599》作品时,每学习一种新的音型,便配合一些简单的歌曲,经老师讲解启发学生设计好织体进行伴奏,这样有利于学生实际伴奏水平的提高。比如《车尔尼599》中第28首练习曲,学到15 35│75 25│的音型,笔者让学生把这种音型用在了儿歌《兰花草》上,学生弹得津津有味,而且记忆牢固。
四、 加强视奏能力训练,掌握正确的弹奏方法
钢琴是一种技艺性很强的乐器。正确良好的弹奏方法,富于层次感的触键方式,较好的音阶、琶音、和弦、八度技术,以及钢琴踏板的合理使用等等,均是弹好歌曲钢琴即兴伴奏的基础。
首先,要指导学生掌握正确的练习方法。从弹奏技巧来说,歌曲钢琴即兴伴奏可高可低,可繁可简,在各自技能的基础上自由发挥,不必做大量的机械性技巧练习,但要练习脑的反应,不论何时何地,反复思考配弹方案,在内心视觉的“键盘”上配弹,用内心听觉感觉、感受配弹的音响,最后上琴检验配弹效果。
其次,特别要加强视奏训练。要加强键盘的直觉感,使眼前有个键盘,看谱上的音符时眼的视线在前,手指弹第一小节时眼睛已看到第二三小节,心里数拍子保持节拍的稳定和节奏的正确。不仅如此,还要加强视谱的正确性,培养看谱弹奏时必须仔细看清谱号、调号、音符位置、节奏及变音记号、力度记号等,养成正确、良好的读谱习惯。要注意和声配置,时刻注意倾听各类和弦的不同音响色彩,以及用不同方式连接而产生的不同效果。
最后,要坚持让学生做移调练习。一首短小的歌曲,移到七个常用调上配弹。练习的步骤可从最简单的音阶开始,熟练掌握七个常用调的基本和弦配置,建立起键盘上牢固的调性思维,削弱固定位置的弹奏概念。
当然,训练要耐心,用慢速练习持之以恒地坚持下去,不可操之过急,所谓“台上一分钟,台下十年功”,掌握正确的弹奏技巧是需要长期艰苦、坚持不懈的努力方能巩固和完善的。教学得法,学生配合默契是成功的法宝。也许教学中困难较多,生源差距较大,进步不一,但只要通过系统的、科学规范的、合乎实际的教学,学生的弹奏能力就会有不同程度的提高和进步。
内容摘要:在高师钢琴伴奏教学中,教师、学生所进行的歌曲钢琴弹奏其目的、意义是各不相同的。它是多声部音乐实践过程中的一个环节,而不是教学与实践的终结。片面地把“歌曲钢琴弹奏”看作是歌曲钢琴伴奏,实质上是不系统地伴奏教学所产生的负面效应。我们赞成以自弹自唱或我弹他唱的键盘和声与旋律结合的形式开展教学。
关 键 词:歌曲教学 弹奏 钢琴伴奏
什么是“歌曲钢琴弹奏”?它是指伴奏者在没有主唱歌曲旋律的情况下,将一首歌曲不做任何变化、从头至尾在钢琴上“独奏”出来。众所周知,歌曲钢琴伴奏重视“唱”与“伴”的合作,而“歌曲钢琴弹奏”只重视演奏者独立的弹技,二者在理念上、心态上是有根本区别的。
一、关于“歌曲钢琴弹奏”之说
笔者曾弹过多年的舞蹈钢琴伴奏,为编配舞蹈伴奏教材,将许多中外歌曲改编成简易钢琴曲。但就像这样一些简易之作,也不都是将一首歌曲旋律不做任何变化在钢琴上进行弹奏,恰恰相反,常常是将歌曲旋律做各种变奏,或以多样的弹奏力度等变化处理的。可以想象得出,一个用右手机械地弹奏中国五声性歌曲旋律,而左手则随便辅以传统三和弦分解式的歌曲钢琴弹奏,是多么自由、滑稽啊!可以肯定地说,为一首歌曲伴奏选择钢琴织体形式的本身,就是一种极为严肃的创作行为。即便是为一首简易钢琴曲编配织体形式时,也一定是从创作的角度观察问题、发现问题、解决问题的。
当然,一首好的歌曲钢琴弹奏,可以加工、演化为初步的歌曲钢琴伴奏形式,而一首好的歌曲钢琴伴奏形式,也可以加工、演化为一首好的钢琴曲,二者具有很强的互补性。许多中外钢琴家、作曲家创作的精品都不乏这类改编曲。关于将歌曲改编成钢琴曲方面的问题,大家可从黎英海《中国民歌钢琴小曲五十首》中找到初步答案。
不过,分析高师教学过程中教师、学生所做的各种“歌曲钢琴弹奏”,其目的、意义是各不相同的。如合唱、声乐、视唱练耳课上教师所进行的歌曲钢琴弹奏,是为了纠正或加强学生的音准、节奏感;编配伴奏者所进行的歌曲钢琴弹奏,是为了选择和弦、聆听和声图式与歌曲的音响效果,或者是歌曲钢琴伴奏的萌芽,或者就是跟弹歌曲主旋律钢琴伴奏形式的初步设想等。这都是无可非议的,它们是教学的需要,是多声部音乐实践过程中的一个环节,但它们绝不应该是教学与实践的终结。
二、钢琴伴奏教学的误区与解决途径
从高师钢琴伴奏教学来看,片面地把歌曲钢琴弹奏看作是歌曲钢琴伴奏,实质上是不系统的伴奏教学所产生的负面效应。如许多学生无论练什么样式的钢琴伴奏,都习惯于右手弹旋律,左手弹自然顺序排列的大琶音分解和弦式的钢琴织体形式,而且常常是在没有人声的情况下进行的。这些弹奏者只强调便于上手弹奏,忽视弹奏者与演唱者的合作,放弃规范的和声声部要求,弹奏音响空洞而不能自辨,更谈不上用所学作曲理论知识去解读自己所弹歌曲钢琴伴奏的和声现象了,只能是浅白地将无人声演唱的歌曲钢琴弹奏解释为歌曲钢琴伴奏。
对此,我的做法是:从歌曲钢琴伴奏编配教学伊始,就以钢琴织体加人声旋律的写作题、键盘题的形式来研究传统和声式钢琴织体的声部进行规律,让学生及早地在听觉上习惯于这种含有人声演唱的正规歌曲钢琴伴奏形式。就是在左手按十二个半音大调或小调顺序弹奏i—iv—v7—i的四部和声钢琴织体时,也一定要求学生用右手弹奏附加密集排列形式或混合排列形式的分解双音、三音、四音和弦声部,并且在此和声背景下编唱或编写简易的旋律声部。这种将传统的四部和声键盘形式与旋律写作形式的结合,开拓了学生学习的视野,提高了学生的理论与技能协调发展的能力。
另外,我要求学生们重视对和弦、旋律钢琴化织体编配原理的研究。如学生在学习歌曲伴奏编配时,先掌握将一个和弦写出多种形式的钢琴织体练习,或者将某一旋律片段在钢琴上做各种单手、双手的旋律钢琴化织体的变奏处理等。这提高了学生们对和声式钢琴织体中声部增减规律、旋律钢琴化织体特殊性的认识。如果我们的教师能以弹奏的形式教学生配弹伴奏,也能以作曲理论知识解读具有教学意义的钢琴伴奏织体中的和声现象,同时还能写出教师即兴伴奏的乐谱和分析,那对学生来说,他们所接触到的歌曲钢琴伴奏教学才是较完整的伴奏教学。
曾记得1982年我在新疆艺术学院舞蹈系任钢琴伴奏教师时,就客串为一位蒙古民歌手即兴伴奏过一回,并且在省电台录音棚录音。回想当时,那位民歌手是用蒙文唱了一首蒙古长调民歌,歌词足有七八段,临时给我的那份“简谱”也是无小节、无中文歌词、无拍子的非正规乐谱,而且民歌手在每段进行反复时演唱速度、节奏等都不太一致(根本就是即兴式演唱)。我在即兴伴奏中主要采用了随腔伴奏法,即以支声式钢琴织体为主的伴奏方法,录音效果还不错,至今我仍保留着那盒录音带。这对我日后所从事的高师教学工作起到很大的帮助。
这件事引起我对高师钢琴伴奏教学的另一想法,即在伴奏教学中,应重视音响(像)教材的积累。如把教师、学生平时重要的编配伴奏成果录成磁带或录像带,事后加以总结、分析,对照音响(像)教材研究伴奏织体的规律。只有经常让学生和教师听到、看到自己编配、演奏的成果,方可找到自己配弹伴奏中存在的问题,并从中积累经验、树立起编创的信心。我认为这是一条成功的伴奏教学改革经验。
在多年的高师教学中,我常看到一些学生在演唱会、音乐会上所弹的中外艺术歌曲钢琴伴奏,弹奏方法、伴奏层次还颇具一定的艺术水准,但是一到毕业实习或工作中,当他们所面对校园歌曲体裁,为这一类曲式短小的中小学生齐唱、合唱歌曲配伴奏时,我们的准音乐教师们就显得编配技法过于陈旧、单调、乏味,取而代之的只能是简单的歌曲钢琴弹奏。什么“弹伴奏,套织体;弹旋律,踩踏板;顺着弹,别停拍;选和弦,不是大三就小三”等等口诀,似乎就成了中小学校园歌曲伴奏编配的唯一法则。为此,我在钢琴伴奏编配教学中,要求学生把选择中外少儿歌曲配伴奏作为教学的突破口,以此带动其他体裁的歌曲钢琴伴奏编配,收到了良好的教学效果。同时,我鼓励学生们多用变化来重复歌曲主旋律的伴奏形式,选择具有创造性、艺术性较强的钢琴织体为少儿歌曲配伴奏。在我的指导下,许多学生的伴奏习作还陆续发表在中国音协主办的《儿童音乐》期刊“五线谱之页”栏目上。这说明高师大学生是具有一定创作潜质的,关键是教师能否激发、培养他们的创作意识。
三、转变教育观念、完善伴奏教学
随着教学改革的不断深入,高师伴奏教学已引起有关部门和专家们的高度重视,大家初步认识到没有人声旋律的歌曲钢琴弹奏,实质上就是“对空伴奏”,这种伴奏形式强调的是重弹轻伴,与正规的伴奏教学相差甚远。为此,在1998年由教育部主办、华南师大承办的“全国高校音乐教育基本功比赛”中,一些院校的学生就能以自弹自唱的形式展示伴奏教学成果,这是值得大力推广的。
当然,高师教学改革首先是教师教育观念的转变,这已被大家所认同。但是,“高师钢琴伴奏可以说是一个操作层面的名词,作为一个学术层面上的名词应叫做钢琴艺术指导,这样的正名意味着一个学科的成熟”。①它充分体现出高师新型的学科思想,而不只是单一的职业技能教育。我认为,就高师职业技能教育来说,首先应强调学生必须具备一定的音乐创作能力。因为音乐创作本身就是一种综合素质能力的体现。其次,除了要求学生掌握一定的钢琴弹奏技巧和演唱技巧之外,还应加强学生移调、视奏(唱)、合奏(唱)等能力的培养。只有当学生的音乐理论、钢琴弹奏和演唱技能等达到相当水准后,我们的“有声”键盘和声练习才显得更加充实、实用。
就我个人的意见,一定要增加键盘和声与人声演唱的钢琴伴奏织体习题型,即自弹自唱或我弹他唱的键盘伴奏习题型,否则,学生得到的只是单一层面上的钢琴织体音响。这不利于学生编配伴奏和伴奏听觉能力的培养。我们应该在高师伴奏教学、考试中废止这类没有主唱歌曲旋律的钢琴织体弹奏。如果伴奏教学只是为了要求学生掌握钢琴织体的多样性,那么教师可以有意识地让学生采用“一歌多型”的编配方法。这不失为一种积极的教学手段。除此之外,还应加强器乐伴奏的教学内容。众所周知,器乐曲曲式结构较多样化,而且篇幅也较长,一般编配者很少能用一两种伴奏织体形式完成。这样就逼迫编配者非得多学几手才行,尤其是对复调体钢琴伴奏织体的研究。如学生能将巴赫复调创作技法合理地运用于歌曲、器乐钢琴伴奏中,该是多么具有创造性啊!
“歌曲钢琴伴奏”是多声艺术、听觉艺术、合作表演艺术。音响(像)对于伴奏教学至关重要,它是保证音乐教学的必备条件之一。高师除加强伴奏教材的研究与推广外,应重视师生即兴伴奏(速成伴奏)音响(像)教材的积累与交流。在转变教师教育观念的同时,应组织各类音乐学院、文艺团体和艺术师范院校的师生共同开发、出版一大批具有教学价值的“一歌多型”的钢琴伴奏音响、音像教材,以填补高师伴奏教学改革的空白。
内容摘要:为提高钢琴演奏教学效果,将钢琴教学提升至“弹奏技法”与“音乐教育”相融的层面,就要掌握弹奏技法,了解感受音乐作品的创作背景、风格,把握音乐作品的旋律,运用丰富合理的想象等。
关 键 词:钢琴演奏 技法 教学 音乐
随着钢琴教育事业的不断发展,钢琴这件原本神秘的西方乐器早已走进千家万户,被越来越多的人所青睐。钢琴之所以备受青睐的主要原因之一是它让钢琴演奏者步入了音乐的神圣殿堂,领略了音乐艺术的迷人魅力。由此可见,钢琴教学目标并不是让学生掌握“弹奏技法”,而是要他们在”弹奏”的同时领略“音乐”的内涵,将“弹奏”与“音乐”相结合,使钢琴教学提升至“弹奏技法”与“音乐教育”相融的层面。
一、掌握弹奏技法是学习钢琴演奏的基础
技法在钢琴演奏中占有举足轻重的地位,它是高质量演奏的必需条件,若想通过演奏如实、充分地显现出演奏作品的音乐及其情感,全面、扎实的弹奏技法是必备的基础。在钢琴教学过程中,教师应做到以下方面。
1.加强目的性教育 使学生明确技法在钢琴演奏中的地位和作用,设定符合学生群体和个体的技法学习目标,激励每个学生积极地自主训练,将技法学习变为自觉的行动。
2.重视钢琴演奏基本功的训练 这一教学环节要从最基本的坐姿开始,教师教育学生要在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时,在严格要求的基础上,观察、分析学生在演奏中出现的技法错误及其产生的原因,及时采用有效方法与措施,纠正与指导学生在演奏中出现的技法错误,使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“动力定型”,为学生操作、控制键盘,自如地表现音乐打下坚实的基础。
正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的范畴,就好像识字是读文章的基本要素一样。提到正确的读谱,许多学生认为只是音高、节奏的正确。而事实上除了这两者之外还有许多重要的标记,都直接影响对乐曲的理解、表现以及对乐曲风格的把握和诠释。例如,音乐术语提示了乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板,这直接关系到学生对整个作品的风格把握;力度标记,同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。在古典音乐中,一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层次;而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff,幅度更加宽广;速度变化如:放宽(allargando)、减慢渐弱(calando)、加快(accelerando)、逐渐加快(stringendo)等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。因此,学生在演奏作品时要把握不同的速度要求,尽可能表达出作品的本意。
综上所述,我们不难看出演奏的基本功是以音乐的基本要素为基础的,二者是相辅相成,不可分割的。
另外,值得提到的是在教学活动中,要经常向学生介绍一些音乐之外的知识。例如讲到西班牙的音乐作品,可以讲解一下西班牙民族的性格特征及国家的发展历史,使他们在学习的过程中了解多方面的知识。掌握丰富的知识对学生弹奏以及对乐曲的表现都是有很大帮助的。
二、 了解感受音乐作品的创作背景、风格是掌握钢琴演奏的前提
在学习演奏音乐作品之前,必须要让学生了解音乐作品的创作背景及其风格才能使学生学会在演奏中表现音乐。
1.充分了解音乐作品的创作背景 一个音乐作品往往是作曲家内心体验的再现,只有理解和掌握了作品内在的感情,演奏出来的音乐才具生命力和感染力。所以,在钢琴教学中,教师要向学生讲授作者生活的年代、生活、作品的创作背景等,使学生对作品的相关情况及作曲家的创作意图有一个深刻的理解,使学生从理论的层面上认识音乐作品。
2.感受音乐作品的风格 教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳途径。首先教师在教学过程中,要经常提醒学生注意倾听自己的音乐,去努力分辨自己的演奏音乐是否优美,仔细感受声音的层次变化。其次教师引导学生倾听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精彩演奏,使学生在听的过程中感受音乐的美妙,感受音乐作品的风格。例如,肖邦的优雅、华丽,柴可夫斯基的淡淡的俄罗斯忧郁情怀,莫扎特的明朗、纯净,李斯特的热情、奔放等不同的音乐风格。使学生在音乐作品的把握上,有一个初步的了解与感觉,为其在演奏时更准确、细致地表现音乐做好准备。
三、掌握音乐作品的旋律是提高钢琴演奏的关键
旋律是音乐中最富有表现力的关键部分,要表现好旋律,首先要准确地找到旋律的动向、形态。人声是自然界所有声音中最自然、最具感染力的声音,演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具流动性和感染力。因此,在钢琴演奏教学过程中辅以演唱手段(在演奏的同时演唱或单一演唱作品的主旋律)时,尽量做到使演奏的呼吸恰当、强弱变化自然、音色优美如歌唱一般,使作品中的音乐性更加鲜明。只有这样,学生演奏的音乐才会更自然、更流畅,使演奏更具歌唱性,才能掌握音乐作品的旋律。
四、合理丰富的想象是巩固钢琴演奏的手段
想象,是人的头脑里对记忆、表象进行分析、综合加工改造,从而形成新的表象的心理过程,它是思维的一种特殊形式。科学家爱因斯坦说过:“想象比知识更重要”。而钢琴演奏是再现音乐家思想、民族风格、生活场景等想象的过程。鉴于此,教师在教学过程中,应选择一些形象化的音乐作品让学生演奏,引导并鼓励他们通过想象来表现音乐,使音乐更加形象化,使作品如一幅栩栩如生的画卷一样展现在人们面前。这样会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美好和音乐的美好。例如,柴可夫斯基的钢琴套曲《四季》中的《六月——船歌》是根据俄罗斯诗人普列谢耶夫的诗作创作的。诗中写道:“走向河岸——那里的波涛将喷到你的脚跟,神秘而犹豫的星星会照耀着我们。”使学生在演奏作品的同时想象到荡舟湖上的感觉,湖边挺立着美丽的白桦林,突出了作品中特有的俄罗斯忧郁、柔美的风格。
钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程,是一种人类自身的文明教育。因此,在钢琴教学中,学生欲将“弹奏”与“音乐”相结合,提高钢琴演奏教学效果,应该熟练地掌握弹奏技法,充分了解感受音乐作品的创作背景、风格,辅以演唱掌握音乐作品的旋律,依托想象再现音乐家思想、民族风格、生活场景,巩固钢琴演奏能力。
内容摘要:大学音乐教育是大学生素质教育的组成部分,钢琴即兴伴奏又是器乐演奏的主要内容。探讨大学钢琴即兴伴奏教学,寻找提高钢琴教学水平的手段和方法,有利于提高大学生的演奏水平,有利于全面提高大学生素质。
关键词:钢琴 即兴伴奏 情趣 教学手段
所谓钢琴即兴伴奏,是指伴奏者在毫无准备的情况下在钢琴上瞬间将钢琴演奏技巧、键盘和声以及音乐理论知识等巧妙地结合起来,为演唱、演奏旋律进行艺术再创作的伴奏声部。钢琴即兴伴奏中的“即兴”二字,充分体现了其表现手法的重要特征,它要求伴奏者应具备一定的综合素质与能力,并做到脑、眼、手三快。其中脑快占主导地位,即在钢琴伴奏整个过程中,始终要保持清晰的头脑,不出现丝毫错误;眼快则是眼睛看乐谱的快速反应能力,要有一眼而过的感觉;手快则是大脑快速反应出信息,双手立即弹奏出乐谱曲调。
一、培养大学生的学习兴趣,激发他们的学习情趣
“情趣”是大学钢琴教学愉悦化的重要形式。钢琴教学与普通教学的区别很大,它要求学生在短期内学习和掌握大量的音乐知识和信息,同时还应具备一定的钢琴伴奏技能,这无疑对当今大学生的学习能力提出了更高的要求。传统的钢琴教学历来采取“一对一”的教学模式,这种教学方式难以解决时间短、信息量大与演奏技能要求高之间的矛盾,更不能有效地改善教师处于主动、学生处于被动的状况。长此下去,学生就会对钢琴学习兴趣索然。因此,情趣化钢琴教学势在必行。它不仅可给老师减轻压力,而且还能使学生对钢琴学习产生浓厚的兴趣。同时也可以用多种形式、多种内容进行即兴练习,提高快速反应能力。在教学过程中,教师可以让学生互相观摩、互相评议;可以在教师的引导下,就钢琴即兴伴奏进行各种情绪化的练习,做到课堂情绪气氛愉快,形式活泼,内容丰富,视角广阔。
1.用比拟的手法引导学生的情感。由于学生的钢琴程度参差不齐,他们大多对手指的控制能力较弱,对音响的概念较模糊,弹奏时手指的力度不能到位,所以,弹奏出来的声音就显得很僵硬。因此在教学中,教师应首先给学生们讲解钢琴的发声原理,训练他们如何辨听弹奏声音的音质,使他们能够明白触键的重要性,从而激发他们学习的兴趣。
2.用乐曲的背景知识激发学生的情感。在任何即兴伴奏中,教师应先向学生介绍作曲者的情况及其相关作品,让学生充分了解创作者的意图,然后再引导学生分析曲谱的表达方法和目的,使作曲者与伴奏者的心灵融合在一起,使音乐更具感染力。
3.用创编的方式点燃学生的情趣。钢琴即兴伴奏的教学内容包括伴奏创编、钢琴演奏、自弹自唱与实际伴奏四个部分,它们相辅相成又相互渗透,其中创编显得尤为重要,因为它既能体现伴奏者的综合素质与能力,又能使伴奏者在这个过程中把自己所掌握的理论知识付诸于实践。在实际教学中,教师可选用实例,把其创编过程完整地示范给学生,这样可极大地促进学生的创编欲望,有助于激发学生的学习情趣。总之,巧妙设计与营造好的艺术教育氛围,激发学生情趣,点燃学生的情感火花,成为大学钢琴教学不可或缺的三大要素。
二、以钢琴即兴伴奏为主线,把理论与实践贯穿到教学的全过程
作为一名大学钢琴教师,首先要清楚地认识到培养目标与教学目的。在对学生进行教学时,要采取循序渐进的教学方式,有针对性地给学生布置一些相关练习曲,使他们能够在短期内快速掌握一些钢琴弹奏的基本技能技巧, 然后再让他们涉猎并掌握一些复调乐曲、奏鸣曲以及各类大、中、小型乐曲。大学音乐教育的钢琴课与音乐专业院校的钢琴课有着本质的区别,音乐专业院校的培养目标是专业演奏者,而大学钢琴课的教学目的则是培养学生的综合演奏能力,以及如何掌握即兴伴奏的技能技巧。所以,必须加大钢琴即兴伴奏这门课程的课时量,以保证学生有足够的时间进行练习。
在开始钢琴即兴伴奏课程之前,音乐学系应召集钢琴教研室全体教师共同研究和探讨该课程的教学大纲,把各项教学内容进行适当的调整。根据教学对象的实际情况和特点,在教学大纲的指导下灵活教学,并突出音乐教育专业的特点。
1.掌握钢琴弹奏的技术。一般是通过钢琴练习曲来完成。其内容包括断奏、连奏、跳音、音阶、琶音、双音、和弦、八度、震音及装饰音、踏板等训练。因此,合理安排曲目的难易程度和如何选择曲目很关键。
2.学生一定要掌握好断奏、连奏、跳音、音阶、琶音、双音、和弦、八度等钢琴演奏的基本技术。在教学中,教师应采取循序渐进、难易搭配的方法,使技巧训练贯穿于整个学习过程。钢琴练习曲与钢琴技巧训练,可占整个钢琴教学的30%。
3.复调作品难度太大,耗时耗力,可适当选择,不可作为主要内容。复调作品占整个钢琴教学的15%即可。
4.中外中、小型作品可以作为主要内容,因为学生可通过这些作品了解各个时期作曲家的音乐创作手法与演奏风格,这是培养学生音乐表现能力的重要途径。
5.中外大型作品具有较强的可听性,能使学生所掌握的钢琴基本技术得到有效运用,并且对培养他们音乐整体结构感等方面很有帮助,因此,应加大这方面的内容。所以,中外大、中、小型音乐作品(含奏鸣曲)可占整个钢琴教学内容的50%左右。
6.在钢琴教学中,除了应开设伴奏课程以外,还应着重培养学生的创编能力,为日后的即兴伴奏储备大量的感性知识。伴奏曲目应占整个钢琴教学内容的50%左右。目前,根据已就业学生的统计数据来看,他们参加独奏的机会很少,基本上都是以弹钢琴伴奏为主。因此,大学音乐教育的钢琴教学需加大钢琴即兴伴奏教学内容的比例,满足当今社会的需求。
在钢琴即兴伴奏教学中,面对钢琴水平参差不齐的学生,重点就是要有针对性地进行教学,即根据每位学生的不同弹奏程度而制定不同的教学方案,做到因材施教、有的放矢。同时,系领导也可采取定期检查与抽查的方式,随时了解教师在教学中的执行情况以及学生掌握的状况,以此来促进教学。
三、丰富钢琴即兴伴奏教学的手段和方法,不断提高教学质量
大学音乐专业学生的即兴伴奏是建立在良好音乐素质和良好的钢琴演奏基础上的一种高级演奏技巧。教师在教学过程中,要找到现代音乐教育手段和方法,向学生传授钢琴理论知识和演奏技巧。学生的钢琴水平是参差不齐的,这就要求教师采取区别对待的原则和循序渐进的教学方法。
(一)因材施教
根据因材施教的原则,按学生的具体情况而采取不同的训练方法。采取小组课的形式,把程度相近的放在一起“回课”,进度统一。这既可及时纠正错误,小组成员又可取长补短,互相促进。在实践中,重点加强对学生的辨别能力及解决问题的能力培养,然后再进行各小组之间的竞赛。如共同性的问题、理论性的问题,可直接采取大课集中讲授,这样可讲得全面、透彻,也可减少不必要的重复。也可不定期举行一些小型交流性学习观摩或演奏会,增加教师和学生之间相互学习的机会。
1.对于钢琴程度较差的学生,必须要让他们的弹奏达到即兴伴奏的起码要求,即能熟练掌握几个常用大小调的音阶、琶音及和弦的连接,并能快速地移调。课堂上,教师可以选择几首篇幅较短、具有典型特点且编配好的歌曲让学生在几个常用的调上反复进行练习,其目的就是为了适应演唱者在不能以原调演唱的情况下临时升高或者降底音调时弹奏的需要。
2.对于钢琴程度较好的学生,可以对他们增加难度训练。首先要求学生必须熟练地掌握24个大小调的音阶、琶音及和弦的连接,然后对各种伴奏音型进行反复练习,并能快速地移调。再就是要学会如何分析钢琴作品与伴奏正谱,并弹奏各个时期的有代表性的钢琴作品,如古典时期的贝多芬与莫扎特、浪漫时期的肖邦与舒曼、印象派音乐代表德彪西等作曲家的作品,以此提高他们的钢琴即兴伴奏技巧。
(二)加强学生对歌曲的理解能力
要提高学生钢琴即兴伴奏的能力,分析作品很关键。只有真正理解作曲者所要表达的意图,了解乐谱的曲式结构,才能准确地编配出符合音乐作品内容与风格的伴奏织体与伴奏音型,使音乐更具感染力。
1.打好专业基础。钢琴即兴伴奏的基础包括五线谱基础、和声基础、歌曲分析基础。平时,学生要加强基本功练习,合理安排计划,根据自己的特点侧重练习,直到熟练掌握为止。
2.正确处理好伴奏音型的音乐表现力以及伴奏音型与即兴伴奏基础的关系。
3.注重即兴编配能力、即兴应变能力和即兴综合能力的培养。
4.加强伴奏音型的基本形歌谱、五线谱式与歌曲即兴伴奏(和弦式、分解和弦式、平分解和弦式)的练习,有选择性地对伴奏音乐歌谱采取曲谱型练习、歌曲伴奏练习和即兴伴奏练习。
(三)掌握即兴伴奏中的各种对比方法
1.旋律方面的弹奏与对比(有旋律与无旋律的对比;原旋律与变化旋律的对比)。包括单音型律与重复旋律的对比(单音式旋律、乐谱、歌谱、曲谱、双音与八度式旋律)、旋律的音区对比、主旋律与复调的对比等。
2.音型与节奏方面的对比。包括着重理解有无重音的对比、有无强拍的对比、和声与调性的对比、音区的对比、力度的对比、奏法的对比、特性节奏音型的应用、各种附加音的使用等。
四、重视大学生钢琴即兴伴奏技能技巧练习,提高演奏水平
钢琴即兴伴奏是集钢琴演奏技术、键盘和声技术及伴奏造型能力为一体的综合艺术。首先,学生必须具备一定的钢琴演奏技能,否则谈不上以钢琴为伴奏乐器。其次,和声知识在键盘上的实际应用十分关键,因为伴奏是一种以和声为基础的多声部的组织形式,缺乏这种基础也谈不上伴奏的问题。再者,创造性地运用声部的造型形式即特定的音型与旋律相配合,伴奏的艺术效果便由此产生。
(一)着重加强大学生钢琴即兴伴奏理论知识和技能的提高
教师在教学中应从如下方面入手:
1.力图使基本和声及常用和弦、伴奏音型与伴奏织体、伴奏中前奏和声的编配、间奏的编配、和声与伴奏音型进一步丰富。
2.注重色彩性和声的练习,如刮奏、琶音音型的四种练习以及前奏、间奏、综合音型、伴奏音型和范例欣赏等。
3.从繁到简,举一反三。在复杂的练习过程中,我们不能忽视对基本功的练习,有时还要对简单的单音、八度、音程伴奏进行不间断的练习。根据大学生的兴趣及需要程度循序渐进地学习。同时,将错综复杂的伴奏总结归类并公式化,学生通过一种伴奏公式便可为上百首同类歌曲伴奏,可谓会一通百,举一反三。
(二)长期坚持即兴伴奏的和声练习与应用
钢琴即兴伴奏应以基本技术为主要界定点,使大学生从基本技术级过渡到高级技术级,最后上升到演奏级。教师除了在教学中向学生传授演奏理论指导外,还要选取大量的手指基本的训练、练习曲和复调作品、中外乐曲以及各种类型的奏鸣曲等来加强实际训练,使学生从感性认识到理性认识、从理论到实践,来掌握所学的钢琴演奏技术,提高学生准确把握不同作曲家和不同时代的作品风格的能力。